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Confeccionado de forma colectiva y dirigido a todos los públicos. Acompáñanos en este deambular sonoro por los diferentes contextos de la escena granaína.
«Granada Suena» ha sido realizado en el marco del Proyecto de Investigación para Jóvenes Investigadores e Investigadoras (Universidad de Granada, 2023-2024) «“Solo por ti el rock existirá”: Miguel Ríos como crisol de diferentes contextos musicales desde la década de los sesenta a la actualidad» (IP’s: Toya Solís y Marina Hervás), de la Fundación Miguel Ríos Rock y Solidaridad, y el inestimable apoyo de las y los especialistas que han realizado cada entrada.
Sara Armada y Toya Solís
María Esther Almaral Martínez
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Una semana en el motor de un autobús
Una semana en el motor de un autobús
Escrito por:
Alfonso Méndez Jaime
Editor en Ondas del Espacio
Agitador cultural por encima de todo. Autor del libro "De viaje por los Planetas", habitual colaborador de medios escritos como Rockdelux y organizador de conciertos y eventos desde hace más de una década
Mientras esperábamos un disco más de Los Planetas, el grupo mutaba hacia un destino impredecible. Tan difícil se presentaba la grabación de Una semana en el motor de un autobús, por las relaciones entre sus miembros, que pudo acabar con el propio grupo. Cuando empezaron a crearlo eran más una banda en proceso de reestructuración (tras las salidas de Raúl Santos y May Oliver) que un grupo unido. Este disco supuso una expresión de todos esos momentos agrios, unidos junto a la exposición sentimental tan brutal que las letras relatan, haciendo que desde el primer segundo se inyecte directamente en el oyente llevándolo al interior de una apisonadora emocional llena de fuerza, rabia, odio, rencor, sinceridad, tensión… Todo eso reunido en sonidos y palabras que te golpean la cara, los oídos y por supuesto el corazón nada más escuchar el arranque de la canción que abre el disco: «Segundo premio». Este primer corte se presenta a ritmo de caja y bombo mientras las guitarras sueltan explosiones controladas y los bajos tensan las cuerdas, dentro de una maquinaria perfectamente engrasada, logrando así un sonido propio de una división superior. Los Planetas comenzaban a jugar en otra liga y a lo que entonces eran buenas intenciones, actitud y ganas de tocar, se les unen profesionalidad, trabajo y tesón. La aportación rítmica de Eric Jiménez (KGB, Lagartija Nick) apuntala los temas y dota al grupo de una base rítmica sólida. El escocés Kieran se une a la banda para ejercer de bajista tímido pero efectivo. Florent engrandece sus, ya de por si, brillantes guitarras y comienza la andadura en el grupo de un joven Banin Fraile (Ciao Firenze) que refuerza las composiciones con teclados y guitarras. Parecía que todo encajaba en lo teórico y también en lo práctico. La producción y los arreglos de Kurt Ralske son bastante más acertados que en Pop quizás porque trabajó en su propio estudio o, porque posiblemente entonces entendió mucho mejor el sonido del grupo, aunque dejó retazos del anterior álbum en «Desaparecer» —crónica de una difícil relación de amistad— y «Ciencia ficción» -visión distópica del futuro-.
La voz de Jota mejora unida a sus letras, cada vez más directas y emotivas si cabe, se desnuda y sincera ante los demás sin temor, y eso se nota en el resultado. . «Desaparecer» relata una difícil relación entre amigos. Para muestra, «La playa» como perfecta redacción de lo que es una fractura emocional, uno de los temas destacados como single junto a «Segundo premio» y «Cumpleaños total». Precisamente, este último se convirtió en uno de los himnos del grupo durante mucho tiempo, siendo coreada en sus conciertos de forma enérgica y contundente, como el propio tema. Sin duda una inyección chute de adrenalina que conectaba con sus fans por la vía directa.
Una semana en el motor de un autobús es un golpe en toda la cara, una hostia bien dada, un gancho de izquierdas, una máquina bien engrasada, una lucha eterna, un deseo incumplido y una montaña rusa de emociones que tiene momentos álgidos —«Segundo premio», «Cumpleaños total»—, bajones memorables —«Desaparecer», «Parte de lo que me debes», «Línea 1», «La playa»— y muy notables ascensos —«Montañas de basura», «Ciencia ficción», «Un mundo de gente incompleta»—, pero todo se resume en el perfecto broche del disco: «La copa de Europa», una épica composición que esconde, en sus casi diez minutos, la energía de un motor que a ritmo de sístole y diástole sufre, siente, ama, sueña y estalla. Larga vida a Los Planetas .
Una semana en el motor de un autobús es un golpe en toda la cara, una hostia bien dada, un gancho de izquierdas, una máquina bien engrasada, una lucha eterna, un deseo incumplido y una montaña rusa de emociones que tiene momentos álgidos —«Segundo premio», «Cumpleaños total»—, bajones memorables —«Desaparecer», «Parte de lo que me debes», «Línea 1», «La playa»— y muy notables ascensos —«Montañas de basura», «Ciencia ficción», «Un mundo de gente incompleta»—, pero todo se resume en el perfecto broche del disco: «La copa de Europa», una épica composición que esconde, en sus casi diez minutos, la energía de un motor que a ritmo de sístole y diástole sufre, siente, ama, sueña y estalla. Larga vida a Los Planetas .
Recomendaciones:
Solo postres
Solo postres: post-rock experimental en un mundo de fantasía y terror
Escrito por:
Jesús Martínez Sevilla
Crítico musical en El Independiente de Granada
Jesús Martínez Sevilla es Doctor en Estudios de Género por la Universidad de Granada. Es crítico musical en El Independiente de Granada desde 2020 y ha publicado crónicas de conciertos y entrevistas con artistas musicales en revistas como Lumbre o Mondosonoro
Ramper lanzaron en 2020 Nuestros mejores deseos, un debut prometedor cuya amalgama de post-rock y slowcore con toques de shoegaze y doom era emocionante y, sobre todo, original, propia. Pese a ello, el salto adelante que ha dado el cuarteto con su segundo LP, Solo postres, ha sido asombroso. Los cuatro años de espera han estado bien invertidos: por una parte, el trabajo compositivo ha sido excelso, con canciones mucho más complejas y redondas. Por otra, el salto cualitativo en la producción ha sido brutal. Las grabaciones de este álbum tienen mucha más profundidad, y en ese espacio Ramper han creado todo un universo lleno de vida, de leyendas, de personajes, de lore. Han llevado su maestría en el control de las dinámicas a otro nivel, descartando el crescendo lineal e incorporando cambios de volumen más sutiles y progresivos y otros más bruscos y extremos, empleando además una mayor diversidad de texturas. Como guinda, Álvaro canta con mucha mayor seguridad y su voz está mejor mezclada. Todo ello hace de Solo postres una versión en 3D y a todo color de lo que en Nuestros mejores deseos apenas era un bosquejo a lápiz, una obra donde se pueden percibir aún todas las influencias (Godspeed You! Black Emperor, Low, Swans, Xiu Xiu, Black Country, New Road), pero que las trasciende para convertirse en algo propio.
El disco se abre con un tríptico: “Un miembro fantasma”, “Día estrellado” y “Reina de farolas” repiten e intercambian entre sí varios versos y melodías. La historia que cuentan parece ser la de una relación de miedo y devoción por algo indefinido, pero poderoso y terrorífico; ese “miembro fantasma” que reaparece una y otra vez para atormentar al protagonista, bañado en una luz sobrenatural, astral, y acompañado de una canción “sin palabra, voz o emoción”. El grupo nos sitúa ante esta presencia combinando el ruidismo de la formación clásica de rock con la influencia del folklore a varios niveles: los aires de marcha de Semana Santa que imprimen la batería y los vientos, el prominente uso de la guitarra acústica, la incorporación de la melodía de la canción popular “Vamos a contar mentiras”… Unido a las siniestras letras pobladas tanto de ángeles y estrellas como de carne y sudor, el paisaje que dibujan estos cortes es una especie de gótico andaluz, un mundo asfixiante pero extrañamente seductor, tan fantástico como tétrico.
A continuación, “En nuestros últimos días” la canción más singular del álbum, ejerce como bisagra. Su letra se aleja del terror que puebla los demás cortes para tratar más bien de una cotidianidad anodina y de las oportunidades perdidas para establecer una conexión con alguien. Su sonido, al inicio casi desprovisto de percusión, después introduce cajas de ritmos y sintetizadores alienígenas. Es una canción inclasificable, que crea momentos de belleza sobrecogedora a partir de elementos mínimos: la pequeña melodía de cuatro notas que tocan varios instrumentos al unísono, los dulces coros de “y nos hace reír”, la distorsión que acompaña ese “porque nunca pasa nada/porque todo pasa por ti”... Y luego está ese final en que la batería da un nuevo impulso a la canción y los sintetizadores devoran la mezcla. La mejor expresión de lo que son capaces de hacer Ramper, de la falta de fronteras de su música.
El bloque final del álbum vuelve a los terrenos espeluznantes de las primeras canciones. “Solo postres” usa terroríficas referencias líricas para trasladarnos a un ambiente de pesadilla, y la música encuentra formas muy creativas de acompañar esta sensación. La nube de sintetizadores con que se inicia el tema (algunos acuáticos, reverberantes; otros maquínicos, acerados) pone el vello de punta, mientras que la combinación de sonidos que acompañan a Álvaro cuando repite el escalofriante estribillo (“sé delicado, por favor”) se te mete bajo la piel. “Los ojos de los demás” es un corte transicional, donde de nuevo apenas hay percusión; una guitarra de ecos funestos comanda la operación, mientras que otra guitarra añade detalles y el bajo mantiene todo unido. Tras una nueva retahíla de imágenes inquietantes (“Como meter la mano en un hueco/y sentir del otro lado un tirón”), la canción desemboca con mucha elegancia en el último tema, “Poderoso puño”, todo un himno que lleva años formando parte de sus setlists. El precioso cierre, donde mandan la trompeta de Miguel y el clarinete de Elvira, casi acaba convertido en una nana, un arrullo con el que volver a dormir esos miedos que acechan, agazapados, en este disco monumental, que consigue no sucumbir a ellos, sino atravesarlos. Así concluye Solo postres, sin duda uno de los discos más importantes de la escena granadina en los últimos años; uno que pronto será considerado legendario por los fans del rock más experimental.
Recomendaciones:
Graná Enterrá [autoetnográfico]
El sonido underground de la escena
Escrito por:
Nicolás Cortes Moral
Uno más en la escena musical granaína
- Parte de Sociedad Fonográfica Subterránea - Fundador de Grabaciones Bonicas - En "Bonico"
Una de las primeras birras que me tomé en el Planta aún sin edad para conducir (me la pediría mi hermano... ) fue viendo a Maine, un grupo de posthardcore noventero del rollo Fugazi, Jawbox y la escuela BCore que me dejó completamente roto del gusto. Cuando a los años eché cuentas de quiénes formaban aquella banda, con músicos que formarían proyectos como Varaverde, Bisagra o Palmar de Troya, y la repercusión que habían tenido sus dos discos en comparación con proyectos similares del resto del país me di cuenta de lo sumamente JODIDO que es sacar siquiera la oreja cuando dedicas tu tiempo libre a hacer cancioncillas.
En algún punto de mi historia, sacando a duras penas mi propia música, pensé que sería guay sacar también la de amigos y conocidos que estaban haciendo cosas interesantes. Mola más ir acompañado en esta procesión. Las penas, los lamentos y el puro goce saben mejor.
La Granada musical subterrerránea, esa que no recibe ayudas ni subvenciones de instituciones, que no disfruta de un espacio no comercial en el que dar a conocer su música sin ser patrocinada sin ver siquiera nada a cambio, o la que directamente tiene que hacer un desembolso económico por tocar, es demasiado grande, es enorme, representa la mayoría democrática de proyectos musicales de la ciudad de Granada. Por ello no está de más darla a conocer de vez en cuando, ya sea montando un concierto o creando un disco recopilatorio. Y eso es "Graná Enterrá", una pequeñisísima (ínfima) representación de esa Granada inquieta, que goza del gusto por juntarse con lxs colegxs en el sótano o local que tercie y pasar un buen rato creando algo de la nada que nace de la pura pasión, el ingenio, en buen rollo y la inocencia.
El primer volumen de esta Graná Enterrá lo forman Ramper, Virginias, Los B.e.s.o.s., Colegas y tal, Enrique Octavo, Yaveremos, Srta. Trueno Negro, Biblical Soccer Sky Bacon y Bonico. 10 proyectos, cada uno de su pae y de su mae, plasmados en un disco en formato digital y un cassette con cara A y cara B con artes del guapísimo y tremendo Ahrde. 10 canciones hechas y paridas con técnicos y productores de aquí. Está feo decirlo pero es "la polla" lo bien que suena.
Recomendaciones:
Omega (1996)
Omega: Cuando el flamenco y el rock se encuentran
Escrito por:
Nano Barrera
Doctor en Historia y Ciencias de la Música. Profesor Ayudante Doctor en la Universidad de Cádiz.
Doctor en Musicología por la Universidad de Granada (2014). Becario FPI (2010-2014), posdoctoral Junta de Andalucía (2015) y UGR (2016). Estancias en Milán, Leeds y Huddersfield. Premio de Invesitgación Musical Manuel de Falla (2013). Profesor en la Universidad de Cádiz (2017-), máster Universidad Internacional de Andalucía (2017-), Universidad de Granada (2011-2017). Docencia en distintos Grados de la Universidad de Cádiz, Máster en Investigación y Análisis del Flamenco, Innovación educativa y Patrimonio Musical.
Omega se publica el 8 de diciembre de 1996. El Europeo edita el disco y sale bajo el sello Discos Probéticos/Pobreticos, dado que la multinacional de Lagartija Nick, Sony, se muestra reacia a publicar un trabajo de estas características en una major.
Esta primera versión se lanza en formato CD con trece canciones, muchas de ellas basadas en composiciones preexistentes de Leonard Cohen (posteriormente, en 2016 se lanza una reedición con Universal que incluye varios cortes más, sumando las adaptaciones de Cohen “Oye, esta no es manera de decir adiós”, “Dama errante” y “Un cantaor debe morir”). El disco consigue gran popularidad tras su publicación, convirtiéndose en bandera de la cultura local y el flamenco granadino, un icono de modernidad para la ciudad.
Su origen, según sus autores, se remonta a finales de la década de los 80, cuando la banda granadina de rock independiente y el cantaor compartían manager. Fue entonces cuando se plantea la posibilidad de realizar una colaboración entre ambos actores. Un hecho en torno al cual cobra especial relevancia la célebre frase de Morente “ya no quiero ser cantaor flamenco nunca más. Desde hoy quiero ser cantante de rock”.
Omega ha sido considerado mejor trabajo discográfico español del año 1996 y una de las mejores grabaciones nacionales de músicas urbanas y folclóricas del siglo XX, según prensa especializada. Este binomio se ve reforzado acudiendo a las palabras de J. Bianciotto, quien afirma que Omega podría subtitularse “cénit de la interrelación musical en España”. Y es que en este trabajo se entremezclan, dando vida a los versos de Poeta en Nueva York de Lorca, la enigmática figura de Cohen, representado a través de sus canciones “First we take Manhattan”, “Take this waltz”, “Priest” y “Hallellujiah”, la genialidad del cantaor Enrique Morente y el abrigo instrumental de la banda granadina de rock independiente Lagartija Nick. También hay que subrayar la colaboración de artistas como “Tomatito”, Vicente Amigo, Estrella Morente, Cañizares, Miguel Ángel Cortés, Montoyita, Paquete, Isidro Muñoz, Salazar, Aurora y Antonio Carbonell, Tino di Geraldo, el Negri, Tomás San Miguel, Jesús Arias o José Ángel Ruiz.
Omega triunfó. Fue la prueba inequívoca de que el flamenco está vivo y puede evolucionar. Al igual que ocurrió con La leyenda del tiempo de Camarón, a pesar de un recibimiento inicial poco prometedor, fue aceptado por el sector más conservador del flamenco, aunque en este caso, con mucha más celeridad que sus predecesores.
Es posible que esta rápida aceptación se debiera a que Omega, a pesar de transgredir los usos habituales del folclore andaluz, como ocurría en Veneno o el disco del cantaor de San Fernando, subraya la idea de pervivencia de la tradición y rinde homenaje a los grandes nombres del folclore andaluz, introduciendo fragmentos originales de cantaores como Chacón o La niña de los peines en la canción “Omega (Poema para los muertos)”, primera pista del LP.
Omega ha sido una de las piezas clave para legitimar la tendencia actual a la hibridación del flamenco con otras músicas populares en nuestro país. Como afirma Antonio Arias, Omega abrió la puerta del flamenco a los rockeros, una puerta que se abre desde el interior.
Recomendaciones:
Fuerza Nueva
Los Planetas y Niño de Elche
Escrito por:
María José Jiménez Pérez
Doctoranda en Patrimonio en la Universidad de Córdoba
Escritora e investigadora. Graduada en Historia del Arte, Máster en Formación del Profesorado y Máster en Investigación y análisis del flamenco.
Fuerza Nueva es un proyecto conjunto de Los Planetas y Niño de Elche, cuya base conceptual corrió a cargo de Pedro G. Romero. El 12 de octubre de 2019 publican el álbum Fuerza Nueva, título que hace alusión al partido político ideado por Blas Piñar López, que proponía la continuidad ideológica franquista en la transición.
El disco, bajo el sello El Ejército Rojo, se compone de ocho canciones, de las que siete reinterpretan cantos populares: “Santo Dios”, “Los campanilleros”, “Mariana”, “La canción de los gitanos”, “La cruz”, “El novio de la muerte” y “Santo Domingo”; “Canción para los obreros de Seat”, es una adaptación de “Els Segadors” que se inspira también en la “Canción para los obreros de Seat presos en Segovia”, que aparece en el cancionero que recopiló Guy Debord —filósofo líder del situacionismo— cuando investigaba el obrerismo radical en la transición española. Por su parte, “Santo Dios” hace alusión a un canto de los campesinos en la siega que tomó Blas Infante como himno de Andalucía. Y “El novio de la muerte”, al himno de la legión.
Llegados a este punto, se puede entrever que el álbum se ajusta a una práctica situacionista: la copia y alteración de imágenes y textos con fines subversivos, motivada por la sociedad de masas y que se puede extender a apropiaciones y resignificaciones de símbolos, por ejemplo, fascistas o anarquistas. Ya lo hicieron los Sex Pistols y Joy Division.
Del diseño de la portada del álbum se encargó Javier Aramburu, para la que se basó en la icónica portada de Unknown Pleasures (1979) de Joy Division, diseñada por Peter Saville, que mostraba los pulsos del primer púlsar descubierto. En la de Aramburu, la silueta de España, rayada horizontalmente a la manera de los pulsos del púlsar, es atravesada por una flecha en dirección norte-sur. Además, Aramburu se basa en otras imágenes icónicas para la cartelería de Fuerza Nueva, con alusiones gráficas a New Order y a la portada del manifiesto futurista de Marinetti, entre otras.
Después de todo, parece que nada es casual en Fuerza Nueva, el día del lanzamiento del disco, las resignificaciones de melodías y letras populares, títulos e imágenes, nos llevan al apropiacionismo habitual del punk y el post-punk, con un recuerdo al mayo del 68, a las vanguardias artísticas y al collage. En julio de 2021, el álbum Fuerza Nueva se reedita en una edición especial de quinientas copias por el Record Store Day, con un vinilo de color rojo.
Recomendaciones:
Natural Language
Representante del club andaluz/granadino
Escrito por:
Arturo González García
Graduado en Musicología en la Universidad de Granada. Productor musical (laespadayelclavel). Promotor/sello (El Alminar).
Arturo González García es un Musicológo graduado por la Universidad de Granada y artista multidisciplinar. Tanto a través de su trabajo como productor en el proyecto "laespadayelclavel", entre otros, así como su trabajo dentro del sello “El Alminar”, muestra su interés, participación y actividad dentro de la escena musical granadina.
Natural Language es un DJ y productor granadino nacido en 2001. Comenzó su camino en la música electrónica de forma autodidacta, influenciado por su hermano mayor, quien experimentaba con herramientas como Virtual DJ y FL Studio. Aunque inicialmente solo observaba, su curiosidad lo llevó a jugar con estos programas a los 12 años. La clave en su evolución se dio alrededor de 2018, cuando empezó a frecuentar fiestas en Granada, destacando salas como Industrial Copera y colectivos como T-Label, conocidos por su sonido techno. Es en esta época en la que entra en contacto con otros géneros como el trap, el house y los breaks, comenzando a producir y desarrollar su propio estilo. La influencia de colectivos como MAREO, junto con la energía que emanaba de la escena granadina, fue determinante en su crecimiento musical. Fue en ese ambiente donde conoció a 8kitoo, lo que marcó un punto de inflexión en su carrera al comenzar a pinchar en salas y eventos locales. Aunque en sus primeros años de actividad estuvo casi exclusivamente centrado en Granada, la pandemia del COVID-19 cambió su rumbo. Tras el confinamiento, comenzó a expandir su actividad, publicando más música tanto en solitario (“Back To Basics” EP) como en colaboración (“Tangos de Copera” - La Plazuela). La vuelta a los escenarios tras la pandemia desembocará en su actuación en Boiler Room Granada, evento que lo catapultó fuera de la escena local, ampliando su reconocimiento en el ámbito nacional. Sus influencias musicales son variadas y reflejan una amplia paleta de géneros. Su base se encuentra en el House, el Electro y el sonido UK Rave de los 90 's. No obstante, la escena techno granadina, particularmente en torno a T-Label, ha sido fundamental en su desarrollo artístico. Cabe destacar también que en los últimos años, el Breakbeat ha ocupado un lugar destacado en su música, tanto en su versión americana como en la variante inglesa y andaluza. Este eclecticismo también se manifiesta en su creciente interés por el flamenco, una influencia que ha ido incorporando en su música con mayor intensidad en su etapa adulta. Asimismo, el reggaetón antiguo, junto con otros géneros latinos como la salsa y la bachata, también han dejado su impronta en su estilo. Sus remezclas y edits, como los que realiza de artistas de flamenco fusión como Canelita (“Mi Canastera” - MAREO Edit), ilustran su capacidad para mezclar tradiciones musicales con las tendencias electrónicas más contemporáneas. En cuanto a la escena electrónica en Granada, Andy destaca que, en sus inicios, la ciudad se caracterizaba por una cierta rigidez estilística: el techno dominaba en Industrial Copera, mientras que el drum and bass tenía su espacio en La Tren. Sin embargo, en los últimos años, se ha observado un cambio notable, con una mayor diversidad y apertura. Este proceso de diversificación ha sido favorecido por el carácter compacto de la ciudad, donde diferentes escenas y estilos han comenzado a interactuar de manera más fluida. Así, flamencos, indies, houseros y seguidores del techno ahora se encuentran en un mismo espacio, lo que ha permitido una mayor hibridación de estilos y una apertura a influencias externas. Para Andy, esta nueva etapa se caracteriza por la falta de pretensiones y la libertad creativa: simplemente poner lo que gusta y compartirlo con el público. Su enfoque al pinchar refleja esta filosofía; su intención principal es difundir música fresca, dar a conocer géneros y artistas que le apasionan, y contribuir a la creación de una comunidad musical en la que los asistentes puedan descubrir e investigar nuevos sonidos. Este enfoque también ha sido clave en la dinámica del colectivo MAREO, donde Andy ha encontrado una comunidad comprometida con la innovación musical.
Recomendaciones:
Lola Índigo
Lola Índigo, la niña de Granada
Escrito por:
Marina Arias Salvado
Doctoranda en Musicología en la Universidad Complutense de Madrid
Marina Arias Salvado es musicóloga y doctoranda por la Universidad Complutense de Madrid. Su investigación se centra en el estudio de los significados del reggaetón dentro de la cultura popular española.
Miriam Doblas (Madrid - Huétor Tájar, 1992), conocida con el nombre artístico de Lola Índigo, comenzó su carrera musical tras pasar brevemente por Operación Triunfo 2017. Antes de esto, Doblas era bailarina profesional, destacando su especialización en el estilo urban. Este factor fue fundamental para definir su perfil como artista, decantándose por el pop urbano y otorgando protagonismo al baile gracias a su grupo de bailarinas, formado por Mónica Peña, Saydi Lubanzadio, Laura Ruiz y Claudia Riera. Su single debut, el tema de funk carioca “Ya no quiero ná” (2018) –incluido posteriormente en su primer disco, Akelarre (2019)–, consiguió una certificación de doble platino, posicionándose con fuerza en el mainstream español.
De este modo, Doblas incide en su conexión con la escena urbana, tanto la española –con su colaboración con la rapera jerezana y pionera del hip hop andaluz Mala Rodríguez en “Mujer Bruja”– como la escena latina. Esta última le ha servido como estrategia de internacionalización, pues ha publicado singles con estrellas de la música urbana latina como los boricuas Rauw Alejandro y Guaynaa, o el colombiano Lalo Ebratt. Dichas colaboraciones forman parte de su segundo álbum, La Niña (2021), donde la artista se transforma en varias muñecas Barbie con una estética rosa chicle y una narrativa inspirada en las películas “para chicas” de los años noventa y dos mil.
Así, canciones como “La Niña de la Escuela” junto a la intérprete argentina Tini y la mexicana Belinda o el corte de pop-rock “Spice Girls” recurren a temas como la sororidad y la autoestima. En su siguiente álbum, titulado EL DRAGÓN (2023), alcanza su primer número uno en las listas de Promusicae con “El tonto”, un reggaetón acelerado de despecho que presenta junto al artista canario Quevedo. Esta metamorfosis de “niña” a “dragón” –según ella, una de las criaturas más fuertes en la cultura popular– contiene también un giro hacia la música electrónica, destacando el corte de techno “AN1MAL”, aunque sin olvidar sus facetas más pop, urbana y reggaetonera, que sobresale en “DISCOTEKA” junto a la argentina María Becerra.
Aunque Doblas reivindica con frecuencia su identidad granadina, no es hasta la publicación de su mixtape GRX (2024) cuando vemos cómo este vínculo se consolida en lo musical. Aquí, las colaboraciones con artistas de la escena urbana de Granada se vuelven imprescindibles para construir una narrativa en torno a la nostalgia andaluza. En una misma mixtape de tan solo siete canciones, Doblas reúne a Dellafuente, Pepe y Vizio, Maka, La Zowi, Saiko y La Plazuela. Estos aparecen representados también en los objetos del bodegón de la portada, conformado por una serie de objetos –una vela, fotos enmarcadas, un cenicero, un florero con claveles, un abanico, una granada con un rosario, etc.– que también remiten al pasado del sur peninsular. Entre drum ‘n’ bass , rumba, reggaetón old school, bachata y fraseos funk, la artista se sumerge en los sonidos del llamado flamenco urbano, algo que poco más tarde le valdrá una colaboración con Omar Montes y Las Chuches en la versión de su éxito de principios de siglo “El pantalón” (2004).
Paralelo a este giro hacia el folclore andaluz, encontramos la continuación de su interés por la música electrónica de baile, camino de la publicación de su próximo ep, NAVE DRAGÓN. De este modo, Doblas nos regala en el verano de 2024 el merengue urbano con drops de EDM “LA REINA” y corona septiembre a ritmo de house con “PESADILLAS”. Sin dejar de lado su identidad granadina, Lola Índigo encarna los personajes de la bruja, la niña y el dragón, convirtiéndose en una artista imprescindible de la nueva generación del pop español de finales de los 2010.
Recomendaciones:
Angustias [autoetnográfico]
Obsesiones y autoficción
Escrito por:
ANTONIO MONSALVE GÓMEZ
Músico en Angustias
Guitarrista y voz en diferentes proyectos musicales desarrollados en la ciudad en los últimos 15 años; técnico de grabación acreditado por la escuela Curva Polar.
Angustias es una banda formada en 2021 por músicos que ya acumulaban bastante experiencia a sus espaldas con otros proyectos siempre minoritarios y marginales. Tras la incorporación del bajista Jessifer Seplucro, comenzó a remitir la teen punkie angst que sirvió como punto de partida para las primeras canciones de la banda, y afloró una predilección por las líneas de bajo profusas en detalles y unas guitarras cada vez menos distorsionadas que sin embargo armonizan y enriquecen el conjunto con reverberaciones y chorus.
A nivel estilístico, sobre todo a partir «Rata Cruz» -su segundo EP de 2023-, la banda comienza su inmersión definitiva en los postulados estéticos de los subgéneros tradicionales del postpunk más oscuro (coldwave, deathrock, batcave…), sin dejar de lado los ritmos vertiginosos y, a su vez, apostando por cierto halo orientalista y exótico tan paródicamente español con Rata Cruz, canción que presta su nombre al EP, como ejemplo más claro.
En «Patronato del dolor», EP de 2024, la propuesta se consolida; y este orientalismo oscuro y perverso alcanza su cénit con Avispa y Sultana. El resto de las canciones de este trabajo continúan navegando las brumas del postpunk más siniestro con unas letras desgarradamente autoficticias y suicidas. «Luna de miel en un pozo negro», segundo adelanto del mismo, funciona como arquetipo del universo Angustias en esta etapa.
Dieguito Pellejo, Antonio Deshollinador y Jess Sepulcro son tres personas con gustos y personalidades diferentes que, sin embargo, han sabido dar un sentido común a un proyecto musical alejado de hypes y corrientes frívolas… Y, como se empeñan en recalcar, alejado de toda sospecha de éxito.
Y es que la parodia es una de las grandes señas de identidad de Angustias. Desde las mencionadas letras a los diseños de las portadas de los singles y Eps y -sobre todo- de la cartelería de los conciertos donde exhiben o fingen la habilidad de no tomarse del todo en serio.
El responsable de la parte gráfica es Jess Sepulcro, quien ha dado el toque determinante a la personalidad estética visual y gráfica de la banda. Y Antonio Monsalve, en su Deshollinador Hot Studio, el responsable de la estética sonora decididamente basada en las grabaciones de Décima Víctima o The Sound.
Como proclama final, como epitafio, aseguramos que la vocación de Angustias es y será siempre marginal y que nunca saldrán de ese pozo negro en el que voluntariamente se encuentran, bien por comodidad bien por incapacidad para trepar sus resbaladizos cantos.
Recomendaciones:
091
Rock y Poesía
Escrito por:
Nicolás Hernández-Carrillo Valverde
Profesor de Música
Nicolás Hernández-Carrillo Valverde es Licenciado en Teología y en Historia y Ciencias por la Música en la Universidad de Granada. Es compositor e intérprete en la banda granadina El Hombre Garabato. Desde 2006 se dedica a la educación musical en Centros de Enseñanza Secundaria.
091 surge de las cenizas de dos grupos importantes en la Granada de principios de los 80, por un lado Aldar, de donde provenían Tacho y José Ignacio Lapido y, por otro, de TNT, donde cantaba José Antonio García “Pitos”. El bajista será Antonio Arias. Esta será la formación original, que perdurará años hasta la salida de Antonio para fundar Lagartija Nick.
Tras un par de singles, en 1984 graban su primer disco llamado “Cementerio de Automóviles”, editado por DRO. Una noche, en el bar llamado Silbar, centro de la movida granadina de los 80, conocen a Joe Strummer, el líder de la banda de punk británico The Clash, con el que entablan una estrecha relación que dará como fruto su segundo disco “Más de cien lobos”. En estos primero discos ya se pueden vislumbrar lo que serán las características más relevantes de la música de 091, tales como las sugerentes letras de José Ignacio Lapido y sus brillantes Riffs de guitarra y la aguda voz de José Antonio García, que hacía honor a su apodo “El Pitos”.
Tras grabar dos discos más, como decíamos, Antonio Arias abandona la formación dejando el grupo en un trío al que se unirán diferentes músicos hasta que para en 1993 se unen Víctor “Chico” Lapido y Jacinto Ríos, ambos provenientes del grupo “Los Ruidos”. Es el momento en que la banda goza de más estabilidad y cuando grabarán dos discos que son considerados por la crítica y el público como las cima creativa del grupo, estos son “Tormentas imaginarias” y “Todo lo que vendrá después”.
En 1996 deciden separarse con dos con dos conciertos muy emotivos en el anfiteatro de Maracena que fueron registrados en su disco “Último concierto”.
En 2016 con motivo de los 20 años de la disolución del grupo, 091 realiza una gira por toda la geografía española con un altísimo éxito de público y crítica, llegando a llenar dos veces seguidas la plaza de toros de Granada. El concierto es publicado con el nombre de “Maniobra de resurrección”. En 2019 graban el que es su primer disco de estudio en 20 años “La otra vida”, en el que siguen fieles a sus códigos estéticos de siempre mejorados por un sonido más grueso y cercano a lo que la banda ejecuta en directo.
Actualmente siguen girando y publicando discos con nuevas canciones fieles al espíritu y a la esencia que los convirtió en un grupo de culto en todo el territorio español.
Recomendaciones:
Arena Polar [autoetnográfico]
Granada, donde comienza la magia
Escrito por:
Eduardo Quesada Barnés
Músico en Arena Polar
Graduado en Comunicación audiovisual y bajista y músico de Arena Polar
Desde Granada, Arena Polar surge a principios de 2020 como un proyecto en busca del motivo perfecto. La banda está compuesta por 5 miembros; Álex en la voz, Antonio en la batería, José en los teclados, Carlos en la guitarra y Edu en el bajo.
Sus primeros trabajos se pudieron ver en la primavera del 2021 con su Ep Reinas y Heroínas, con sencillos como Dios o Sé que no es perfecto. Además en 2022 tuvieron la oportunidad de tocar en el Festival Enórbita junto con más artistas de renombre en la Feria de Muestras de Armilla. En 2023 lanzaron los sencillos Agente Especial Asiática y Sol en Primavera, este último tuvo una muy buena recepción por parte del público, fans y medios. Las dos canciones de estudio fueron presentados en un showcase organizado en Discos Bora Bora y en mayo de 2023 fueron proclamados ganadores de la X edición del Emergentes de la sala Planta Baja. Para finales de ese mismo año participaron en los Encuentros Soundbox de la fundación Miguel Ríos, junto con 8 bandas más para identificar, promover y valorar a las bandas e intérpretes jóvenes que representan el futuro de las músicas populares urbanas.
En febrero de 2024 empezaron a grabar su primer álbum con Carlos Díaz (La Plazuela, Dellafuente, Los Planetas, etc.) bajo el título de Querer o morir, el cual se encuentra en plena fase de mezcla y diseño teniendo prevista próximamente su difusión. Este incluirá doce temas entre los cuales estará Mamá (SOMOS1TRUENO), Cuando Amaneces, La Primera y el tan aclamado tema Sol en Primavera. Además en la primavera del 2024 volvieron a ser invitados a tocar en el concurso Emergentes de la Sala Planta Baja por ser el grupo ganador de la anterior edición.
La proyección a nivel nacional de los chicos es notoria, siendo estos seleccionados para representar a Granada en el pasado FITUR 2024 en la gala GRANADA MUSIC HUB. En el mes de mayo de 2024 se alzaron con la victoria de las Batallas Oleosónicas del festival con el mismo nombre, el cual los tendrá en el cartel de su edición 2025, coincidiendo con la gira a nivel nacional presentando su primer disco.
Recomendaciones:
Ayax y Prok
“Conocer mundo y morir en el barrio”
Escrito por:
Lidia Calvo Martínez
Graduada en Historia y Ciencias de la Música por la Universidad de Granada
Musicóloga alicantina residente en Granada, actualmente compagina estudios en el Máster en Educación Secundaria (UGR) con el Proyecto Tándem “Descripción y difusión del fondo epistolar del Archivo Manuel de Falla”
En el corazón del Albaicín, entre las estrechas calles empedradas y las increíbles vistas de la Alhambra, se gestó un proyecto musical que sacudió no solo a Granada, sino a todo el panorama del rap español.
Nacidos en 1991 en Granada, los gemelos Ayax y Adrián Pedrosa Hidalgo han puesto su ciudad natal en el mapa del rap contemporáneo. Se destacan por su estilo crudo con letras cargadas de crítica social tratando temas como la pobreza, las injusticias sociales, la marginación, la corrupción, la moral y la salud mental. Su lírica se caracteriza por su profundidad, cargada de metáforas, juegos de palabras y una clara influencia de la poesía.
Desde sus inicios, Ayax y Prok se vincularon con el DJ y productor Blasfem, también granadino. Se estrenaron en 2016 con su primer álbum, Albaicín Recopilatorio, autoproducido, donde asientan su particular estilo y se hacen referentes en el rap underground. Sus vídeos en YouTube, grabados muchas veces de forma amateur, capturaban esa esencia cruda y realista de su entorno.
Ayax y Prok promulgan el hardcore rap, un subgénero iniciado en la década de los 90 en Estados Unidos, caracterizado por el boom bap ortodoxo, el lenguaje contundente, las voces rasgadas, los bombos con bajos potentes, y la crítica social. A través del sampleo evocan a algunos de estos artistas como en Mi barrio huele a Widow a Mobb Depp y a Wu-Tang Clan en Hou hou hou. Así pues, vemos cómo los gemelos reivindican la rudeza del rap clásico norteamericano, recuperando la actitud y los códigos hip hop “tradicionales” adaptándolos a la actualidad desde la convicción de que el Hip Hop no es un género, sino una gran subcultura que abarca mucho más que solo música.
Un buen ejemplo de esto es el uso que hacen de la expresión "Straight Outta Albaycín", rememorando el famoso álbum Straight Outta Compton (1988) de N.W.A., que contenía la canción Fuck Tha Police a causa de la cual el grupo vivió una importante controversia. Podemos establecer un paralelismo entre ambos artistas, dado que la carrera de Ayax y Prok no ha estado exenta de polémicas. Una de las más significativas fue el proceso judicial que enfrentó Ayax en 2018, tras ser acusado de incitación al odio por las letras de su canción Polizzia.
Desde sus primeros pasos en la música, Ayax y Prok han lanzado proyectos tanto como dúo como en solitario. Entre los discos más importantes destacan Cara y Cruz (2018) de Ayax y Rojo y Negro (2018) de Prok. Estos álbumes son una representación de su evolución como artistas, donde cada uno explora su propio estilo y voz. Si bien sus primeros temas estaban más centrados en la rabia y el descontento juvenil, sus trabajos más recientes muestran una madurez tanto en las letras como en la producción. Profundizan en sus reflexiones personales, tocando temas como la fama, las adicciones y la presión del éxito. Este tipo de versos refleja una evolución introspectiva, que no abandona la dureza de su estilo, pero incorpora una mayor autoconciencia y sensibilidad.
El grupo rápidamente se posicionó como una de las voces más auténticas del rap español, pero dentro del circuito underground, donde las grandes plataformas mediáticas no tenían espacio para su estilo ni para sus temas, algo que garantizó su independencia y les dió un aire de autenticidad que sus seguidores valoraban mucho. Con el paso del tiempo, Ayax y Prok comenzaron a profesionalizarse más, la fama les llegó de manera gradual. Un paso importante en su carrera fue la creación de Albayzín Records, su propio sello discográfico, que les permitió seguir manteniendo el control creativo sobre su música sin la interferencia de compañías discográficas. Ayax y Prok han pasado de llenar salas pequeñas y parques de barrios, a llenar estadios y grandes recintos, convirtiéndose en una de las propuestas más fuertes del rap español actual.
A la luz de los últimos acontecimientos, hemos considerado necesario añadir algunos datos a esta entrada:
En noviembre de 2024 la cuenta anónima de Instagram @denunciasgranada (siguiendo la estela de las denuncias recogidas por la periodista Cristina Fallarás) sirvió como altavoz para decenas de testimonios que narraban episodios de violencia sexual, acoso, abuso de poder y maltrato por parte de Ayax y Prok. Los mensajes denunciaban además casos de sumisión química y relaciones con menores de edad, señalando también a su DJ Blasfem y a otros raperos de su entorno. Tras publicar un comunicado negando los hechos, su agencia de representación ha roto la relación con ellos, y ambos se han distanciado eventualmente de las redes sociales (fuente: cuenta de Instagram @denunciasgranada https://www.instagram.com/denunciasgranada).
Recomendaciones:
Amparanoia [autoetnográfico]
Grupo musical de Mestizaje creado por Amparo Sánchez
Escrito por:
Amparo Mercedes Sánchez Pérez
Cantante, músico, productora y creadora de Amparanoia
Amparanoia es la pionera del mestizaje musical en España a finales de los años 90 y se ha consolidado su posición como referente internacional a lo largo de una carrera marcada por 9 álbumes, giras internacionales y un notable reconocimiento.
Amparanoia se destaca como pionera del mestizaje musical en España a finales de los años 90 y ha consolidado su posición como referente internacional a lo largo de una carrera marcada por álbumes, giras y un notable reconocimiento.
Este grupo se formó en 1996 en el emblemático barrio de Lavapiés, en Madrid, lanzando su primer álbum "El poder de Machin" en 1997 ,tras una profunda exploración de los orígenes del blues, el soul y la rica tradición latinoamericana, un álbum que combinaba rancheras, rumba, reggae y boleros con un enfoque muy particular que la llevó a ser un referente en la world music.
Su sencillo "Hacer dinero" fue incluido en la película "Barrio" de Fernando León de Aranoa,y fué apadrinada por Manu Chao,gran amigo y referente musical.
Tras este álbum les siguieron "Feria Furiosa" "Somos Viento" "Enchilao" "La vida te da" y "Seguiré Caminando" estando el grupo en activo hasta 2008,donde Amparo decide aparcar el proyecto por un tiempo y ampliar su propuesta artística.
Antes del nacimiento de Amparanoia, Amparo Sánchez comenzó muy joven en la escena musical de Granada de 1986, formando parte de varias bandas como Correcaminos y Amparo & The Gang.
Amparo Sánchez decidió en 2019 emprender una carrera en solitario,acompañada en su primer álbum "Tucson-Habana" por la banda americana Calexico.
En ese periodo empieza a sentar las bases para crear su sello Mamita Records y edita su primer libro "La niña y el lobo" con gran reconocimiento de crítica y premios.
Amparanoia regresa en 2017 con una formación íntegramente femenina con la intención de celebrar los 20 años de la banda,y desde entonces siguen en activo,editando "Himnopsis Colectiva" en 2021 y actualmente ha editado en 2024 un vinilo de edición especial en colaboración con el grupo zaragozano Artistas del Gremio, titulado "Fan Fan Faria".
Este proyecto es una vibrante mezcla de metales, percusión, DJ y bases electrónicas con influencias balcánicas y festivas, donde 15 músicos reversionan el repertorio clásico de la artista andaluza.
Recomendaciones:
Las Dianas
Lo punk y lo naive
Escrito por:
María Laura Sánchez
Estudiante de Musicología en la Universidad de Granada
Estudiante de último año de musicología, DJ y fotógrafa de músicos de la escena.
Las Dianas hacen, lo que podríamos llamar, el punk de las mujeres de la Generación Z. Son desenfadadas, políticas y divertidas.
Comienzan su carrera musical hace 5 años en la escuela de música de su ciudad, donde se conocen y comienzan a componer sus primeras canciones. La formación original no es igual a la actual, pues el grupo en sus inicios estaba formado por Isa, Paulina, María, Laura y Ana. Las tres últimas siguen tocando en el grupo, a ellas se unió Marta Roca en 2022.
“Te quiero (lejos)”, su primer single, vio la luz en 2020. Ese tema era una declaración de intenciones: ellas no se iban a cortar a la hora de hablar de las cosas que les molestan. Más adelante nos encontramos con el LP “Lo que te pide el cuerpo” (2021, Casa Maracas) donde sigue muy presente el espíritu punk combinado con una dulzura naive. Las letras narran la cotidianeidad, el descubrimiento de la sexualidad, lo que significa ser mujer en una industria dominada por hombres, las vicisitudes de la pandemia… haciendo que todas podamos vernos reflejadas en ellas.
En 2022 sacan una versión de “No controles” de Olé Olé, y no será hasta 2024 que reaparecen lanzando “Síndrome del impostor” lo que será el primer single de su segundo álbum “Ya decidiré mañana”. Tras este primer single, lanzaron “Putivuelta”, “Me jode”, “Síndrome del impostor” y “Perdiendo el tiempo”, esta última dando nombre al EP que recoge estos 4 temas.
Aunque sus letras sean una herramienta principal a través de la que articulan su discurso, en el plano musical encontramos estructuras simples que nos recuerdan al punk de Las Vulpess que se entremezclan y suavizan con formas poperas, y con instrumentos como el sintetizador.
Tras haber atravesado transformaciones en su plantilla y llevar cuatro años de carrera, es significativa la evolución cualitativa de Las Dianas mientras mantienen una esencia única. A parte de haber recorrido todas las salas y parte de los festivales de España, fueron acogidas calurosamente en México y han sido teloneras de Lori Meyers tanto en el WiZink Center de Madrid como en la Plaza de Toros de Granada, siendo estos unos pocos de los grandes éxitos que les auguran a este grupo de chicas granadinas.
Recomendaciones:
Amigas!
Sonidos oscuros y vibrantes
Escrito por:
María Laura Sánchez
Estudiante de Musicología en la Universidad de Granada
Estudiante de último año de Musicología, DJ y fotógrafa de músicos de la escena
Amigas! nace en 2021 y son Irene y María las que le dan vida (y voz) a este proyecto. En este mismo año lanzan “Canción Pasivo Agresiva”, donde dejaban ver el camino que tomarían en cuanto a sonoridad.
A ellas se le sumarían Jaime Miralles (guitarra), Javier Arregui (bajo), Teresa (batería) y Marta Roca (teclados), como formación para la banda. En el 2022 lanza “Amor Amenazante” y “Los Planes”, mientras que simultáneamente estaban participando en el concurso de bandas Emergentes Grana Joven, en el cual se coronaron victoriosas.
Tras ganar el mítico concurso de bandas de la Sala PlantaBaja, comienzan a escribir el siguiente álbum producido por Carlos Díaz. Una vez más la formación vuelve a cambiar, mientras que Irene y Arregui ya no participarían más en la banda, entran Néstor Romero (bajo) y Dani Carmona (batería).
Durante los últimos meses de 2023 y los primeros de 2024 nos fueron regalando pistas de cómo iba a sonar el nuevo álbum a través de los singles “Mis movidas”, “Déjame en paz”, “Nuevas formas de echar de menos”, “Afonía de alma” y “Todo importa tanto”, este último single siendo homónimo del álbum.
El sonido y letras de este disco son más serios y robustos que los primeros singles que nos mostraron. Estas canciones van más allá de lo superficial para adentrarse en temas como el suicidio, el luto, la precariedad y la sensación de abismo de la juventud, entre otros. María nos canta de forma directa, sin pelos en la lengua, letras duras pero reales como la vida misma.
Slowdive, Mazzy Star, Beach House, Wolf Alice, The Cure, Hatchie son, sin duda, grandes referencias para esta banda y se puede apreciar a nivel musical como beben de todas ellas.
En estos tres años de carrera las hemos podido ver teloneando a grupos como Aiko el grupo en la Sala Plantabaja, y a Los Planetas en el CAAC en Sevilla. También las pudimos ver en el Zaidín Rock, en septiembre de 2023, emocionando a miles de personas. Además participaron en el concierto del 30 aniversario del disco Super8 de Los Planetas, interpretando “Si está bien”, en la Sala PlantaBaja.
El bagaje musical de los integrantes de la banda por separado hacen de ella una mezcla perfecta entre la delicadeza y la crudeza, la musicalidad popera y la oscuridad del shoegaze; un equilibrio perfecto que emociona a cualquiera.
Recomendaciones:
Ática
Ática: ruidismo con alma pop desde La Zubia
Escrito por:
Jesús Martínez Sevilla
Crítico musical en El Independiente de Granada
Jesús Martínez Sevilla es Doctor en Estudios de Género por la Universidad de Granada. Es crítico musical en El Independiente de Granada desde 2020 y ha publicado crónicas de conciertos y entrevistas con artistas musicales en revistas como Lumbre o Mondosonoro
Los zubiéticos Ática son el secreto mejor guardado de la escena granadina. Este grupo genera auténtica devoción entre quienes los siguen, aunque no sean muy conocidos fuera de la ciudad de la Alhambra. Se trata de un dúo muy particular: Guille Egea toca el bajo y canta, mientras que Carlos García toca la batería y hace coros. Con esos escasos elementos, estos dos generan potentes tormentas de ruido dentro de las cuales late siempre un corazón melódico muy pop.
Ática se formó en 2018, cuando Guille y Carlos, que se habían conocido unos años antes, mientras tocaban cada uno en su propio proyecto, se encontraron ambos sin grupo. La idea originalmente era formar una banda de formación clásica, pero una mezcla de factores (entre ellos que, según reconocen, son muy puntillosos con los guitarristas) acabó llevándolos a establecerse como dúo. No obstante, no eran optimistas: crear música accesible con unos medios tan espartanos les parecía improbable. Si bien lo que inicialmente los había unido era la afición por el rock progresivo, tuvieron que explorar otros sonidos y echar mano de toda su creatividad para componer canciones viables con sus instrumentos. El post-punk y el post-hardcore resultaron ser géneros más adecuados para desarrollar el sonido de Ática, y encontraron en los juegos con la estructura, los pedales de efectos y, sobre todo, ese buen oído para la melodía sus mejores aliados. Aun así, su impresión era que poca gente encontraría atractiva esa docena de temas que habían compuesto y que, desde su punto de vista, tenían valor sobre todo como juegos o retos para sí mismos.
Sin embargo, ya desde su primer concierto en octubre de 2019 en la extinta Booga Club, con Gentemayor y Ramper, la propuesta del dúo funcionó muy bien. No es sorprendente, en vista de la presencia escénica y la entrega de Guille al cantar los temas y la gran química que hay entre él y Carlos. Esta buena acogida no ha hecho sino aumentar con los años. En 2020 salió su primer EP, 1, grabado con Pablo Sánchez en Producciones Peligrosas y lanzado por la discográfica austriaca Mai Lei Bel gracias a la mediación de su amigo Tony Molina (Elemento Deserto). Las canciones de este EP son recibidas en directo por sus fervorosos fans como auténticos himnos generacionales: cada nuevo concierto es una experiencia comunal donde se citan religiosamente quienes ya los conocen, y quienes aún no los habían escuchado se suben al barco inmediatamente. Todo ello a pesar de los importantes obstáculos que se han encontrado: primero la pandemia cortó por completo su progresión justo cuando lanzaron aquel primer disco, y después las obligaciones laborales han hecho que no puedan dedicar tanto tiempo al grupo como les gustaría.
Pese a ello, cada pequeño paso que dan es bien recibido. Este año, el paso ha sido de mayor envergadura: por fin han lanzado 2, su primer LP, de nuevo grabado con Pablo Sánchez y lanzado por el mismo sello. En él no solo vuelven a brindarnos hits ruidosos, ingeniosos y divertidísimos, sino que se atreven a incorporar esos impulsos prog de sus orígenes en canciones como “Mole”, cuyos diez minutos de mutaciones constantes despiden el álbum por todo lo alto. Así pues, incluso si nunca crecen hasta alcanzar el reconocimiento que merecen, parece claro que Ática siempre tendrán a su público ahí, dispuesto a escuchar lo que quieran y puedan ofrecernos y a darlo todo en sus directos.
Recomendaciones:
Madame Popova
Una voz entre ruidos y vibraciones
Escrito por:
Antonio Gabriel Jiménez Hernández
Graduado en el Grado Superior de Guitarra Clásica por el Real Conservatorio Superior de Música Victoria Eugenia de Granada.
Músico en Lori Meyers, Niños Mutantes, Nievla, Kora, Unidad y Armonía y Madame Popova, arreglista y músico de sesión.
Banda granadina fundada a mediados de 2014 por Toni Jiménez (guitarra, coros), Ana Jiménez (voz), Andrés Galán (bajo), Víctor García (batería) y Agustín Navarro (guitarra). A partir de amistades y hermandades; Andrés y Toni amigos de infancia del conservatorio, al que había asistido también Ana, hermana de Toni, Víctor compañero de instituto de Antonio y Agustín amigo de Víctor; se fue completando la formación. Inicialmente comenzaron con un repertorio conformado por versiones, tanto en castellano como en inglés, aunque rápidamente completar con temas propios a partir de la relación artística de los hermanos Jiménez.
En pocos meses, el conjunto se hizo notar en la escena, en parte por la precocidad de algunos miembros, de 14 y 15 años, y la edad general del proyecto, que no superaba la veintena, con cierto espíritu de madurez y de calidad técnica que no concordaba con lo anterior. Las influencias sonoras iban desde grupos independientes nacionales como Pájaro Jack, Los Planetas, Lori Meyers, Grupo de Expertos Solynieve, Maga, Napoleón Solo, Vetusta Morla o anglosajones como Radiohead, Blur, hasta otros dentro del movimiento britpop o incluso de la neopsicodelia. Las letras, cargadas de simbolismo y figuras retóricas como la metáfora, trataban temáticas diversas, desde la relación con el medioambiente, lo onírico o las relaciones personales. En primavera de 2015 entraron a grabar en el estudio de Los Planetas, el Refugio Antiaéreo, lo que sería su primer Ep, El vuelo (2015) de la mano del ingeniero, productor y músico, Jaime Beltrán, fundamental en el sonido de toda la carrera del grupo, quien colaboró en la canción Vuelo de Ícaro con guitarras. Miguel Martín (Migueline), músico veterano de la ciudad, también prestó arreglos de guitarra en la pista que daba comienzo al trabajo, Montaña.
Pronto darían bastantes conciertos por el circuito local, llamando la atención de prensa especializada. Las armonías vocales, entre los dos hermanos inicialmente, era un elemento diferenciante, y en concreto el timbre andrógino, especial y con cuerpo de la vocalista, Ana. A mediados de 2015, con la salida del Ep (en bandcamp), Victor y Agustín abandonan el proyecto, dejando la formación en trío por meses, hasta ingresar Josele Hidalgo (Satélite Virginia) como batería. Con su ingreso, la banda empieza a trabajar en canciones más ruidosas, con más dinámicas, pasando a un estilo más influenciado por grupos shoegaze y noise pop como El Mató a un policía motorizado, Nueva Vulcano, discos lo-fi de Blur y Graham Coxon o The War on Drugs. Con las limitaciones que proponía la nueva formación, empiezan a usar más efectos, distorsiones y otras texturas en las guitarras, y tanto la técnica de bajo de Andrés, concebida desde la guitarra haciendo acordes guitarrísticos, como las líneas, cambian, además del estilo de batería más agresivo y contundente de Josele.
En los conciertos, establecían largos pasajes instrumentales, incluyendo introducciones basadas en obras contemporáneas de guitarra, alargando codas de canciones o estructuras de acordes pactadas, concibiendo el transcurso del concierto como un transepto musical. En las nuevas sesiones de grabación, aunque añaden elementos como teclados o overdubbing de guitarras, tanto eléctricas como acústicas, intentan mantener un sonido cercano al que proponían en vivo, grabando en directo, sin claqueta. Esto se vio reflejado en el segundo trabajo del grupo La Tregua (2018), grabado de nuevo por Jaime Beltrán, esta vez en Producciones Peligrosas. Las letras, escritas entre los dos hermanos, vuelven a tomar un tinte metafórico, usando elementos de la naturaleza como paralelismo para aspectos cotidianos, relaciones pasionales (La tregua) o apelando a temas familiares como en las canciones La Noche de los carros, Omnipresente o Grayshott, primera canción con Toni como vocalista. Algunos cortes como "El pueblo" o "El viento" que vendrá están cargados de temática política y social. En ese año Toni y Andrés andan trabajando también en un nuevo proyecto, Nievla. Después de presentar el disco a lo largo de esos dos años, y con algunas fechas previstas, acontece la pandemia del COVID-19. Josele deja la banda y la actividad de la banda se reduce considerablemente. Actualmente se encuentran en un estado de bypass, pero no descartan volver a hacer música juntos.
Recomendaciones:
Supersubmarina
Supersubamarina: una declaración de amor a Granada
Escrito por:
Begoña García Castilla
Creadora de contenido en La Vuelta Podcast y La Raíz
Licenciada en Sociología por la Universidad de Granada en 2015. Creadora de contenido sobre folclore andaluz y otras músicas visitantes en La Vuelta Podcast y La Raíz.
Pasará tiempo hasta conocer a otros cuatro baezanos tan granadinos como José “Chino” (guitarra y voz), Jaime (guitarra), Pope (bajo) y Juanca (batería), los cuatro integrantes de Supersubmarina. Quién les iba a decir que un arreglo de sintetizador imitando el sonido de las olas del mar aplicado a uno de sus primeros temas nos regalaría a una de las bandas pop más importantes de la década de los 2000. A pesar de truncar un fatídico accidente en carretera su trayectoria, siempre estarán presentes sobre el escenario, aunque sea de otra forma.
Supersubmarina se forma en Baeza (Jaén), la localidad natal de los miembros de la formación, en torno al año 2005. En 2008 publicaron el primer EP Ciento Cero (Sony Music Entertainment España, 2008) con tres canciones, entre las que destaca “Elástica Galáctica", y dos versiones del tema con el mismo nombre en inglés y la grabación de la maqueta. En 2009 lanzaron el segundo EP homónimo, Supersubmarina (Sony Music Entertainment España, 2009) del que salieron varias de las canciones que un año después dieron forma al primer álbum de los jiennenses. Repitieron la táctica en 2011 con el EP Realimentación (Sony Music Entertainment España, 2011). Para entonces, la banda se había consolidado.
El primer larga duración en ver la luz fue Electroviral (Sony Music Entertainment España, S.L, 2010). Los medios nacionales se hicieron eco rápidamente del ansiado disco debut, comparándolos con bandas internacionales Bloc Party, Muse o Arctic Monkeys y nacionales como Vetusta Morla o Lori Meyers. De este trabajo salió la canción considerada como un himno para granadinos y amantes de la ciudad nazarí, “LN Granada”. Una declaración de amor vigente y presente en el imaginario colectivo desde entonces. No fue la única, quizás sí la más especial, que se quedó en las giras. Otras destacadas fueron “Supersubmarina” o “Cientocero”, sacada de la primera maqueta publicada en 2008.
Santa Cruz (Sony Music Entertainment España, S.L, 2012) explora un terreno diferente. El segundo elepé de Supersubmarina explora la combinación de guitarras eléctricas afiladas ligadas a las características melodías pop de sintetizadores vibrantes. Supuso un golpe sobre la mesa, convirtiéndose en uno de los grupos más aclamados y reclamados por público, crítica y festivales. “Canción De Guerra” seguida de “Santacruz” supusieron una verdadera declaración de intenciones. Punzantes letras con la capacidad de clavarse hasta lo más profundo para no ser olvidadas jamás. Revalidaron su éxito inicial con once canciones con un poso melancólico, a medio camino entre la desinhibición de los sentimientos y el hastío.
En 2014 vieron, de nuevo, la luz y esperanza en Viento de Cara (Sony Music Entertainment España, S.L, 2014). La melancolía fue desterrada por la ilusión de encontrar “Algo Que Sirva Como Luz” y la frescura de sentir el “Viento de Cara”. Con el tercer y penúltimo LP publicado alcanzaron la primera línea del pop y rock nacional. Las guitarras se quedaron más armonizadas con la entonación de las composiciones, transformándose en un trabajo más melódico que los dos anteriores. Abrieron la puerta a temas bailables en la línea de bandas como Two Door Cinema Club. El responsable de la renovación del sonido la tuvo el productor del disco, Tony Doogan, quien también trabajó con ellos en Santa Cruz y era productor de bandas consagradas como Belle&Sebastian.
Cuando saborearon el momento más dulce de su carrera profesional, ocurrió algo que les hizo detenerse en seco. La madrugada del 14 de agosto de 2016, el vehículo donde viajaban José “Chino”, Jaime, Pope y Juanca colisionó contra una furgoneta al regresar de un festival en Cullera. Las graves lesiones sufridas impidieron su vuelta a los escenarios. En 2024 han vuelto a subir, pero de otra forma: para presentar el libro Algo que sirva como luz de Fernando Navarro en el que recoge lo sucedido desde el accidente hasta la actualidad. Incluso, nos han regalado un nuevo disco, La Maqueta (Sony Music Entertainment España, S.L, 2024). Una recopilación de la primera versión de las canciones de su discografía.
Recomendaciones:
Sosoritnem
Sosoritnem. Indie-pop y fusiones
Escrito por:
Miguel Ángel Bonilla Rodilla
Doctorando FPU (2022) en el departamento de Musicología de la Universidad de Granada
Miguel Ángel es doctorando en el departamento de Musicología de la Universidad de Granada con una tesis etnográfica sobre música electrónica de club en Andalucía. Se formó en guitarra de jazz con Kiko Aguado y actualmente es guitarrista y productor de Sosoritnem
Sosoritnem —«mentirosos» escrito al revés— es un grupo granadino de indie-pop fundado por dos amigas que, inicialmente, encontraron en la canción de autor una vía para expresar sus convicciones y formas de sentir las relaciones interpersonales. Después de su comienzo en 2019 realizando covers —algo común a muchos grupos emergentes— empezaron a subir sus propias composiciones a YouTube e Instagram durante el verano de 2020. Sus influencias iniciales fueron conocidos artistas del mundo del rock español como 091 y Niños Mutantes, o el mundo anglosajón, como The Cranberries. Sus voces, guitarras acústicas y teléfonos móviles fueron los únicos medios que utilizaron para empezar a reafirmar y (auto)valorar sus canciones mediante el ejercicio de la publicación.
Este mismo proceso continuó durante el año 2021, pero a través del ritual del concierto en directo. El componente simbólico y procedimental del mismo las llevó a “convertir lo que hacíamos en algo serio” (Liliana Megías, comunicación personal, 2024), según una de las dos integrantes originales. Dicho con otras palabras, las actividades que hacían se sustituyeron por otras y se resignificaron y como consecuencia del uso y funciones (Merriam, 1964) particulares de la actuación en un escenario frente a un público —se exige un estilo musical menos amateur, las salas con más poder simbólico piden un alquiler, lo cual condiciona que los artistas busquen un público para compensar ese desembolso económico, etc—. En ese momento, buscaron visibilizarse y definir su identidad paulatinamente, por el caché de conocidos bares y garitos granadinos como La Tertulia o Misifú, y eventos de tipo público como «El día sin coche» con motivo de la Semana Europea de la movilidad. Como evento altamente significativo de ese proceso, Sosoritnem participó como semifinalista en el XI Concurso de Bandas Granadinas Emergentes de 2022, celebrado anualmente en el famoso local Planta Baja, sede del indie-rock granadino desde los años 90. Para los artistas locales emergentes no es tan solo una excelente oportunidad de darse a conocer, sino también de tratar de introducir su proyecto en un circuito más visible y, quizá, más hegemónico de bandas de pop-rock.
El siguiente proceso de profesionalización del grupo sucedió durante el mismo año, pues comenzaron a lanzar sus primeros singles por medio de dos estudios de grabación y producción granadinos. Así, Mamá estoy viva, Resiliencia y Tela de araña salieron en 2022 por medio de Producciones Peligrosas, mientras que Fui aire y Culpa, por Pig Studios.
El año 2023 siguió con la realización de conciertos en directo y con el inicio de una etapa nueva para el grupo, marcado por la incorporación intermitente de músicos —percusionistas, guitarristas y bajistas—, entre los cuales acabó permaneciendo Paco Serrano como bajista. Ese evento, junto a la permanencia únicamente de una de las dos cantantes, Liliana Megías, como frontline del grupo, comenzó a transformar el proyecto en banda y, además, a cambiar su sonido e identidad, alejándolo de la canción de autor en acústico —un cambio observable en su single de abril de 2024 Cartas de amor, producido por La Música EsTuDios—. La incorporación definitiva de Santiago Cruz (batería) y Miguel Ángel Bonilla (guitarra) fijó a los cuatro músicos como el estándar de formación de pop-rock (voz, guitarra, bajo y batería) y a llevarlos a mezclar el pop con otros estilos musicales como la psicodelia, indie, jazz y funk. Desde entonces, sacaron los singles Flores por mi ombligo y Donde nada crece (producidas por Miguel Ángel Bonilla, y la primera coproducida y mezclada por Antonio Pinta) y han tocado en distintos eventos, como el festival alpujarreño Sulayr en su XI edición, así como en otros conocidos espacios granadinos como el Rock’n Rolla, el Liberia y la recientemente abierta sala Víbora. Actualmente siguen realizando conciertos en directo y autoproduciendo sus canciones con vistas a sacar EP a finales del año 2024.
Recomendaciones:
Carmencita Calavera [autoetnográfico]
Grupo de Rock de serie B
Escrito por:
Carmen Caballero López
Música en Carmencita Calavera
Carmen comenzó su carrera musical en 2005 como vocalista de la banda La Barca de Sua. Después, en 2014, fundó su actual proyecto, Carmencita Calavera como vocalista y compositora de la banda. Ha participado en numerosas colaboraciones y tiene tres trabajos publicados. A ella se unieron como integrantes de la banda, Ignacio García (bajo), Luis Guillermo Ramos (guitarra), Rafael Navajas (batería), Wilma Lorenzo (teclados) y Miguel Robles (trompeta).
Carmencita Calavera es una banda que juega al despiste en su estilo y busca la originalidad en sus letras, con un tono irónico y desenfadado, ácido a veces, que les ha llevado a definirse como Rock Serie B de Frontera, un concepto amplio en el que transitan caminos que van desde lo crudo del punk hasta lo melódico de la copla, dejándose influenciar por sonidos psicodélicos, surferos, fronterizos o abiertamente pop.
Su mirada del mundo desde un prisma particular, tan mística como divertida, tan seria como ensoñadora, trasciende desde las pequeñas salas a grandes festivales a nivel nacional. Cuentan con tres trabajos publicados y, a pesar de los diferentes estilos que enfrentan su conjunto de temas, convertido ya en marca de la casa, siguen una idea común narrativa basada en la extrañeza de sus historias, con un trasfondo oscuro a veces y otras irónico, rozando lo surrealista por momentos.
Si hubiera que buscar un hilo conductor en el trabajo de Carmencita Calavera podríamos decir que es la búsqueda de una anti épica o contra épica, que se repite en canciones como Horizonte de Sucesos, Jack, La Furia o Salsipuedes.
Recomendaciones:
Los Ángeles
Pioneros del Pop Granadino
Escrito por:
Nicolás Hernández-Carrillo Valverde
Profesor de Música
Nicolás Hernández-Carrillo Valverde es Licenciado en Teología y en Historia y Ciencias por la Música en la Universidad de Granada. Es compositor e intérprete en la banda granadina El Hombre Garabato. Desde 2006 se dedica a la educación musical en Centros de Enseñanza Secundaria.
Los Ángeles son, sin duda, unos de los grupos pioneros de Granada y de todo el país. Ellos prendieron una antorcha que ha ido pasando de grupos en grupos hasta nuestros días. Su influencia es clarísima en muchísimos de los actuales grupos de pop.
Nacen como grupo en 1963, formado por Alfonso González Poncho, Carlos Álvarez, Agustín Rodríguez y Paco Quero, la formación más estable en toda su historia.
Comienzan a tocar en el Real Club de Tenis de Granada o en la sala Casablanca, mostrando ya desde el comienzo sus características más llamativas, como son el uso de elaboradas armonías vocales, la carismática voz de Poncho o su clara influencias de Los Beatles.
Tras la grabación de algunos EP, llega su primer éxito 98.6, una versión que les dará fama y notoriedad a nivel nacional. Fruto de su éxito graban dos películas, Un, dos, tres al escondite inglés y A 45 Revoluciones por Minuto.
En 1966 viajan a Torremolinos, centro de la música nueva española en ese momento, y oasis en el que los censores de la dictadura hacían la vista gorda gracias a los generosos ingresos que el turismo extranjero generaba. Allí tuvieron la ocasión de conocer otros grupos con los que establecieron relaciones personales y artísticas que los enriquecieron y abrieron a otras realidades musicales. Incluso llegaron a conocer a Brian Epstein en una de las largas noches de actuaciones de la sala Top Ten.
En 1970 participan en el Festival Varadero 70 de Cuba ante miles de personas, lo que demuestra su prestigio internacional. Agustín fue sustituido por José Luis Avellaneda, que falleció junto a Poncho en un accidente de tráfico, camino de un concierto. Este sería, por mucho tiempo, el final del grupo.
Ya en el nuevo milenio, Los Ángeles se reunieron junto a Popi, el hijo de Poncho, para revitalizar la banda.
Recomendaciones:
La Plazuela
El groove de una ciudad
Escrito por:
Ugo Fellone
Musicólogo
Ugo Fellone investiga sobre géneros musicales y hace música más bien raruna. Esto le ha llevado a ser coordinador del Grado en Musicología de la Universidad Internacional de Valencia, presidir la Sociedad de Etnomusicología (SIbE) y fundar el sello 12 min albums.
Desde su irrupción en los años 70, el funk ha devenido una constante a la que se vuelve de manera periódica. A finales de los 2010, desde Estados Unidos a Japón comenzó a aflorar una nueva oleada de bandas de funk entre las que Granada también contaría con una notable aportación: La Plazuela. Así, entremezclando elementos del funk más clásico, la electrónica y el flamenco nuevo, en menos de un lustro consiguieron poner de nuevo el funk en el punto de mira en España.
Manuel Hidalgo Sierra “El Indio” y Luis Abril Martín “El Nitro” se conocieron en 2001, a los tres años de edad. Estudiaron en el mismo colegio y se interesarían rápidamente por la música, aunque cada uno por una distinta: Luis saldría más rockero y Manuel más flamenco. Con quince años empiezan a poner ambos géneros en común, versionando a bandas como Los Chichos, Pata Negra o Marea. Algunas de estas covers las empiezan a subir en 2017 a su canal de YouTube bajo el nombre de La Plazuela Techá, en honor al sitio en el que se juntaban los viernes a tocar.
La simplificación del nombre a La Plazuela llega con un cambio de sonido, al pasar de algo similar a Los Delinqüentes –guitarras flamencas tocando escalas de rock– a una banda con guitarras eléctricas y percusión. Ya con este nombre publican en 2019 su primer EP autoeditado, Yunque, clavos y arcayatas. En este, aunque aparecen breves destellos de funk y reggae, nos situamos en una peculiar mezcla entre el sonido del rock urbano kalimotxero y el nuevo flamenco.
La entrada en juego de las influencias electrónicas y del nu funk llegan tras un periodo de exploración, ayudado por internet, que les permite familiarizarse con nuevos sonidos que en ese momento estaban poniéndose de moda. Este viraje musical se puede apreciar en los distintos singles que publican a partir 2020, entre los que sobresale “Tangos de la Copera”, junto al DJ Natural Language, que además es su primera canción publicada como parte de Universal Music Spain. Esta es una auténtica declaración de intenciones en la que se homenajea a la icónica discoteca Industrial Copera entremezclando el pulso electrónico con las referencias al flamenco rock de los 70.
Esta mezcla de letras costumbristas, llenas de referencias locales, con una música que mira a Andalucía y a la escena internacional a la misma vez, no tardará en erigirse como la banda sonora más clara de la vida granaína de la década actual. Este costumbrismo continuará con el siguiente EP del grupo, publicado en 2022 con el título de Jamila, el cual contiene tres temas de claro sabor autóctono, incluyendo una personal versión de “La tarara”.
En 2023 llega su primer álbum de larga duración, Roneo Funk Club, cuyo título ya de por sí es una perfecta síntesis de los tres pilares que para el propio grupo sustentan su propuesta: el flamenco, el funk y la electrónica. En general, el disco está muy asentado alrededor de referencias al funk contemporáneo con ecos de rumba y tangos flamencos (vamos, los géneros que mejor cuadran con un four on the floor). Y en sus letras, cantadas casi siempre a dobles voces, se entremezcla cierto acervo poético de regusto tradicional con alusiones a lugares y situaciones de la vida contemporánea en Granada. Vamos, que el sonido clásico del grupo ya está más que consolidado.
Tras un disco de remixes de este álbum, en 2024 publican el EP La Caleta junto al cantaor David de Jacoba y el dúo electrónico Texture. Un disco estival, que homenajea a los veranos en la Costa Tropical, con un híbrido entre el flamenco (hay alegrías, bulerías, rumbas) y un sabor más electrónico, tanto en el tratamiento de las voces como el de la parte instrumental. Solo el tiempo dirá qué nuevas maneras de reflejar la idiosincrasia granaína encontrará este grupo, el cual ha devenido tan indisociable a la ciudad como la cerámica de Fajalauza.
Recomendaciones:
Orquesta La Tentación
Sinónimo de verbena
Escrito por:
Ugo Fellone
Musicólogo
Ugo Fellone investiga sobre géneros musicales y hace música más bien raruna. Esto le ha llevado a ser coordinador del Grado en Musicología de la Universidad Internacional de Valencia, presidir la Sociedad de Etnomusicología (SIbE) y fundar el sello 12 min albums.
Aunque, fruto de cierto elitismo, las olvidemos y tratemos como secundarias en lo que a la construcción de la escena musical se refiere, las verbenas y fiestas de los pueblos son un lugar de primer orden para tomarle el termómetro al gusto musical de toda una sociedad. Su capacidad de aunar a jóvenes y viejos, ricos y pobres, invirtiendo un poco el orden establecido, le dan un empaque que ya quisieran las mejores salas y discotecas de moda.
En la provincia de Granada y alrededores, existe una agrupación que a lo largo de la pasada década se ha vuelto sinónimo de fiesta de pueblo. Me refiero a la Orquesta La Tentación. Un auténtico fenómeno de masas con un despliegue técnico y musical más parecido al de las megaorquestas gallegas que a cualquiera del Sur de España.
Porque no os dejéis engañar, esta agrupación concita a más personas cada año que todos los artistas juntos que aparecen en esta guía, y eso es gracias a un populismo musical que vuelve locos a jóvenes y mayores. Estamos hablando de que cada año sus giras implican más de un centenar de actuaciones que mueven a más de 300.000 espectadores, llegando a atraer a más gente a su concierto de Motril de 2018 que Bob Dylan cuando fue a la ciudad en 2004.
Todo comienza en el año 2009, cuando el matemático Fran Valenzuela contacta con Jorge Ortuño, oriundo de Pinos Puente, para que fuera el director musical de una nueva orquesta que pudiera revitalizar el formato. Y es que con el cambio de siglo las verbenas entraron en un periodo de crisis, fruto del envejecimiento del público y el repertorio. Por ello, esta orquesta se concibió desde un primer momento como un espectáculo más enfocado al público joven, tanto en las canciones versionadas como en la puesta en escena, con numerosos bailarines y un elaborado juego de luces LED y fuegos artificiales.
Dentro del escenario, la orquesta es capitaneada por la sexitana Araceli Valero, la cual es acompañada por otros siete cantantes/bailarines y cuatro músicos, a los que habría que sumarle todo el enorme equipo encargado del complejo espectáculo de luces y humo, los técnicos de sonidos, así como figuras como DJ Kokodrilo, que suele acompañar a la orquesta en muchas de sus presentaciones, pinchando una vez acabados los conciertos.
La orquesta crece rápidamente en sus primeros años, gracias a una exitosa campaña de marketing (guiada por el slogan “tú también caerás”), que fomentó el boca a boca. Así, poco tardó en crearse merchandising específico, canciones propias (como “El kokodrilo”) y una legión de fans que podían ir a decenas de actuaciones de la orquesta en un año. Porque si hay una experiencia que huele a verano en la provincia de Granada, esa es sin duda mirar la programación de las fiestas de los barrios y los pueblos para ver qué día toca La Tentación en alguno de los más cercanos. Y tras ser nombrada mejor orquesta andaluza en el año 2023 y tener a más de 200 pueblos en lista de espera, es difícil no esperar que cada vez más sean los que caigan en la tentación…
…de escuchar a esta orquesta hacer su particular revisión de los mayores éxitos de ayer y de hoy para un público deseoso de gozarlos y bailarlos como si no hubiese un mañana (que parece que hay que explicarlo todo).
Recomendaciones:
El Hombre Garabato [autoetnográfico]
Los héroes más cobardes
Escrito por:
Nicolás Hernández-Carrillo Valverde
Profesor de Música
Nicolás Hernández-Carrillo Valverde es Licenciado en Teología y en Historia y Ciencias por la Música en la Universidad de Granada. Es compositor e intérprete en la banda granadina El Hombre Garabato. Desde 2006 se dedica a la educación musical en Centros de Enseñanza Secundaria.
El Hombre Garabato es un quinteto granadino que debuta en 2010 con su primer disco llamado “La vida y otros defectos”, trabajo en el que ya se intuyen cuáles van a ser sus señas de identidad: melodías cuidadas, letras que huyen de lo evidente y pretenden reflejar la realidad que les rodea, y unas sugerentes armonías corales. En este disco cuentan con la participación de Alfa Le punk, de Tony Eskorzo y Diego Galaz, siendo producido por Javi Peña.
En 2013 graban en la Alpujarra “El héroe más cobarde” bajo la dirección de Carlos Díaz, un joven productor que ayuda al quinteto a encontrar una identidad más definida. La colaboración de Miguel Ríos en la canción “Mi voz” da buena cuenta de este nuevo paradigma en el que se adentra la formación.
Más adelante, en 2014, comienzan una relación con José Antonio García, cantante dela mítica banda granadina 091, que llegará hasta nuestros días. Junto a él graban “Cuatro tiros por cabeza”. En este disco, publicado en vinilo gracias a una exitosa campaña de micromecenazgo, cuentan con lacolaboración de Eric de los Planetas, Víctor Lapido, José Ignacio Lapido, Guerrero García y Antonio Arias.
En 2016, publican “Demonios”, la primera parte de una trilogía que continuó con “Aullidos” en 2018 y que concluyó en 2019 con “Luciérnagas”. A la vez que presentan en directo las nuevas canciones, acompañan a José Antonio García en la presentación de su primer LP “Lluvia de piedras”, en el que participan en la composición y la producción.
En 2020 colaboran en “El Ombligo del Mundo”, un disco de versiones de grupos granadinos entre sí, con gran repercusión en el panorama musical, en el que participan produciendo y acompañando a Estrella Morente, Miguel Ríos y José Antonio García. En este mismo año participan en una canción colectiva y solidaria junto a Amparo Sánchez, García y Lichis de la Cabra Mecánica.
Ya en 2021, presentan su último trabajo hasta la fecha, “Babilonia ” (Producciones Santafé), integrado por seis canciones compuestas en su totalidad en el periodo de confinamiento. Publicado en vinilo, fue producido por Raúl Bernal, y grabado en Producciones Peligrosas y Estudio Libertario.
En 2022, José Antonio García cuenta de nuevo con la banda para la producción y grabación de su último LP, “Fuera de control”, aportando una base sólida y robusta alas canciones. También lo acompañaron en la gira correspondiente a lo largo de 2023 por diversas salas y festivales del territorio español.
Actualmente publican “Tierra”, donde versionan algunas canciones de Carlos Cano, aunando el respeto a las originales y la innovación.
Recomendaciones:
Rakky Ripper
Salvar el (hyper)pop
Escrito por:
Ugo Fellone
Musicólogo
Ugo Fellone investiga sobre géneros musicales y hace música más bien raruna. Esto le ha llevado a ser coordinador del Grado en Musicología de la Universidad Internacional de Valencia, presidir la Sociedad de Etnomusicología (SIbE) y fundar el sello 12 min albums.
Rakky Ripper, de nombre real Raquel García Cabrerizo, nace en Granada en 1995. Comienza a hacer música con 15 años y empieza a componer en 2014, inspirada por FKA Twigs o Grimes. Entonces, decide sumarse a la ola del trap y la música urbana, buscando en el camino un sonido propio. Para ello toma su nombre artístico del nick que tenía como adolescente emo en MySpace y Fotolog, en el que se mezcla una derivación de su propio nombre con una referencia a Jack el Destripador.
Publica su primer single, “Todos los cobardes”, en 2016, el cual es seguido por diversos temas asentados en la estética urbana de esa época. En ellos no solo explorará el trap, sino que también se acerca al reggaetón en “Chandaleo” o al neosoul en “R.I.P. Plantitas”. A pesar de ajustarse al sonido de su momento, busca dotarle de cierta personalidad jugando con muchas referencias a los años 2000, en especial a la cultura alternativa de la época, ya sea remitiendo a formas de vestir propias de sus subculturas o diversos elementos tecnológicos (móviles, videoconsolas, redes sociales…). Asimismo, ante las acusaciones de no sonar real, en canciones como “Enganxaos” se ríe abiertamente de los clichés del trap, buscando en todo momento mantener sus distancias con la escena.
Poco de este principio de carrera, incluyendo su paso por el casting de Operación Triunfo 2018, podían presagiar el viraje que experimentaría en 2019 con la publicación Neptune Diamond, su primer álbum de larga duración. En él el sonido urbano pasa a un segundo plano para abrazar el bubblegum bass desarrollado desde sellos como el británico PC Music. Así, inspirada por figuras como Charli XCX, Sophie o A.G. Cook, Rakky Ripper se convertirá en una de las grandes pioneras del hyperpop en España junto a artistas como Putochinomaricón.
¿Y qué es eso del hyperpop? Pues una peculiar tendencia aceleracionista en la que se entremezclan retazos del pop y la electrónica de ayer y de hoy llevando al límite alguno de sus postulados. Esto se consigue mediante voces más saturadas, bajos rebotantes, sonidos más agresivos y metálicos… entre mil y un juegos de producción musical. Por ello, dada la importancia de la producción en el género, Rakky Ripper cimenta a partir en este álbum un tándem creativo con el ilicitano eurosanto, el único capaz de plasmar en sonido ese espíritu aventurero en ese momento.
El hyperpop es un género que le viene como anillo al dedo a la cantante, ya que le permite poner a dialogar sus referentes musicales de principios de siglo con su peculiar propuesta estética, en la que se mezclan elementos de la cultura de club y alternativa de los 2000 con referencias más modernas y, ante todo, ese icónico pelo largo tintado con flequillo recto y dos coletas, que se ha convertido en una de sus mayores señas de identidad.
Tras el primer álbum vendrán múltiples singles, entre los que sobresale el acercamiento la ravera “donde stas??”, así como el EP Xtra Cost (2021), con un sonido más oscuro e industrial, que le permite explorar su faceta de bad bitch, como cuando Britney Spears o Lindsay Lohan llegaron a su madurez. Poco a poco la cantante irá ampliando su círculo, ya sea tendiendo alianzas con LVL1 y Cerescente en el colectivo de DJs Muñequitas o empezando a colaborar con productores de fuera de España.
Todo este proceso la llevará, tras participar en el Benidorm Fest de 2023 con el tema “Tracción”, a publicar en ese mismo año su segundo álbum de larga duración, Nadie lo va a hacer por mí. Este es definido por la propia Raquel como un álbum de estar hasta el coño ante las dificultades para asentarse en el mundo de la música y cómo desfogar toda esa saturación yéndose de fiesta. A nivel sonoro esto se traduce en una ampliación de la paleta sonora establecida en anteriores trabajos, en línea con el constante estado de ebullición del hyperpop, género mutante donde los haya, y la voluntad de la cantante de darle cada vez más variedad a su pop electrónico.
Recomendaciones:
Yung Beef
"¿Ahora qué hacemos? ¿Nos matamos?"
Escrito por:
Ugo Fellone
Musicólogo
Ugo Fellone investiga sobre géneros musicales y hace música más bien raruna. Esto le ha llevado a ser coordinador del Grado en Musicología de la Universidad Internacional de Valencia, presidir la Sociedad de Etnomusicología (SIbE) y fundar el sello 12 min albums.
Fernando Gálvez Gómez, más conocido como Fernandito, más conocido como El Seco, más conocido como Yung Beef, es una de las figuras más destacadas de la música española de la última década. Ya sea por su papel de pionero del trap en castellano o por haber conseguido que toda una generación de hombres hiciera las paces con el reggaetón, cuesta imaginar el actual auge de la música urbana sin su figura.
Comienza su carrera a principios de los 2010 como parte de ese multiforme colectivo del Albayzín llamado Kefta Boys. Tras ello, junto a Khaled, Kaydy Caín y el productor Steve Lean, forma en 2013 en Barcelona PXXR GVNG (posteriormente Los Santos), un auténtico hito en la historia del trap en España, que fue ganando poco a poco popularidad gracias a lo que en un principio empezó siendo un consumo irónico y al final devino auténtica devoción. Paralelamente a ello, los miembros del grupo decidieron reservar el perreo y las temáticas románticas para un proyecto paralelo, La Mafia del Amor, con el que conseguirían alguno de los primeros hits mainstream del urbano patrio.
Tras un problemático paso por Sony con PXXR GVNG, Yung Beef decidió crear en 2016 su propia discográfica, La Vendición Records, la cual terminará por convertirse en una auténtica dinamizadora de la escena urbana nacional, con más de 200 publicaciones en su haber. Con ella ha publicado un sinfín de singles, mixtapes y colaboraciones con multitud de artistas locales y extranjeros.
Navegar por la discografía de Yung Beef y sus innumerables otros akas (por el momento ya ha superado los 30 nombres artísticos) parece una tarea difícil. No obstante, afortunadamente él mismo quiere ayudarnos en el camino haciendo diversas series de mixtapes alrededor de ciertas estéticas. Sin duda, su serie de álbumes más famosa es A.D.R.O.M.I.C.F.M.S. (All Diz Ratchets On Me I Can’t Feel Ma Soul), iniciada en 2013 y alabada como de lo mejorcito del trap español. Sin salirnos del trap, pero con un perfil ligeramente más oscuro y experimental encontramos también su serie Plugg, que comienza en 2018.
Pero si algo debemos tener claro es que El Seco no solo se restringe al trap. Es más, como él mismo reconoce, la primera música que hizo fue reggaetón, género al que ha vuelto tanto con La Mafia del Amor como en solitario, especialmente bajo el aka de Fernandito Kit Kat. Bajo este nombre destacan sus mixtapes Perreo de la muerte 1 y 2 (2015 y 2019), en las que dialoga con lo que se estaba haciendo en la escena mexicana del momento. Su peculiar acercamiento al reggaetón, afín a la escena transatlántica del neoperreo, ha ayudado a romper con los prejuicios históricos de muchas personas con el género, fomentando un abordaje desprejuiciado y, en cierta medida, experimental, como el que tiene hacia otros géneros.
Si uno compara a Yung Beef con los innumerables artistas con los que ha compartido canciones es fácil percatarse de que, más que cualquier otro, el granaíno es una persona con una concepción estética muy marcada, que se aprecia tanto en la inventiva de sus letras como en su peculiar forma de vestir y tatuarse. Así, no sería exagerado decir que Fernandito se ha convertido en un icono de la moda, llegando a desfilar en París y Milán.
Del mismo modo, también es innegable que El Seco tiene una discografía llena de barras, siendo calificado por algunos compañeros de escena como uno de los mejores raperos de España. Y es que, aunque en un principio buscase marcar las distancias con el rap diciendo que eso del trap era jugar en otra liga, lo cierto es que su propuesta es impensable sin esa influencia, siendo el mejor reconocimiento de ello su colaboración con Cookin’ Soul, puro boom bap que viene a decirnos que, sin importar cómo sea la base, Yung Beef estará ahí para hacerla suya sin amedrentarse.
Recomendaciones:
Rivets
Rivets: un grito de ayuda
Escrito por:
Iván López Blanco
Músico en cuandoelmarpierdelasconchas, integrante del Colectivo Los Almendros.Iván López Blanco es graduado en Historia y Máster en Profesorado por la Universidad de Granada. Es miembro activo de la escena musical granadina desde sus últimos años de adolescencia como miembro de diversas bandas y organizando conciertos como parte del Colectivo Los Almendros.
Iván López Blanco es graduado en Historia y Máster en Profesorado por la Universidad de Granada. Es miembro activo de la escena musical granadina desde sus últimos años de adolescencia como miembro de diversas bandas y organizando conciertos como parte del Colectivo Los Almendros.
Granada es una ciudad que, por una u otra razón, es atravesada por los caminos de gente de muy distinta procedencia. Así surge Rivets en 2021, como el punto común en el que se encontraron los caminos de varios músicos procedentes de Barcelona, Sevilla, Alicante, Motril y la propia Granada. Formado por David Varo y David Nägele como bajista y guitarrista respectivamente, Alejandro Pintor primero como batería para pasar después a la guitarra, y Abel Bujaldón como vocalista, acompañados por Pablo Arellano como batería entre 2021 y 2024, Rivets es un grupo que ofrece un post hardcore distinguido por su carácter melódico pero explosivo, fruto de las diversas influencias que cada miembro aporta desde las distintas escenas por las que se han movido antes de llegar a la capital granadina. Surge, en sus propias palabras, por el deseo común de representar en Granada un estilo de música que no estaba presente en la escena local, inspirados por grupos como los estadounidenses Touché Amoré, Movements y Thrice, los británicos Basement o los madrileños Boneflower.
Desde su formación Rivets ha sido un grupo especialmente activo en la escena granadina, asentando una base fiel de seguidores gracias a su regular subida a los escenarios locales durante sus primeros años de existencia y favoreciendo el desarrollo de la escena underground ayudando a organizar conciertos para grupos afines de otros puntos del país que, de otra forma, lo hubieran tenido más difícil para tocar aquí.
Su primer disco y único hasta el momento, Bring Back The Clouds, salió a la luz el 10 de septiembre de 2023 precedido por el sencillo Paint The World Blue, no incluido en el mismo. Grabado y autoeditado por el propio grupo, este trabajo recopila el material que el grupo ya había presentado en directo, con un post hardcore rápido y emotivo, fuerte y calmo a partes iguales, con segmentos de gritos y distorsión y otros tantos pasajes ambientales. Parte de sus letras son puro desahogo, pero tras ello se esconde un mensaje de esperanza y optimismo que se hace latente en el cierre del disco, Circle of Life, que anima al oyente a pedir ayuda y al apoyo mutuo. “Seeking help it’s not weakness, it is strength / It’s how we survive!” (“Buscar ayuda no es debilidad, es fortaleza / ¡Es como sobrevivimos!”). Con esas palabras cierra Rivets un trabajo que les llevó a tocar por el resto del país junto a otros grupos del panorama estatal como los madrileños Noviembre o los valencianos Shibuya. También el lema que aparece en una esquina de la portada, “Only love can save us”, refleja de forma explícita lo que el grupo quiere transmitir con su música.
Ese mismo mensaje es más explícito si cabe en su directo, donde previo al cierre del concierto el grupo anima al público a cuidarse unos a otros, cuidar la salud mental propia y ajena, y a pedir ayuda sin miedo a parecer débiles. En un estilo en el que el mensaje es primordial, en definitiva, Rivets optan por abrirse en canal y, con una enorme honestidad, transformarlo en esperanza.
Recomendaciones:
Caro Raro [autoetnográfico]
CARO RARO, Cool calentito
Escrito por:
Enrique Agüera Moreno
Músico en Caro Raro
Músico en Cosmic Wacho, Profesor de guitarra en Gabba hey, graduado en Bellas Artes.
Enrique Agüera cantante y compositor inicia su nuevo proyecto en solitario Caro Raro. Este proyecto comienza a finales de 2022 con el lanzamiento de su primer single ¨Cora de papel ¨. En esta etapa nos revela su faceta cómo productor y nos descubre un lado muy directo, expresando así una clara vocación por comunicarse con los demás y hacer llegar ideas sencillas con las que cualquiera puede sentirse identificado. Así, el vínculo amoroso con el mundo que nos rodea, y las relaciones humanas, se convierten en temática central de Caro Raro. Sonidos frescos que beben del synth pop, el R&B, o la música disco son los que inspiran la producción musical y melodías de este nuevo proyecto. Juguetón, sexy y divertido son algunos de los adjetivos que se vienen a la mente al escuchar lo nuevo de Enrique Agüera.
Recomendaciones:
Napoleón Solo
Napoleón Solo, la esencia del pop alternativo granadino
Escrito por:
Andrés Galán López
Graduado en Historia y Ciencias de la Música en la Universidad de Granada
Andrés Galán es musicologo por la Universidad de Granada, Graduado en Enseñanzas Artísticas Superiores en la especialidad de Interpretación-Guitarra Clásica y forma parte de varios proyectos como musico de la escena granadina, entre ellos: Nievla, Unidad y Armonía y Madame Popova.
Napoleón Solo es una banda granadina que ha dejado una huella significativa en la escena del pop alternativo español. Formada en 2007, la agrupación ha sido aclamada por su estilo fresco, ecléctico y una habilidad singular para fusionar melodías pop con un toque experimental, sin perder el carácter melódico y accesible que los distingue. Liderada por Alonso Díaz, surge a partir de los integrantes de un grupo anterior: El Mito de Sísifo grupo también formado por Alonso y que ganó la edición del Festival Zaidín Rock en 2006.
La historia de Napoleón Solo comenzó cuando Alonso Díaz decidió formar una banda junto a su hermano Miguel Díaz (bajo) y otros amigos músicos. Desde un principio, la banda se propuso hacer música con un estilo propio, con influencias del pop-rock británico, la música de los años 60 y 70, pero con un sonido moderno y contemporáneo. La ultima formación conocida del grupo son: Alonso Díaz (voz y guitarra), Jaime Cordones (guitarra eléctrica), José Ubago (bajo electrico), Miguel Díaz (teclados) y Luismi Jiménez (batería y percusión).
Los dos primeros trabajos de la banda Será Maravilloso y Napoleón Solo en la ópera, lanzados en 2009 y 2010, fueron recibidos con entusiasmo tanto por la crítica como por el público. En estos trabajos, la banda combinó letras divertidas y desenfadadas con melodías pegajosas y ritmos animados. Canciones como "Lolaila Carmona" y "Perdiendo el tiempo" se convirtieron rápidamente en himnos del indie pop español. El álbum representó un soplo de aire fresco en la escena musical nacional y consolidó a Napoleón Solo como uno de los grupos a seguir.
Con el paso de los años, Napoleón Solo no ha dejado de evolucionar y explorar nuevas sonoridades. Su segundo álbum, Chica Disco (2012), mostró una madurez en su propuesta musical, sin perder el tono juguetón y dinámico que los caracteriza como bien ejemplifican en el tema “Antes de que ocurriera”. Este trabajo destacó por una mayor presencia de sintetizadores y sonidos electrónicos, manteniendo el espíritu nostálgico y lúdico de sus primeras producciones.
En 2014, la banda lanzó Máximo Ruiz Ferrer, un disco conceptual que rinde homenaje al abuelo de Alonso Díaz. Con este trabajo, Napoleón Solo llevó su música hacia terrenos más experimentales y arriesgados, tanto en las composiciones como en las letras. Este álbum supuso un cambio importante en la trayectoria de la banda, mostrando una faceta más introspectiva y emocional.
Después de algunos cambios en su formación, Napoleón Solo ha seguido trabajando en nueva música y manteniendo su relevancia en la escena alternativa. Actualmente no se encuentran en activo como grupo pero los miembros del grupo tienen otros proyectos musicales. Entre ellos, debemos de destacar el de Alonso, que lanzó el 19 de abril de 2024 su primer y esperado disco como solista llamado ¿Qué es querer? y el de José Ubago (José Bonaparte) que lanzó el 23 de mayo de 2019 Al otro lado.
El estilo de Napoleón Solo sigue siendo difícil de encasillar en un solo género, lo que los convierte en una banda única dentro del panorama musical español. Su capacidad para combinar influencias clásicas con una perspectiva moderna les ha permitido crear un sonido distintivo y fácilmente reconocible que apuesta por la experimentación sonora con tintes psicodélicos. Un sonido que se ha convertido en punto de partida de varios grupos granadinos actuales.
Napoleón Solo ha sido parte de la ola de bandas granadinas que han logrado trascender el ámbito local para hacerse un nombre en la escena nacional. Granada, conocida por ser cuna de artistas y bandas como Los Planetas, ha sido un hervidero de talento musical, y Napoleón Solo ha sabido aprovechar este contexto para consolidar su carrera.
Aunque su popularidad nunca ha alcanzado las masas, su música ha conseguido un grupo fiel de seguidores, y ha influido a nuevas generaciones de músicos que buscan un estilo que combine lo clásico con lo alternativo. Napoleón Solo es, en esencia, una banda de culto dentro del indie español, y sigue despertando interés por su propuesta fresca y honesta.
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Cristalino
Del micrófono a las pantallas, la trayectoria artística de Cristalino
Escrito por:
Sara Armada Díaz
Gestora cultural en Fundación Miguel Ríos y doctoranda en Historia y Ciencias de la Música en la Universidad de Granada
Musicóloga, DJ y gestora cultural. Sara Armada Díaz es graduada en Historia y Ciencias de la Música por la Universidad de Granada, institución en la que también estudió el Master de Patrimonio Musical y en la que se encuentra realizando sus estudios de doctorado en torno al indie femenino español. Actualmente compagina su carrera como investigadora con su labor como gestora y programadora cultural en la Fundación Miguel Ríos, su trabajo como comunicadora y locutora en el medio Ruidosa Granada, así como con sus proyectos artísticos, Ruidosa y Rey Amarillo, donde ejerce de compositora e intérprete.
A lo largo de los años, Francisco Martín Ocete, conocido artísticamente como Cristalino, ha formado parte de diversos proyectos que le han permitido consolidarse como un artista versátil y multidisciplinar. En Pájaro Jack (2008-2010), Ocete fue uno de los miembros fundadores, destacándose como compositor, cantante y guitarrista. Este grupo granadino se convirtió en una referencia dentro de la escena indie nacional, gracias a su estilo cálido y nostálgico, inspirado en el folk y el pop.
Tras su etapa en Pájaro Jack, Ocete continuó su camino con Brío Afín (2012-2018), donde asumió un rol similar como compositor, cantante y guitarrista. Con esta banda, exploró sonoridades más experimentales, combinando influencias del rock alternativo. Paralelamente, también formó parte de Dolorosa (2014-2019), donde ejerció de guitarrista y corista, contribuyendo a definir un sonido potente y melancólico que les llevó a actuar en plataformas tan reconocidas como los Conciertos de Radio 3.
A partir de 2009, Francisco Martín Ocete comenzó a desarrollar su carrera en solitario bajo el nombre de Ocete. Durante esta etapa, que se extendió hasta 2022, el artista experimentó una evolución significativa en su sonido, con producciones más personales y cercanas a la música urbana y electrónica. Canciones como “Suerte” (2021) y “De nuevo” (2022) mostraban una faceta más introspectiva de Ocete, quien también asumió el rol de productor y multinstrumentista en esta etapa.
El proyecto Ocete representó un espacio de experimentación en el que el músico se permitió jugar con nuevas texturas sonoras y líricas, manteniendo siempre su sello distintivo de honestidad emocional y sensibilidad melódica. Esta fase fue fundamental para su transición hacia Cristalino, ya que sentó las bases de la búsqueda identitaria y musical que continuaría desarrollando en su siguiente proyecto.
En 2023, Ocete se reinventa bajo el nombre de Cristalino, lanzando un proyecto en solitario con la producción de Jaime Beltrán. Este nuevo capítulo artístico marca un cambio significativo en su trayectoria, caracterizado por una fusión de géneros que va desde el hyperpop hasta la música urbana, sin perder de vista la tradición pop y las reminiscencias folkies que siempre han acompañado su música. Cristalino toma como referencias a artistas vanguardistas como Caroline Polachek y A.G. Cook, creando un sonido contemporáneo, experimental y profundamente personal.
El EP debut de Cristalino, lanzado en 2023, refleja esta evolución con canciones que exploran tanto lo emocional como lo identitario. Temas como "Me vale" y "De arriba abajo" exhiben un acercamiento más directo y visceral a la creación musical, con letras que exploran las complejidades de la vida moderna desde una perspectiva íntima y poética. Además, la producción de Jaime Beltrán ha permitido a Cristalino navegar entre estilos tan diversos como el synth-pop y la música de club, logrando una propuesta artística única que sigue los pasos de grandes como James Blake o Travis Scott, pero con una identidad propia.
Además de su carrera como músico, Cristalino ha explorado con éxito el mundo de la actuación. En 2023, coprotagonizó la película Segundo Premio, dirigida por Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez, una producción que ha sido seleccionada para representar a España en la 97ª edición de los Premios Oscar. Este salto al cine ha abierto nuevas puertas para Cristalino, quien ha demostrado ser un artista multifacético capaz de expresarse tanto a través de la música como de la interpretación.
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Granada Rock Choir [autoetnográfico]
Un coro intergeneracional que suena a Rock n Roll
Escrito por:
Teresa Martínez Martínez
Titulada Superior en la especialidad de Violín y Canto
Teresa Martínez es titulada superior en la especialidad de Violín y en la especialidad de canto clásico. Profesora certificada en el método Functional Voice Training, compagina su carrera como pedagoga de la voz cantada con la dirección de diversos proyectos corales.
El Granada Rock Choir inició su andadura en octubre de 2022 bajo la dirección de Teresa Martínez, con el propósito de darle al rock un espacio coral en nuestra ciudad, tierra de tradición rockera donde las haya. Poco a poco ha ido consolidándose como uno de los coros más dinámicos e innovadores de la ciudad.
Este coro intergeneracional, que reúne a miembros desde los 20 hasta los 70 años, no solo promueve la música coral, sino que también fomenta la cohesión social y la participación comunitaria a través de la música.
Desde su creación, el Granada Rock Choir ha superado los cincuenta miembros, lo que refleja un creciente interés por la música coral en la región. Este fenómeno no es casual; la música tiene un poder intrínseco para unir a las personas, y el coro ha sabido aprovechar esta característica al ofrecer un espacio inclusivo donde cada voz cuenta. La diversidad de edades en sus integrantes enriquece la experiencia musical, permitiendo un intercambio generacional que enriquece tanto a los jóvenes como a los mayores.
Uno de los aspectos más destacados del Granada Rock Choir es su repertorio. La clave está en la adaptación de los clásicos del rock que son interpretados a coro de 4 voces mixtas y una banda de rock que los acompaña en directo y cómo no una dedicación especial a la música rock granadina. Hacer versiones de canciones de artistas tan emblemáticos como Miguel Ríos, Enrique Morente, Lagartija Nick y Los Ángeles entre otros, no solo rinden homenaje a estos músicos, sino que también educa a sus miembros y al público sobre la historia y la evolución del rock en la ciudad de Granada.
Las actuaciones del Granada Rock Choir han sido notables desde su debut. Su participación en el cuarto Festival “Rock n' choirs” en Barcelona y su estreno en el Teatro Isabel la Católica el 20 de mayo de 2023, donde lograron llenar el recinto, son ejemplos de su creciente popularidad. En marzo de 2024 organizaron un encuentro coral de rock a gran escala por primera vez en Granada reuniendo a más de 160 coristas de toda España en el Auditorio Manuel de Falla. Además, la colaboración con Miguel Ríos en su concierto de celebración de los 40 años de la gira Rock and Ríos subraya la relevancia del coro en el panorama musical actual. Estas experiencias no solo fortalecen la visibilidad del coro, sino que también crean oportunidades para que sus miembros se conecten con artistas consagrados y aprendan de ellos
Recomendaciones:
Nievla [autoetnográfico]
Nievla, la nueva promesa del pop alternativo granadino
Escrito por:
Andrés Galán López
Graduado en Historia y Ciencias de la Música en la Universidad de Granada
Andrés Galán es musicologo por la Universidad de Granada, Graduado en Enseñanzas Artísticas Superiores en la especialidad de Interpretación-Guitarra Clásica y forma parte de varios proyectos como musico de la escena granadina, entre ellos: Nievla, Unidad y Armonía y Madame Popova.
El grupo granadino Nievla ha logrado consolidarse como una de las promesas más destacadas dentro del panorama de la música alternativa en España. Formada en 2018 por músicos con una larga trayectoria, como Toni Jiménez (guitarra, voz, teclados), conocido por su participación en bandas como Lori Meyers, Niños Mutantes y Unidad y Armonía, Andrés Galán (guitarra eléctrica), Antonio Jimenez Estrella (bajo eléctrico), Nacho (teclados) y Álvaro (batería), Nievla se caracteriza por una propuesta que fusiona el pop alternativo con la psicodelia, el post-punk y la electrónica.
El proyecto nació con una clara intención de explorar terrenos musicales íntimos y experimentales. Sus letras suelen abordar temáticas profundamente personales y reflexivas, como las emociones humanas, la vulnerabilidad y la nostalgia. Estos temas se entrelazan con melodías atmosféricas y arreglos que a menudo juegan con la delicadeza y lo introspectivo, algo que se refleja en su sonido etéreo y cuidado.
En 2019, Nievla lanzó su primer EP, Septiembre, que rápidamente captó la atención de la crítica especializada con temas como “Ciudadano” con letra crítica y sonido feroz o “El Hilo” un canto al amor y a la esperanza. Este debut fue seguido por su segundo EP, Octubre, en 2020, un trabajo que consolidó su estilo musical y ofreció un vistazo más amplio a su capacidad para crear paisajes sonoros envolventes. Con canciones como "Hasta aquí" y "Cuando me duerma", la banda mostró su habilidad para crear atmósferas cargadas de melancolía y sutileza. Además, estos trabajos fueron grabados y producidos de forma independiente a través de la figura clave de Jaime Beltrán (siempre presente en todos sus trabajos como productor y técnico de grabación), lo que les permitió experimentar sin restricciones comerciales, mostrando un enfoque auténtico y creativo en cada detalle de sus composiciones.
En 2023, lanzaron su primer álbum completo, Habitación, que supuso un paso más en la evolución de su sonido. En este disco, se aprecia una reducción del componente psicodélico en favor de una mayor influencia de la música electrónica, con sintetizadores que aportan una base más sólida y contemporánea a sus canciones. Creado durante la pandemia el disco explora diversos escenarios que atravesaron los integrantes de la banda, de ahí la variedad de atmósferas sonoras que encontramos en los temas que lo componen. Temas como "Consejo", con una lírica casi recitada, se destacan por su capacidad para generar una conexión emocional profunda con el oyente. “Nuestro Turno” representa una apuesta por el minimalismo sonoro que lleva a un primer plano la letra de la canción y trata de crear con el oyente un vinculo afectivo que pueda transportarlo a los sentimientos vividos por su autor. “Tres” representa la inclusión de las músicas urbanas dentro de las escuchas habituales del grupo, como son capaces de alternarlo con su propio sonido y buscarles un desarrollo dentro de sus creaciones. Por último, “Calendario” refuerza el minimalismo y la inclusión de la electrónica como elemento principal en el desarrollo de creación del disco y “Nariz” crea una ruptura con todo lo demás, apostando por la sorpresa en una escucha activa por parte del oyente.
La capacidad de Nievla para mantenerse fiel a su estilo mientras exploran nuevas sonoridades y juegan con todos los conceptos (sonoros o no) que les parecen llamativos los convierte en una referencia de compromiso musical y exploración sonora dentro de la escena alternativa granadina.
Recomendaciones:
Sky Bacon [autoetnográfico]
Power-kraut dadaísta
Escrito por:
Alberto Vega Lozano
Músico, Productor en RTVE
Máster en documental y reportaje transmedia, pequeño engranaje del vasto y viejo motor de los medios de comunicación nacionales.
Sky Bacon nace intelectualmente durante la pandemia de 2020. La mezcla de un profesor de inglés en estado de aburrimiento y una fascinación del mismo por el movimiento dadaísta engendraron el inocente proyecto de Sky Bacon. Todos los antecedentes estéticos de la primera propuesta musical se remontan a un proceso inconsciente por parte del autor de recopilar de una forma altamente deshinibida sus principales referentes musicales a lo largo de su vida, siendo estas la psicodelia de los años sesenta, el punk de los años noventa y la neo-psicodelia de los años 2010.
El proyecto no se queda ahí, otras dos figuras amigas del iniciador de la propuesta sonora ayudaron en el proceso de producción del primer EP a lo largo del verano del mismo año, además de prestarse como manos ejecutoras de la interpretación de los instrumentos pertenecientes a la sección rítmica típica del conjunto de música popular occidental: la batería y el bajo. El disco vio la luz un año más tarde, en verano de 2021, bajo el nombre de “Ointment”. La tardanza en la mezcla, máster, diseño de complementos visuales, creación de redes sociales y posterior lanzamiento se debió a que este proyecto en ningún momento tuvo el ansia de salir. Los tiempos se sintieron muy naturales, nada parecía en serio, y todos los integrantes veían en el proyecto una vía de escape, ocio y diversión; lo cual podemos sospechar que es un bien escaso dentro de las vidas de la gente de a pie. Hay otros quehaceres en la vida de la gran mayoría de personas de nuestro entorno que son más importantes, por mucho que nos gustara que no fueran así.
Tras la salida del primer disco, comenzaron a surgir ideas para un segundo, esta vez siendo una coautoría de dos de los tres integrantes del proyecto y con el restante a los mandos de la producción del LP. Esta vez se alejaban del tono más rocanrolero y espontáneo dada para centrarse en unas composiciones un poco más cuidadas y melosas, aunque sin perder ese toque improvisacional que tanto caracteriza al conjunto. “Bathtub Pictures”, que terminó siendo el nombre de esta entrega, fue grabado en Producciones Peligrosas a lo largo de dos sesiones y media (29, 30 y 31 de agosto de 2021). Además, a medida que las restricciones de movilidad y horario se fueron suavizando, más y más propuestas de grabaciones en directo se presentaron; ninguna de ellas llegó a ultimarse (por ahí hay gente con los brutos del directo perdido de Sky Bacon durante el verano de 2021, la “Sesión Melocotón”).
A partir de entonces, empezarían dando un alocado concierto en diciembre de 2021. Desde entonces, han dado cinco conciertos más, destacando su participación en la final del Concurso de Bandas Emergentes en la sala Plantabaja en 2022, el interminable concierto de la madrugada del 18 de junio de 22 en la que por aquel entonces se llamaba la Sala Petit Cabaret y el concierto con performance astro-espacial en el Espacio Caja Sonora en Granada el 17 de Noviembre de 2023. En cuanto a lanzamientos, Sky Bacon lanzaría el LP “Bathtub Pictures” en verano de 2022 para luego participar en el recopilatorio de Grabaciones Bonicas en 2024 con la canción “AutoDada1992”, un giro hacia el género Power-kraut tan característico de sus actuaciones en directo… Y desde entonces no han vuelto a dar señales.
A día de hoy Sky Bacon se encuentra en estado de reposo ante el temporal de obligaciones laborales y de supervivencia de sus integrantes. Igualmente, perduran debajo de las cenizas de esa fuerza inicial unas ascuas en constante transformación y meditación. El día que el dragón despierte, habrá un cambio en las propiedades metafísicas de todo aquello que nos rodea.
Recomendaciones:
Gelu
Pionera
Escrito por:
Nicolás Hernández-Carrillo Valverde
Profesor de Música en Enseñanza Secundaria
Licenciado en Teología y en Historia y Ciencias por la Música en la Universidad de Granada. Es compositor e intérprete en la banda granadina EL Hombre Garabato. Desde 2006 se dedica a la educación musical en Centros de Enseñanza Secundaria.
María de los Ángeles Rodríguez Fernández, más conocía como Gelu, fue nuestra primera chica yeyé, nombre que provenía de los famosos “Yeah yeah” beatles y que adoptaron mujeres que tuvieron éxito en la música y sorprendieron por su desparpajo, falta de prejuicios e indumentaria. Ser una chica yeyé era una cuestión de actitud, de cierta novedad y rebeldía. Nacida en Granada en 1945, desde muy pequeña ya mostró cualidades vocales excepcionales cantando en la radio clásica de zarzuela u otros estilos populares.
Una de sus primeras actuaciones fue en los Jardines de la Alhambra, y después en el Balneario de Lanjarón con el trío granadino Los Nevada, lo que le valió para que desde fuera fijasen la atención en ella y consiguiera su primer contrato discográfico, llegando a grabar en la famosísima colección de discos La Voz de su amo.
En 1958 gana el concurso Música al Azar de Radio Granada, lo que supuso, junto al primer premio del programa Discomanía, un prometedor comienzo de su carrera, que llegará a la cima en 1963 con la grabación, junto a los Mustang, de "El Partido de fútbol", una versión de la cantante Italiana Rita Pavone.
Se traslada a Madrid y después a Barcelona, ya que en Granada las posibilidades de desarrollar su carrera eran mucho más limitadas que en estas grandes ciudades. Allí graba numerosos Eps, unos 30 en total. Estos discos estaban compuesto por canciones de vocalistas principalmente anglosajonas e italianas, cargados de versiones de todo tipo. Entre todas las versiones destacan “Siempre es domingo”, “Enamorada” o el citado “El partido de fútbol”, uno de sus primeros éxitos y una de las canciones por la que más es recordada. Especial atención merece su versión de la famosísima "La Chica Ye-yé", canción que posteriormente gozaría de gran éxito gracias a la interpretación de Concha Velasco o Miguel Ríos. En 1967 publicó las que serían sus últimas canciones, un par de temas de Petula Clark: "Amor es mi canción" y "Pinta mi mundo".
Gelu fue una mujer innovadora, mezclando géneros de muy diversa índole y atreviéndose a cantar como nadie en esa época lo hacía, de manera desenfadada y vital. Es considerada por la crítica musical como una de las primeras mujeres del país en abrirse a la música internacional y mezclar géneros como el pop o el flamenco, algo absolutamente inédito hasta ese momento.
Se retiró de la vida musical en 1968 dejando una gran cantidad de éxitos y una luz que alumbrará a futuras generaciones.
Recomendaciones:
García Picasso [autoetnográfico]
Meninas
Escrito por:
Miguel Gacía Soler
Productor en García Picasso
García Picasso es un artista, productor y cantante granadino. Formado en Berlín, en 2023 lanzó su primer EP, "Color de Época", combinando influencias electrónicas y flamencas. Su estilo se caracteriza por romper géneros tradicionales, apostando por un enfoque musical libre y sin etiquetas.
García Picasso es un artista, productor y cantante granadino.
Podríamos definir la música de García Picasso como Pop sin género o “Genderless music” ya que defiende la idea de que tanto en la vida como en la música la presencia de géneros es obsoleta, y combina distintos elementos del folklore con sonidos de la electrónica generando un sonido original y ecléctico.
Este proyecto va mas allá de lo musical y también indaga en el arte conceptual, visual y humanista. Podemos apreciar referencias de artistas como Frida Kahlo, David Bowie o Pablo Picasso. Apostando por una estética sin género este artista queer formó parte en el pasado de los proyectos Kid Simius y Kilnamana, actuando en festivales europeos como Eurosonic, Melt o el Fib.
De su show en directo podemos esperar un concierto divertido, entretenido de ver y orientado al baile, en el que no solo veremos a García Picasso cantar y tocar percusiones si no que también habrá momentos para el baile, la sensualidad y elementos de performance.
Ha contado con el apoyo de medios como Radio 3, Mondo sonoro, Jenesaispop y tiene programada una actuación el proximo 10 de diciembre en los conciertos de Radio 3.
El próximo 30 de octubre publicará su álbum de debut, MENINAS, del que ya ha adelantado el single ‘PARTY TIME’, en homenaje a la icónica formación de pop electrónico ibicenca Locomía, y la homónima ‘MENINAS’, en colaboración con el mítico Rafa Villalba, autor del ‘Chiquetere’ y uno de los personajes clave de La Ruta del Bakalao.
Como ya ha dejado entrever en dichos avances, el álbum de debut de García Picasso es un acercamiento a ciertas figuras de algún modo pioneras de la electrónica pop en castellano. Un proyecto nacido durante su estancia en Berlín, donde residió entre 2015 y 2022, por su necesidad de reconectar con sus raíces.
En lo que va de 2024, García Picasso ya ha tenido oportunidad de presentar su nueva propuesta escénica en el evento OLA Granada y en el Dee Festival, ambos en su ciudad natal, en La Térmica de Málaga, en el museo Thyssen de Madrid, en la plaza de la catedral de Mallorca y también en el Cooltural Fest de Almería.
Alguna de sus producciones han sido incluidas en la banda sonora de la serie “The New Pope” dirigida por el ganador del Oscar, Paolo Sorrentino yen comerciales para la marca BMW dentro del proyecto Vision iNEXT.
Recomendaciones:
Eskorzo
Mestizaje sonoro en expansión
Escrito por:
Ugo Fellone
Musicólogo
Ugo Fellone investiga sobre géneros musicales y hace música más bien raruna. Esto le ha llevado a ser coordinador del Grado en Musicología de la Universidad Internacional de Valencia, presidir la Sociedad de Etnomusicología (SIbE) y fundar el sello 12 min albums.
Con una trayectoria de tres décadas, Eskorzo se ha convertido en uno de los grandes representantes de esa amalgama de corrientes que supone el mestizaje. Faro y guía para múltiples bandas y músicos de la escena local, su peculiar mezcla de ska, cumbia, rock, funk, afrobeat y mil otros ritmos globales es clara hija del batiburrillo de culturas y estéticas que se dan en una ciudad como Granada.
Fundada en 1995 en Granada, la alineación actual de la banda, estable desde 2012, la compondrían Tony Moreno (Voz), José Uribe (Batería), Jose Gustavo Ppgu (Bajo), Manuel Collados (Guitarra), Zeke Olmo (Percusión), Pruden Valdivieso (Trombón) y Jimi García (Trompeta). No obstante, entre sus miembros fundadores se encuentran Jesús Mata (guitarra, saxo, flauta) y Carlos Díaz (guitarra) y desde 2000 a 2012 contaron con JJ Machuca como teclista.
En 1998 publican su primer álbum, Mundo Bullanga (1998). Aunque en él toman como centro de su propuesta la clásica fusión de música jamaicana y rock combativo, no dudan en picotear de otros géneros, como el flamenco o la batucada, colaborando con el propio Albert Plá en una de sus canciones. La fuerte personalidad que denotan, sumada al hecho de publicar este debut con una multinacional, ayudan a que tengan un rápido ascenso, llegando a girar con Molotov en su primera gira europea y participar en eventos de gran envergadura como el Espárrago Rock de 1999.
Su siguiente disco, La sopa boba! (2001), ya fuera de una major, continúa con esa particular mezcla entre desparpajo fiestero y conciencia política en la que lo jamaicano sigue siendo central, como evidencia la colaboración del Padrino del ska, Laurel Aitken. No obstante, aún hay espacio para que se cuelen crecientes guiños al jazz y otras tendencias, los cuales irán en aumento con la publicación en 2004 de El árbol de la duda. En este, el grupo se muestra cada vez más abierto a otros ritmos globales, especialmente latinos, aunque también hay ramalazos de funk, rap o incluso circenses. Esto no significa que se olviden del ska, siendo la mejor muestra de ello su primer gran himno incontestable: “El que tenga el amor”. La amplitud del álbum se aprecia también en sus colaboraciones con miembros de Tabletom o Bersuit Vergarabat y será recompensada internacionalmente con una extensa gira europea.
En 2009, con Paraísos artificiales, el grupo toma el impulso que había supuesto volverse cada vez más eclécticos para virar hacia una propuesta mucho más psicodélica, pero no por ello irreconocible, como prueban los guiños al rocksteady, el funk o el afrobeat. En él colaboran con miembros de Lori Meyers y Hora Zulú, mostrando que solo ellos son capaces de que un indie y un heavy granaíno se pongan de acuerdo.
Tras un disco en directo en 2012, publican en 2014 Camino de fuego, una vuelta a ese mestizaje más canalla, con especial énfasis en lo latino (solo hay que mirar las calaveras mexicanas de su portada). Este se transforma en un claro éxito de crítica y público, especialmente gracias a “Suave”, la canción más popular de la banda, una cumbia con Celso Piña y Coque Malla.
El buen resultado que dio esta cumbia les lleva a explorar aún más el género en Alerta Caníbal (2017), empapándose de sus distintas variantes (colombiana, peruana, mexicana…) y atreviéndose incluso a versionar a The Clash con este ritmo. En el álbum, en el que colaboran con Amparanoia o El Canijo de Jerez, también hay espacio para la rumba, el ska o el vallenato, subordinándose todo a un concepto unificado alrededor del canibalismo como metáfora romántica y existencial.
Su último álbum hasta la fecha se publica en 2023 con el nombre de Historias de amor y otras mierdas. Este continúa la línea de los anteriores, si es que eso es posible, con múltiples colaboraciones (Rozalén, La Pegatina, Nidia Góngora…) y esa promiscuidad que lo mismo dice rumbita que dice cumbia que dice ska que dice bolero, electrónica, rap o metal. Así, tomándose el tiempo necesario entre publicación y publicación, priorizado la calidad y, en especial, la variedad, Eskorzo van año tras año abriendo terreno y conquistando nuevos horizontes para su universo sonoro en expansión.
Recomendaciones:
Los Planetas
Los Planetas: de subterráneos a iconos del indie
Escrito por:
Nano Barrera
Doctor en Historia y Ciencias de la Música. Profesor Ayudante doctor en la Universidad de Cádiz.
Doctor en Musicología por la Universidad de Granada (2014). Becario FPI (2010-2014), posdoctoral Junta de Andalucía (2015) y UGR (2016). Estancias en Milán, Leeds y Huddersfield. Premio de Invesitgación Musical Manuel de Falla (2013). Profesor en la Universidad de Cádiz (2017-), máster Universidad Internacional de Andalucía (2017-), Universidad de Granada (2011-2017). Docencia en distintos Grados de la Universidad de Cádiz, Máster en Investigación y Análisis del Flamenco, Innovación educativa y Patrimonio Musical. D
Nacida a primeros de los 90 como Los Subterráneos, esta formación granadina cambia pronto su nombre a Los Planetas -por aquello del parecido con sus coetáneos Christina y Los Subterráneos- y alcanza la fama gracias al concurso de maquetas del programa Discogrande, de Radio Nacional de España 3, presentado por el conocido periodista Julio Ruiz.
Este éxito en el certamen de artistas noveles sitúa a la banda en el punto de mira de numerosos sellos discográficos con los que firman contratos sucesivos. En primer lugar, llegó la independiente Elefant Records, con la que sacaron exclusivamente el EP Medusa, en 1993. Posteriormente alcanzan acuerdos con distintas multinacionales, caso de RCA-BMG o Sony Music, con los que publican siete discos de estudio y varios recopilatorios: Super 8 (1994), Pop (1996), Una semana en el motor de un autobús (1998), Unidad de desplazamiento (2000), Encuentros con Entidades (2002), [Los Planetas] Contra la ley de la gravedad (2004) y La leyenda del espacio (2007). Finalmente volverían a sus raíces independientes, en el sentido comercial del término, autoproduciendo sus últimos trabajos con El Volcán Música/Ejército Rojo, caso de Una ópera egipcia (2010), Zona temporalmente autónoma (2017) o Las canciones del agua (2022).
A lo largo de su más de treinta años de carrera Los Planetas se ha convertido, según crítica y público, en una de las bandas de música indie más importantes de nuestro país. Prueba de ello son sus galardones y reconocimientos, como del título de mejor banda de rock alternativo nacional, en los Premios Nacionales de la Música, su participación regular en festivales internacionales, como el FIB o Primavera Sound, o sus continuas apariciones en medios especializados, caso de Rockdelux o Rolling Stone.
En este sentido, también se debe resaltar que, a pesar de ser una banda etiquetada como independiente, haya logrado estar entre los más vendidos a nivel nacional, lo más comercial, especialmente con el disco Una ópera egipcia, con el que se alzaron hasta el número 2 de las listas de venta españolas.
A lo largo de su carrera, los granadinos han ido desgranando sus influencias en cada uno de sus trabajos, del noise anglosajón, con un sonido cercano al de formaciones como Jesus and Marychain o Sonic Youth, hasta el flamenco. Esto último se hizo especialmente evidente a partir 2007 tras el lanzamiento de La leyenda del espacio, donde introdujeron distintos elementos propios del género, como ritmos extraídos de distintos palos o la utilización de coplas de varios cantaores, siendo especialmente relevante la influencia de nombres como Morente, Fosforito o Mairena.
A lo largo de sus más de treinta años de vida, la banda ha estado capitaneada por Juan Rodríguez -Jota- (guitarra y voz) y Florentino Muñoz -Florent- (guitarra). Asimismo, han formado parte de la agrupación en distintas etapas de su carrera intérpretes como Ernesto Jiménez -Eric- (batería), Esteban Fraile -Banin- (teclado y guitarra), Miguel López (bajo), May Oliver (bajo), Kieran Stephen (bajo), David Montañés (piano), Alonso Díaz (guitarra) o Julián Méndez (bajo).
Recomendaciones:
La Zowi
Pionera del trap en España
Escrito por:
Eva Pozo Herrera
Musicóloga y divulgadora
Graduada en Historia y Ciencias de la Música y con un máster en Patrimonio Musical, ambos por la UGR, completa su formación como violonchelista en el Conservatorio Superior de Música de Jaén.
Zoe Jeanneau Canto, conocida artísticamente como La Zowi, es una figura emblemática en la escena del trap en España. Nacida en París, su vida dio un giro significativo al trasladarse a Granada a los cuatro años, donde su vinculación con la música y el arte comenzó a florecer. La Zowi es reconocida no solo por su música, sino también por su singular estética y su capacidad para abordar temas controvertidos, convirtiéndose en un símbolo de la lucha femenina en un ámbito predominantemente masculino.
Desde sus inicios, La Zowi ha destacado por sus letras explícitas y su estilo provocador. Su conexión con el mundo del flamenco, presente en su crianza en Granada, ha influido en su forma de expresión artística según comenta la misma artista, aunque su producción se enmarca principalmente en el trap. Este género, se caracteriza por su ritmo contundente y letras directas que reflejan la realidad urbana, un contexto donde La Zowi destaca por mostrar esa realidad desde la perspectiva de las mujeres del barrio e incluso acogiendo el tema de la maternidad. La Zowi tuvo relación con colectivos como los Kefta Boys y PXXR GVNG, que han sido fundamentales en el desarrollo y difusión del trap en el país.
La Zowi ha logrado crear un estilo que destaca por su estilo duro y cuyas letras desafían las normas sociales, lo que le ha valido tanto admiradores como detractores. Su lírica y estética siempre han suscitado un intenso debate. Las críticas a sus palabras malsonantes y su enfoque provocador reflejan la resistencia que enfrenta al desafiar las convenciones del machismo en la música. Sin embargo, La Zowi no solo busca chocar, sino que a menudo aborda temas de empoderamiento femenino, sexualidad y autenticidad, ofreciendo una perspectiva cruda y honesta sobre la vida de las mujeres en un entorno marcado por el patriarcado. La cantante es consciente del impacto de su imagen y de su música. En este sentido, se ha convertido en un referente para muchas jóvenes que se sienten identificadas con su mensaje, formándose como una figura y ejemplo fundamental para las mujeres de los barrios más desfavorecidos.
A pesar de las críticas que ha recibido, La Zowi continúa desafiando las expectativas y rompiendo barreras. Su estética característica, que combina elementos de la cultura urbana con influencias de la moda y el arte contemporáneo, refuerza su singularidad en un panorama musical saturado. Esta capacidad para reinventarse y adaptarse la ha mantenido relevante en un género que evoluciona rápidamente.
En conclusión, La Zowi representa una voz única en la música española, especialmente dentro del trap. Su habilidad para abordar temáticas complejas y su compromiso con la autenticidad han resonado en una generación que busca nuevas formas de expresión. Como pionera en un género en auge, su influencia es indiscutible, y su legado en la lucha por la visibilidad y el empoderamiento de las mujeres en la música continúa inspirando a muchas. En un mundo donde la voz femenina a menudo es silenciada, La Zowi se erige como un símbolo de resistencia y autenticidad, demostrando que el arte puede ser una poderosa herramienta de cambio social.
Recomendaciones:
Saiko
La nueva generación en la escena granadina
Escrito por:
Eva Pozo Herrera
Musicóloga y divulgadora
Graduada en Historia y Ciencias de la Música y con un máster en Patrimonio Musical, ambos por la UGR, completa su formación como violonchelista en el Conservatorio Superior de Música de Jaén.
Saiko (Miguel Cantos Gómez, 2002) se ha posicionado como una de las figuras emergentes más prometedoras del trap español. Nacido y criado en Armilla, ha logrado captar la atención del público con su estilo fresco y auténtico, fusionando letras introspectivas con ritmos pegajosos que resuenan en las calles y en las plataformas digitales.
Influenciado por una mezcla de géneros que van desde el rap clásico hasta el flamenco, el reggaetón o el pop, su música refleja no solo su herencia cultural, sino también su deseo de innovar dentro del panorama urbano. A través de sus letras, aborda temas como la lucha personal, las relaciones y las experiencias de la vida cotidiana, conectando con una audiencia que busca autenticidad en la música que consume.
Según relata él mismo, comenzó en la música en las batallas de gallos que se celebraban en la capital granadina. El cantante comenzó a hacerse notar en la escena local gracias a sus primeras grabaciones, que rápidamente comenzaron a circular en plataformas de streaming y redes sociales.
No fue hasta 2022, con el lanzamiento de su álbum Polaris (que alcanzó el disco de oro), cuando llegó a la fama, aunque previamente ya había colaborado con artistas como Lola Índigo o Quevedo. Un aspecto interesante de Saiko es precisamente ello, su enfoque colaborativo. A menudo se asocia con otros artistas de la escena, creando un ambiente de camaradería y apoyo mutuo. Esta filosofía de trabajo en equipo ha dado lugar a colaboraciones memorables que han enriquecido su música y, por ende, ampliado su audiencia. Entre sus colaboraciones más notables se encuentran temas con otros artistas granadinos, como Dellafuente, o artistas internacionales, como J Balvin.
Su estilo distintivo, marcado por una producción cuidada y una voz versátil, le permitió atraer a un grupo creciente de seguidores y que se han organizado como verdaderos fans de Saiko. Su capacidad para mezclar ritmos urbanos con influencias más tradicionales ha sido uno de los elementos que lo diferencian de otros artistas del género y que lo relacionan con otros artistas locales como Dellafuente, entre otros.
A medida que su carrera avanza, Saiko no solo se ha enfocado en la música, sino que también ha utilizado su plataforma para abordar temas sociales y personales. En varias entrevistas, ha hablado sobre la importancia de la salud mental, la autenticidad y la lucha por los sueños. Su compromiso con estas causas ha resonado entre sus seguidores, creando una conexión más allá de la música.
En 2024, Saiko patrocinaría la camiseta del Granada Club de Fútbol en la temporada 2024-25, equipo del que el cantante es gran seguidor. También tiene su propia tienda física y online, llamada “Saikoneta” donde vende su propio merchandising y, en alguna ocasión, ha organizado recogida de alimentos para las personas necesitadas.
Recomendaciones:
Miguel Ríos
Granada
Escrito por:
Samuel Sánchez Valiente
Doctorando en Musicología en la Universidad de Granada
Musicólogo y profesor de música secundaria (inglés).
Miguel Ríos Campaña nace en Granada el 7 de junio de 1944 en el seno de una familia humilde. Es el menor de siete hermanos. A los 15 años, comienza a trabajar en la sección de discos de los almacenes Olmedo de Granada donde toma contacto con la música rock and roll. En 1960 graba una maqueta junto a los Nevada en Radio Granada y al año siguiente ficha por la discográfica Philips. En 1962 publica su primer epé titulado El rey del twist con el nombre de Mike Ríos. En 1968 ficha por Hispavox y lanza un single con las canciones “El río” y “Vuelvo a Granada”, convirtiéndose en un éxito a ambos lados del atlántico. En 1969 publica su primer elepé, Mira hacia ti. Ese mismo año graba una adaptación del último movimiento de la novena sinfonía de L. van Beethoven titulada “Himno a la alegría” con arreglos y dirección de Waldo de los Ríos. En 1970 graba una versión en inglés: “A song of joy”, alcanzando el éxito en Europa, Estados Unidos, Canadá, Australia y Japón. Ese mismo año edita su segundo elepé, Despierta. En 1971 publica el álbum Unidos, donde destaca la versión de “Here comes de sun” de The Beatles y “United”, que adapta la obra “Te Deum” de Charpentier. En 1972 publica el directo Conciertos de rock y amor en el que versiona varias canciones de clásicos del rock and roll. En 1974 lanza Memorias de un ser humano, un álbum que inaugura su etapa progresiva. En 1976 ficha por Polydor y graba el álbum conceptual titulado La huerta atómica con poco éxito. Al año siguiente publica Al-Andalus, con influencias del rock andaluz. En 1978 comienza la gira Noche roja acompañado por los grupos Triana, Iceberg, Guadalquivir y Salvador. En 1979 comienza su colaboración con Carlos Narea con los álbumes Los viejos rockeros nunca mueren, Rocanrol burmerang (1980) que incluye el éxito “Santa Lucía” y Extraños en el escaparate (1981). Su sonido se orienta hacia el rock urbano y vuelve a las listas de éxitos. En 1982 lanza el disco en directo Rock & Ríos que recopila sus grandes éxitos, varias versiones y canciones nuevas como “Bienvenidos”. Tras el éxito de este álbum en directo, el músico granadino edita el disco El rock de una noche de verano en 1983. En esa gira participan Luz y Leño. En 1984 publica La encrucijada, último álbum de estudio producido por Carlos Narea. En 1985 el músico emprende una ambiciosa gira por las plazas de toros de España con un costoso escenario giratorio. La gira es cancelada debido a los altos costes de montaje y la retoma poco después sin el escenario giratorio. En 1986 publica el álbum El año del cometa, que cuenta con la producción de Tom Dowd. En los años sucesivos publica los discos Miguel Ríos (1989), Directo al corazón (1991), el recopilatorio Así que pasen 30 años (1992) y Como si fuera la primera vez (1996). Posteriormente, el artista realiza varias colaboraciones entre las que destacan la gira junto a Ana Belén, Joan Manuel Serrat y Víctor Manuel titulada El gusto es nuestro (1997) o el disco de duetos Miguel Ríos y las estrellas del rock latino (2001). Más tarde se reinventa adaptando su repertorio al swing en Big Band Ríos (1998) e interpretando las canciones de Kurt Weill en castellano junto a Ana Belén en Ana Belén y Miguel Ríos cantan a Kurt Weill (1999). En 2004 lanza el disco 60 mp3 producido por John Parsons y con la colaboración del poeta Luis García Montero. En 2010 anuncia la gira de despedida Bye Bye Ríos. Vuelve a los escenarios en 2016 y en 2017 repasa su repertorio junto a la Orquesta Ciudad de Granada, publicado el álbum Symphonic Ríos (2018). En 2021 graba Un largo tiempo, donde se incluyen temas nuevos. En 2022 el artista celebra el 40 aniversario del Rock & Ríos contando con la mayoría de los músicos originales más artistas invitados y se embarca en una gira a lo largo de la geografía española. En 2024, celebra su 80 cumpleaños en un multitudinario concierto en la plaza de toros de Granada.
Recomendaciones:
Dellafuente
Música folklórica atemporal
Escrito por:
Eva Pozo Herrera
Musicóloga y divulgadora
Graduada en Historia y Ciencias de la Música y con un máster en Patrimonio Musical, ambos por la UGR, completa su formación como violonchelista en el Conservatorio Superior de Música de Jaén.
Dellafuente es el nombre artístico de Pablo Enoc, uno de los artistas consolidados de Granada a nivel nacional gracias, entre otras cosas, al movimiento y fusión entre géneros como el flamenco, trap y pop urbano. Originario de Granada, su música no solo es un reflejo de su identidad personal, sino también un homenaje a su ciudad, rica en historia y tradición cultural.
Granada, con su impresionante legado histórico y su vibrante vida cultural, ha sido una fuente inagotable de inspiración para Dellafuente. Aunque sus inicios empezaron con una base sólida en el rap y, más tarde, en el trap; el flamenco juega un papel crucial en su obra. Sus trabajos musicales junto a productores como Moncho Chavea o el granadino Antonio Narváez dieron lugar a un estilo único en su música donde los elementos tradicionales juegan un papel importante en combinación con los ritmos más urbanos contemporáneos. Cabe destacar el peso del rap y el trap en su carrera y que han marcado su desarrollo artístico, reflejándose también en su estilo en la interpretación vocal. Su habilidad para contar historias y expresar emociones complejas a través de letras introspectivas y auténticas es uno de los sellos distintivos de su música. Temas que abarcan el amor, la lucha y la vida cotidiana con expresiones de la ciudad de Granada, así como la alusión al imaginario de la ciudad, crean una conexión profunda con sus oyentes y generando una sensación de comunidad y pertenencia muy fuertes. La esencia de los barrios granadinos, la calidez de su gente y la riqueza de su cultura se entrelazan en su obra. En entrevistas, ha mencionado la importancia de su entorno en su proceso creativo, y cómo las experiencias vividas en su ciudad han moldeado su perspectiva artística. En sus inicios, su música iba más allá de la diversión; buscando abrir un diálogo sobre la identidad y las experiencias compartidas, así como tintes de crítica social.
El artista es reconocido por haber mantenido su independencia artística, lo que le ha proporcionado la libertad de explorar su sonido sin restricciones, dando como resultado una producción auténtica que refleja su visión personal. Aunque se presenta como un artista ausente en redes sociales y cuyas colaboraciones son cuidadas y escasas, destaca su relación musical con artistas como Maka (también granadino) y Morad. Además, en ocasiones ha colaborado con artistas emergentes también ha ampliado su horizonte musical y que desde el público se ve como un gran gesto para aquellos artistas que están comenzando en el mundo de la música y se ven arropados por un artista asentado.
Recomendaciones:
Gata Cattana
La nueva escuela del rap feminista: l legado de Gata Cattana
Escrito por:
Sara Armada Díaz
Gestora cultural en Fundación Miguel Ríos y doctoranda en Historia y Ciencias de la Música en la Universidad de Granada
Musicóloga, DJ y gestora cultural. Sara Armada Díaz compagina su carrera como investigadora predoctoral en la Universidad de Granada con su labor como gestora y programadora cultural en la Fundación Miguel Ríos, su trabajo como comunicadora y locutora en el medio Ruidosa Granada, así como con sus proyectos artísticos, Ruidosa y Rey Amarillo, donde ejerce de compositora e intérprete.
En la segunda década del siglo XXI empieza a consolidarse lo que se denomina una "nueva escuela del rap español" que se distingue, entre otros factores, por la descentralización discursiva que trae consigo la expansión de internet y por la aparición de nuevas temáticas que hasta entonces no habían sido abordadas en el género. La combinación de estos elementos, unido al clima de malestar social generado a raíz de la aprobación de la Ley Orgánica de Protección de la Seguridad Ciudadana en 2015 —más conocida como "Ley Mordaza— y al desarrollo de la cuarta ola del feminismo, generó el entorno propicio para que, a mediados de la década, emergiera una escuela de rap feminista en España (Pinilla Alba, 2023).
Ana Isabel García Llorente (Córdoba, 1991-2017), conocida artísticamente como Gata Cattana y Ana Sforza, es considerada la pionera de esta escuela. Así, la formación universitaria de Gata fue clave en la configuración de su estilo musical ya que como politóloga, estaba profundamente comprometida con el feminismo y la lucha de clases. Cattana combinó su sensibilidad política con una capacidad extraordinaria para usar el lenguaje de forma directa a la vez que lírica, creando un estilo que mezclaba rap, poesía y referencias históricas y filosóficas.
La propuesta artística de Gata Cattana supuso una auténtica innovación en la escena rap, históricamente dominada por voces masculinas, al crear un espacio para el discurso feminista dentro del género. Así, por medio de un álbum —Banzai (2017)— y dos EPs —Los siete contra Tebas (2012) y Anclas (2015)—contribuyó a la creación de un nuevo tipo de rap que no sólo ponía en discurso ideas relacionadas con el feminismo como la cosificación o la violencia sexual, sino que criticaba las actitudes patriarcales dentro de la propia escena.
La aportación de Gata abrió un espacio donde las mujeres raperas podían articular discursos de resistencia y empoderamiento, rompiendo con las narrativas patriarcales y competitivas del género. En lugar de perpetuar la tradición del "egotrip" —donde el artista se ensalza a sí mismo despreciando a los demás—, Gata introdujo en sus letras un fuerte componente de sororidad, construyendo una narrativa de solidaridad entre mujeres(Pinilla Alba, 2023). La reivindicación de la sororidad dentro del rap de Cattana se hace evidente en el tema “Lisístrata” (2012), en el que la artista establece conexiones intertextuales con otras autoras, artistas y figuras históricas femeninas, manifestando alabanza y admiración hacia ellas. Frente a la invisibilidad histórica, Cattana cita a Rosa Luxemburgo, Keny Arkana o Safo, entre muchas otras y, al mismo tiempo, reimagina una historia en la que las protagonistas son ellas.
La innovación de Cattana también radica en cómo cuestionó los principios discursivos del rap: mientras el género tradicionalmente exalta la agresividad y la autoconfianza, Gata introdujo temas como la vulnerabilidad y la introspección, elementos poco comunes en un género conocido por su dureza. Esta capacidad para expandir el rango emocional del rap fue fundamental para atraer nuevas audiencias y sentar las bases de una propuesta feminista más inclusiva y diversa.
Tras su prematuro fallecimiento en 2017, la influencia de Gata Cattana no se desvaneció. Al contrario, su legado ha sido recogido y continuado por numerosas artistas que han seguido sus pasos. Carmen Xía, por ejemplo, es una de las raperas que se considera heredera directa de esta escuela feminista y, tomando el testigo de Gata, explora temas como los cuidados, la vulnerabilidad y la sororidad, poniendo de manifiesto que el rap también puede ser un espacio para la emoción y la colaboración entre mujeres. De forma similar, Las Ninyas del Corro son otro ejemplo claro de cómo el estilo inaugurado por Gata ha generado una nueva generación de artistas feministas que utilizan el rap como medio para canalizar sus experiencias y demandas.
Con Gata Cattana se inaugura una nueva etapa dentro del rap español, marcada no sólo por la mayor participación de mujeres en el género, sino por la posibilidad de habitarlo desde la vulnerabilidad y el compañerismo.
Recomendaciones:
Albany
Más que la reina del sadtrap
Escrito por:
Marina Arias Salvado
Doctoranda en Musicología en la Universidad Complutense de Madrid
Marina Arias Salvado es doctoranda en Musicología en la Universidad Complutense de Madrid, con una tesis que aborda los significados del reggaetón en España. Ha realizado una estancia de investigación en Boston University y cuenta con varios artículos y capítulos de libro publicados sobre reggaetón y música urbana.
Si bien Alba Casas (1997) a.k.a. Albany nació en Girona y vive en Madrid, creció en Guadix (Granada), rodeada del flamenco que ponía su madre mientras limpiaba. Su infancia estuvo marcada por una situación económica y familiar difícil, así como por el acoso escolar, lo que le llevó a sufrir problemas de salud mental. Estas vivencias y sentires son los que afloran en sus letras a lo largo de su carrera musical, una trayectoria que comenzó en YouTube en 2015 con el freestyle “TRAP NIGGAREÑOS GRX”, donde entre AutoTune y burlas reivindica su identidad granadina. De hecho, su relación con otros miembros de la escena de trap de Granada es estrecha, lo que le permitió debutar en la fiesta Infierno, organizada por Yung Beef.
El tono melancólico que definirá la cara más visible de su identidad artística ya asoma en “Joselito” (2017), para asentarse en su primera mixtape, Sad Volumes I (2017). Este trabajo de cuatro canciones es toda una declaración de intenciones sobre su proceso artístico: abrazar la tristeza como fuente creativa para construir obras desgarradoras y catárticas. Es más, en 2018, Albany se hace un lugar en la escena de música urbana nacional con “Nadie”, tema que un año más tarde fue incluido en la banda sonora del filme La hija de un ladrón de Belén Funes. En esta canción, la artista se abre en canal cosiendo retazos de algunos momentos traumáticos de su vida sobre una instrumental atmosférica de Drip-133.
Temas como la depresión, la dependencia emocional, la envidia o la traición son también recurrentes en Who Needs People (2019), donde el sonido del trap y su imaginario se hacen todavía más presentes. Este estilo se solidifica en Alcohol & Sullivans (2019), donde colabora con Goa, otro referente de la escena emo nacional, en el desgarrador “Para que no duela”. Así, durante la época dorada del trap, Albany se gana el sobrenombre de “La reina del sadtrap”. No obstante, su evolución musical y su experimentación con otros géneros pronto hacen que esta etiqueta se le quede corta.
Más allá del (sad)trap, desde finales de los 2010 Albany explora el neoperreo (subgénero del reggaetón de estilo alternativo) a través de colaboraciones con Yung Beef (“Articuno”), La Zowi (“Sugar Mami”) o la artista chilena Tomasa del Real (“Cyberluv”). Además, en 2021 publica su álbum debut bajo el título Se trata de mí, un trabajo donde recupera su estilo intimista, pero que amplía su paleta emocional hacia temas más luminosos, como la ilusión del amor plasmada en “Final Fantasy Love”. Esta apertura está también presente en la producción musical, con bases que recurren tímidamente a patrones clásicos del trap, el dancehall o el reggaetón para integrarlos en un universo sonoro etéreo lleno de sutilezas.
Pero los giros estilísticos de Albany no terminan aquí. Un año y varios singles más tarde, la artista sorprende con la publicación de XXX y su orientación hacia géneros como el digicore y el rage. Aquí, Albany se despide del universo delicado de Se trata de mí para rodearse de capas de sintetizadores maximalistas, glitches y efectos de distorsión, con referencias a la cultura del anime japonés en “Chobits” junto a Rojuu y Clutchill. También el mundo gamer adquiere relevancia en este trabajo, desde la portada al estilo de los juegos de PlayStation 1 hasta el corte “Videojuego”, en cuyo videoclip se presenta como una heroína kawaii (una pose que ya había adoptado en su single “Xena la guerrera” de 2021).
De todas formas, parece que la artista no tiene intención de abandonar por completo el trap (al menos, por ahora). Esto se intuye tras escuchar su último trabajo largo, LAGRIMAS DE UN G (2022), donde vuelve al freestyle con el que comenzó hace poco menos de una década en YouTube. Mientras Albany sigue lanzando singles que expanden la categoría de música urbana, nos preguntamos cuándo llegará su acercamiento al flamenco, una promesa recurrente que ojalá se cumpla.
Recomendaciones:
Ramper
Ramper: renovando post-rock desde Granada
Escrito por:
Elvira Simancas Fernández
Graduada en Interpretación Musical en especialidad de Clarinete (RCMSVE), Historia y Ciencias de la Música (UGR), Máster en Formación del Profesorado de Secundaria (UGR) y Máster en Patrimonio Musical (UNIA, UGR, UNIOVI)
Musicóloga, clarinetista y docente especializada en música contemporánea.
Tras el agotamiento del post-rock en la escena musical española hacia mediados de los 2000 un remanente del género permaneció gracias a un público minoritario pero persistente. Los granadinos Ramper entran dentro de la nueva oleada de renovación, con un planteamiento mucho más abierto con respecto a la etiqueta de “post-rock”, acogiendo influencias variadas sin querer limitarse dentro de su categoría y respondiendo a la demanda que venía observándose en la crítica durante las décadas anteriores de comprender el género desde la ampliación de sus propias fronteras, y no desde sus lugares comunes.
Ramper se funda en 2017 de la mano de Joserto (José Alberto) López Rosales (batería), Antonio Martín Ruiz (bajo), Ángel Oreste Rodríguez Romero (guitarra) y Álvaro Romero Sepúlveda (guitarra y voz). La banda explora una variedad de géneros que se sitúan, como se ha señalado, dentro del paraguas terminológico del post-rock, aunque con la puerta abierta al eclecticismo y a claras influencias de otras músicas como el doom metal, el shoegaze, el slowcore y el folk. El estilo de Ramper se caracteriza por una gran densidad textural y atención a la creación de atmósferas, complementada con distorsiones recurrentes, sintetizadores y arreglos de viento. Entre las influencias de Ramper se encuentran proyectos como Low, Red House Painters, Slint, Godspeed You! Black Emperor, Swans o Xiu Xiu.
Su primer lanzamiento es el EP autoproducido El Hoyo, grabado en directo en su primer concierto, que se llevó a cabo en el marco del festival El Hoyo en la Sala Cambayá de Antequera (Málaga) en diciembre de 2018. En el EP ya se encontraban la mayoría de los temas que posteriormente se plasmarán en su primer disco, Nuestros mejores deseos, estrenado en vísperas de la cuarentena de 2020, lo que retrasa la fecha de presentación en la sala Planta Baja. Finalmente, este concierto no puede llevarse a cabo por motivos relacionados con el Covid-19. El grupo ha referido en varias ocasiones que 2020 y 2021 suponen una época de estancamiento y frustración por la imposibilidad de tocar el disco en directo y las limitaciones para reunirse (en este momento su vocalista vivía fuera de Granada).
Este primer disco tuvo una acogida moderada, si bien llamó la atención de medios como la revista musical Hieprsónica, que situó Nuestros mejores deseos en el primer puesto en su lista de mejores discos de 2020, y lo reseñó como “un debut directo al estómago”. Las críticas del disco refieren la amplia gama dinámica, la exploración de timbres, las referencias a músicas alejadas de lo popular urbano, como la propia de Semana Santa (especialmente evidente en Amalola) y la expresividad frontal y sincera de una propuesta que, si bien mostraba la falta de madurez lógica de un álbum debut, pronosticaba un futuro como banda de referencia dentro del underground granadino.
Su trayectoria queda marcada por su incorporación al sello independiente Humo Internacional en primavera de 2024, lo que les permite editar en vinilo Nuestros mejores deseos, así como su segundo disco, Solo postres, que venía fraguándose desde 2021, con una actividad compositiva más constante desde 2022. En esta publicación, que ha tenido un alcance notablemente mayor al de Nuestros mejores deseos, la banda explora una sonoridad folk algo más introspectiva y demuestra una mayor solidez creativa. De la misma forma, se presentan con una madurada puesta en escena donde queda ya consolidada la presencia de la formación de vientos.
Su actividad en la escena granadina ha sido constante, con conciertos tan memorables como la presentación en Planta Baja de Solo postres en mayo de 2024 junto a Jai/Egun, artista también editado bajo el amparo de Humo Intencional. A pesar de encontrarse en un contexto donde el tipo de música que hacen no goza de una gran popularidad, Ramper ha conseguido asentarse como un componente activo e integrado en la vida musical alternativa de Granada. Su creciente seguimiento de culto en la ciudad les ha permitido mantenerse en contacto con una audiencia diversa y formar parte del circuito musical local. Por otro lado, se han movido cómodamente en plataformas de Internet como Bandcamp o Rate your Music, que les han permitido llegar a oyentes afines más allá del público patrio.
Recomendaciones:
Lori Meyers
Hacer del pop un oficio
Escrito por:
Antonio Gabriel Jiménez Hernández
Graduado en el Grado Superior de Guitarra Clásica por el Real Conservatorio Superior de Música Victoria Eugenia de Granada
Músico en Lori Meyers, Niños Mutantes, Nievla, Kora, Unidad y Armonía y Madame Popova, arreglista y músico de sesión.
Fundado en 1998 en Loja (Granada) por Antonio López (Noni), Alfredo Núñez, Julián Méndez y Luis Liceras. Debido a diferencias en cuanto al idioma de las letras del proyecto, Luis sale del grupo a principios del 2000 y entra Alejandro Méndez, permaneciendo hasta la actualidad. Sus primeras andaduras estarían marcadas por bandas como Dinosaur Jr., NOFX y el punk californiano. Entre versiones empezaron a introducir canciones propias, recogidas en Las Cinco Ventanas (2001, EP), con influencias independientes nacionales como Los Planetas y estadounidenses como Superchunk o Guided by Voices. Las temáticas se mantendrían a lo largo de la carrera, amor-desamor, juventud, efervescencia. Después de producir maquetas mediante grabaciones analógicas y Lo-fi, en 2004 publican su primer largo, Viaje de estudios (Houston Party), producido por Mac McCaughan (Superchunk), en el estudio de Los Planetas. Percibimos reminiscencias de grupos como Los Planetas, Teenage Fan Club, Death Cab For Cutie o Weezer. El proceso de composición era puramente participativo, con Noni como motor inicial creativo, pasando por la dinámica democrática de local de ensayo, con roles de instrumentista claramente delimitados. Su segundo trabajo, Hostal Pimodan (2005, Houston Party – 2006, Universal), vendría condicionado por cambio de discográfica, con la doble edición del mismo, la segunda bajo el amparo de La incubadora, filial de Universal. Toman líricamente como punto de partida textos que hacían referencia al club des Hachischins del hotel parisino Hôtel Pimodan, en el que coincidieron autores como Dumas o Baudelaire. Con la voluntad de romper con lo frenético y agitado del primer disco, este trabajo contiene canciones más reposadas, concebidas algunas desde instrumento de tecla, con mayor influencia de conjuntos españoles de los 60, Beach Boys o los primeros Midlake. Entra en la banda Sergio Martín y a inicios del 2007 Julián deja el proyecto. Con Cronolánea (2008), producido por Ken Coomer (Wilco), dispondría de mayor presupuesto, accederían a un público más masivo.
Con la aparición de plataformas de streaming como MySpace, el público español empieza a fijarse en propuestas nacionales frente a foráneas. La miscelánea de estilos y canciones eran más ambiciosas compositivamente, autoreferenciantes, remarcando la personalidad del grupo. Entran Antonio Lomas y Miguel Martín. Con la expansión de los programas informáticos de grabación y edición, incurren en la exploración de sonidos y elemento sintéticos. En 2010 viajan a Los Ángeles para grabar Cuando el destino nos alcance, producido por Sebastian Kryss. Se entrevén grandes influencias de Animal Collective, MGMT, Cassius, Rinôçérôse, Vangelis y del synth pop. Se introducen elementos percusivos sintéticos, triggers y secuencias, un mayor trabajo de producción digital. Las letras contienen estética cinematográfica y reflexiones filosóficas basadas en la actualidad, con tintes distópicos. Entra Miguel López y abandona Sergio. Impronta (2013) surge en una gran forma compositiva, inmerso en momentos de cambios personales, de adultez plena y más conservador en cuanto a propuesta sonora, con Sebastian Kryss y Ricky Falkner a la producción. Es el último trabajo diseñado gráficamente por Vanesa Zafra. En un momento de alta profesionalización del grupo, más conocedores de la industria, más dueños de su música y destino, consolidan su ascenso a cabeza de cartel de los festivales nacionales. De esta etapa extraemos el clásico contemporáneo "Emborracharme". Antonio Lomas abandona, entra JJ Machuca y a fines de 2015 Miguel Martín dejará el grupo, y entra Javier Doria. En la espiral (2017) llega en un momento de reposo del grupo, siendo el más autogestionado y quizá el más tedioso de producir. Se trata de una colección de canciones, sin una línea tan marcada. Las temáticas van desde las adicciones, la introspección, con letras menos directas, más cargadas de figuras retóricas. En el impasse de la pandemia Miguel López y Javier Doria dejan la banda, y entran Miguel de Lucas y Toni Jiménez. Espacios Infinitos (2021) es su primer elepé producido a distancia, junto a James Bagshaw (Temples), y el primero circunscrito al núcleo de la banda (Noni, Ale y Alfredo), colaborando con Anni B Sweet. El procesamiento, la arquitectura sónica y la ambición tímbrica inundan el largo, resultando actual a muchos niveles. Se abre entonces una etapa propia de los nuevos tiempos de colaboración con otros artistas. Actualmente son una de las bandas de directo más importantes del territorio nacional.
Recomendaciones:
Niños Mutantes
¿Cómo suenan los barrios obreros?
Escrito por:
Antonio Gabriel Jiménez Hernández
Grado Superior en Guitarra Clásica por el Real Conservatorio Superior de Música Victoria Eugenia de Granada
Músico en Lori Meyers, Niños Mutantes, Nievla, Kora, Unidad y Armonía y Madame Popova, arreglista y músico de sesión.
Fundado por Juan Alberto Martínez, Miguel Haro y Daniel (Nani) Castañeda, sus primeras maquetas se remontan a mediados de los noventa. Dos tercios de los miembros se encontraban en otro proyecto zaidinero, Mama Baker. Influenciados por bandas estadounidenses como Pixies, Pavement, Dinosaur Jr. o nacionales como Surfin’ Bichos, publican en 1998 su primer elepé Mano, Parque, Paseo (Astro Discos), colección extensa de primeras canciones, con títulos escuetos referenciando a lo naif y mínimo, que escondían letras con simbología desgarradora. Con la introducción de nuevos miembros (Manolo Requena, 1999-2005, y Rafael Torres, 2000-2003) entran en un período de experimentación sonora y letras más maduras e introspectivas de corte existencialista, influenciado por bandas como Radiohead, dEUS o Placebo. En un lapso de cinco años publican Otoño en agosto (2000), El sol de invierno (2002) y una colección de 4 EPs que conformaron la edición mexicana Canciones para el primer día en la Tierra (2005). En este momento, la banda vuelve a ser momentáneamente trío. Con la entrada del sevillano Andrés López a fines de 2006 (que entrará a formar parte indivisible del proyecto) y el cambio de sello y mánager (Josiño Carballo, Ernie Producciones), comienza la segunda y más exitosa etapa del grupo. El sonido de la banda se volverá más proclive al indie folk de Wilco o Band of Horses, con partes instrumentales más complejas técnicamente y letras con un estilo más directo, prevaleciendo el mensaje por encima de las imágenes poéticas de los primeros trabajos. Con la publicación de Todo es el Momento (2008) se inicia la etapa marcada por la figura de José Sanchez, técnico de directo y estudio, y la relación con el estudio de Órgiva (Alpujarra) de Producciones Peligrosas.
En Las noches de insomnio (2010) y Náufragos (2012) incurren en la autorreferencia, la autoproducción y sonidos más crudos. Líricamente se entrevén cambios personales y la vida familiar, en contraposición de relaciones juveniles reflejadas previamente, además de impregnar de temática social y consciencia política Náufragos, poco habitual en la escena del momento. De estos tres álbumes aparecen temas insignes como "No puedo más contigo", "Errante" o "Náufragos". El futuro (2014) es el cierre de la etapa alpujarreña, abriendo un período basado en la colaboración con productores, en este caso Fino Oyonarte y Ricky Falker. En ciertas letras podemos encontrar tintes esperanzadores (ej: "Todo va a cambiar"). Diez (2017), décimo largo de la banda, significa una especie de catarsis en un momento de tensión grupal, traducido en una producción más oscura y dirigida al kraut, llevada a cabo por Abraham Boba y César Verdú de León Benavente. La gira de este disco está marcada por la entrada de Alonso Díaz (2017-2019), de Napoleón Solo, haciendo una gran aportación artística en el EP continuista Diezymedio (2018). Esta etapa les llevó por territorios latinoamericanos. Ventanas (2020) es un disco anómalo en cuanto a concepción (exclusivamente en estudio, a diferencia del resto, trabajados bajo los decibelios del local de ensayo) y producción, un experimento de creación colectiva e interacción con cinco productores en cinco estudios diferentes. Será importante la entrada de Ángel Luján como ingeniero y productor tanto para directo como estudio. Elementos electrónicos, tratamiento de voces, cajas de ritmos, samples o síntesis entrarán a formar parte del sonido del grupo. A finales del 2019 entra Toni Jiménez (Nievla). La pandemia irrumpe en el estreno del álbum y cambia la dinámica de las giras, focalizándose en el circuito de salas, retratado esto en la película documental Nunca olvidaré esta noche (2021). Se abre un período artístico marcado por el desarrollo y la complejidad, tanto en directo como en el trabajo de estudio, en el que pivotan los cinco miembros del grupo, viéndose revitalizado por recién entrado componente, y por la aportación de Luján en la concepción sónica. Todo esto se canaliza en canciones que conforman el último trabajo de la banda, Cuchillos y Diamantes (2022). A fines de 2023 la banda comunica su disolución en 2024, cerrando una carrera de tres décadas, con la intención de hacer una gira de despedida que les llevaría por todo el territorio nacional, una decisión cargada de honestidad, amistad y consenso.
Recomendaciones:
Radio Palmer [autoetnográfico]
La inquietud como motor artístico
Escrito por:
Jaime Miralles Nevado
Músico en Radio Palmer y Amigas! y productor
Licenciado en Historia y Ciencias de la Música por la Universidad de Granada, miembro de los proyectos Radio Palmer y Amigas! y productor y técnico de sonido de estudio.
Radio Palmer es una banda que nace a finales de 2017 cuando Néstor Romero, durante su segundo año del grado de Literaturas Comparadas, decide formar un proyecto musical junto a Juanfran Hernández, a los que más tarde se unen Alberto Vega al bajo y Darío Muñoz a la batería. Durante la primera etapa del grupo y tras hacer caso a los primeros intereses artísticos compartidos, se vieron entre manos con una serie de canciones que se movían entre el surf rock, el garage y la psicodelia de bandas como The Parrots, The Strange Boys o Allah-Las. En marzo de 2019 graban un EP editado por Ciudad Oasis en un vinilo de 7” que presentan en Granada, Sevilla y Madrid, ganando cierta atención en la escena underground. El punto de inflexión para Radio Palmer ocurre un par de meses después, cuando obtienen el primer puesto en una reñida final del Concurso de Bandas Emergentes Granajoven ‘19, emblema de la música en la ciudad de Granada, con lo que acceden a la posibilidad de trabajar en un LP producido por Carlos Díaz (Los Planetas, Soleá Morente, Eskorzo…).
Durante el verano de 2019, la banda sufre la salida de Juanfran y Alberto, quienes dejan la ciudad por cuestiones profesionales, a los que sustituirán Migue López y Javier Arregui, amigos y compañeros con los que habían coincidido en otros proyectos. En medio de esta época de cambios aparece también Jaime Miralles, quien es contactado por Néstor de cara a ocuparse de la composición e interpretación de los teclados del disco. Ya desde el principio, Jaime comienza a tomar gran parte del peso creativo de la banda y sirve de apoyo a Néstor con la intención de terminar el proceso de composición del álbum. Las grabaciones del disco comienzan en agosto de 2019, sin embargo, la banda no siente que el disco esté terminado al completo y decide esperar y seguir trabajando en él hasta marzo de 2020, fecha en la que deciden retomar las grabaciones. Durante todo este tiempo, centran su esfuerzo en conseguir una producción homogénea a pesar de la disparidad de sus intereses, que parten de una sensibilidad pop de inspiración sesentera, pero que no dejan de moverse entre distintos géneros como la música urbana, el surf rock o el bedroom pop. Las grabaciones comienzan de nuevo el 11 de marzo de 2020, con intención de grabar la mitad del disco esa semana y la otra mitad la siguiente semana. Sin embargo, el confinamiento del 14 de marzo bloquea la situación y no es hasta julio del mismo año cuando pueden retomar el trabajo en el estudio.
Al terminar de grabar el álbum, la condición de parón e inactividad en el mundo de la cultura provoca que tengan que esperar hasta noviembre de 2021 para poder lanzar y presentar “Juventud Sónica”, título de carácter generacional con el que quieren homenajear a una de sus bandas favoritas. Durante el año 2022, después de unas escasas presentaciones de ese primer álbum, la falta de motivación e ilusión provocada por el parón de actividad tras la cuarentena les lleva a componer nuevas canciones inspirándose en distintas referencias con la mirada puesta en la búsqueda de sonidos más complejos y oscuros y, tras el lanzamiento de varios singles, toman la decisión de componer un álbum completo en el que verter todas esas nuevas inspiraciones artísticas. La composición del disco corre a cargo de Néstor y Jaime en un método creativo bidireccional donde el diseño sonoro cae en manos de Jaime y el concepto temático y lírico en las de Néstor. Con referencias tan dispares como New Order, La Plata, PinkPantheress o yeule, la banda incorpora elementos propios de géneros como el breakcore, el glitch pop o el dance punk de cara a complementar desde la producción las composiciones inspiradas en los mecanismos propios del post-punk. Antes del lanzamiento del primer single del álbum, “Alambre de espino”, la banda envía unas demos a Carlos Galán de Subterfuge Records, en un último intento desesperado tras meses buscando un sello que se encargue de editar el disco, y reciben una respuesta inesperada proponiéndoles fichar por el sello. El álbum, publicado el 15 de marzo de 2024, es titulado como “La cara más triste” y atrae de nuevo la atención de la escena local y nacional a Radio Palmer, que lleva su directo, cargado de energía y contundencia, a una gira de presentación por distintas ciudades como Madrid, Granada, Málaga, Antequera o Lorca, tanto en salas como en ciclos y festivales. A lo largo de ese mismo año se produce la salida de su batería, Darío Muñoz, quien se encuentra enfocado en diversos proyectos paralelos, como Sky Bacon o sprgrs (ambos junto a Juanfran y Alberto, antiguos miembros de Radio Palmer), y se da la entrada de Pablo Romero. En la actualidad se encuentran ya en medio de la composición de nuevas canciones mientras siguen añadiendo nuevas fechas a la presentación de “La cara más triste”.
Recomendaciones:
Jaime Beltrán
Puente entre el arte y la técnica
Escrito por:
Jaime Miralles Nevado
Músico en Radio Palmer y Amigas! y productor
Licenciado en Historia y Ciencias de la Música por la Universidad de Granada, miembro de los proyectos Radio Palmer y Amigas! y productor y técnico de sonido de estudio.
Jaime Beltrán es un músico y productor granadino. Tras estudiar el grado de Técnico de Sonido, forma Pájaro Jack junto a su compañero y amigo Fran Ocete, conocido actualmente como Cristalino, quien posteriormente deja la banda en busca de horizontes artísticos alternativos. Tras grabar un par de maquetas, su estilo inspirado en el folk clásico que también sirvió de referencia para proyectos coetáneos como Fleet Foxes o Bon Iver, consigue ponerles en el punto de mira de medios y público. A lo largo de los siguientes cinco años, la banda lanza un segundo trabajo dividido en dos EPs, “Vuelve el bien”, y los singles de un tercer álbum que nunca llegó a publicarse, debido a la disolución del proyecto en 2018. Antes de eso, en 2014, Jaime Beltrán comienza a trabajar como técnico de directo para Los Planetas, y en 2016 se une a Sr. Chinarro para grabar las guitarras de su álbum “El progreso”. Toda esta carga de trabajo, unida al incipiente interés de Jaime por la música electrónica alejada del pop, son parte principal de la decisión que lleva a Jaime a dar por terminada la carrera de Pájaro Jack, sentencia con la que están de acuerdo el resto de miembros de la banda. En 2018 vuelve al estudio con Sr. Chinarro para grabar “Asunción”, último disco en el que trabajan juntos antes de que Jaime deje el proyecto para centrarse en su nueva etapa profesional: dirigir La Resinera, un estudio de grabación ubicado cerca de Fornes, en el Pantano de los Bermejales. Durante los próximos años hasta 2020, Jaime se dedica primordialmente a trabajar con proyectos mayoritariamente locales como La Plazuela, Ramper, Niños Luchando o Papaya Club. A la vez que La Resinera, Jaime mantiene activa su faceta artística componiendo piezas electrónicas relacionadas con el ambient y el minimal techno como “Koa”, un primer single de su proyecto solitario lanzado en 2019 y en el que podemos vislumbrar aspectos clásicos en su personalidad artística como las guitarras acústicas, a las que acompañan nuevos elementos inspirados en la música electrónica como las cajas de ritmos o los sintetizadores. Tras “Koa”, Jaime autoedita dos nuevos EPs, “Atlas” y “II” en los que el universo sonoro pasa a ser completamente electrónico y su estilo se asienta dentro del ambient techno. A la vez que desarrolla esta faceta electrónica que acabará siendo su sello de identidad, en 2019 funda Prado Negro en compañía de Soleá Morente, un proyecto breve en el que el estilo eminentemente flamenco de la cantaora se funde en un sonido cercano al dream pop y al folk y en el que son protagonistas textos de Luis Cernuda, Luis García Montero o María Zambrano, entre otros.
Tras el parón de actividad debido a la cuarentena de 2020, Jaime es parte de la fundación de Rótula, un colectivo dedicado a la muestra de artistas enfocados en la experimentación sonora. Este proyecto, aunque breve, es un elemento importante de la eclosión de proyectos de música electrónica que vive la ciudad entre 2018 y 2022, y en sus eventos llegan a participar artistas como Chico Blanco, 8kitoo, Gazzi, Suso Saiz, Ylia o Natural Language. En cierto sentido, Jaime comienza a convertirse en una especie de agitador cultural de la escena, no solo por su interés en la creación de un proyecto vivo en el que encapsular el movimiento artístico de la ciudad, sino porque, además, muchas de las bandas y artistas locales empiezan a requerir de su labor a la hora de producir, grabar, mezclar y/o masterizar sus trabajos. En los años que transcurren hasta hoy, Jaime agranda su currículum como productor y técnico y deja un poco apartada su faceta como músico, relegada a eventos puntuales en los que muestra su trabajo compositivo a través de Live Sets, como en el Alumbra Fest junto al artista francés Kanding Ray o en el espectáculo “Akira” en el que interpreta composiciones suyas inspiradas en la película japonesa en el marco del Festival de Jóvenes Realizadores de Granada. Recientemente, Jaime ha sido el responsable de la producción musical de la película inspirada en Los Planetas “Segundo premio” y sigue siendo técnico de estudio y de directo de la banda. Además, también es técnico de estudio y de directo habitual de Cupido. A su vez, está vinculado al proyecto de Cristalino y es el productor de todas sus canciones hasta la fecha. Por otro lado, últimamente se ha visto involucrado en la producción, grabación, mezcla y/o mastering de artistas como Jota, Kinder Malo, La Trinidad, Califato ¾, Nievla o Radio Palmer, entre muchos otros.
Recomendaciones:
Lagartija Nick
Rebeldía hasta la muerte
Escrito por:
Jaime Miralles Nevado
Músico en Radio Palmer y Amigas! y productor
Licenciado en Historia y Ciencias de la Música por la Universidad de Granada, miembro de los proyectos Radio Palmer y Amigas! y productor y técnico de sonido de estudio.
Lagartija Nick es una de las bandas de rock más importantes de todas aquellas que ha visto nacer la ciudad de Granada. A principios de los años 80, un caserón conocido como Las Cuevas fue el lugar de reunión y ensayo de una hornada de bandas que sirvieron de rito iniciático para algunos de los, posteriormente, músicos más importantes de la historia de la ciudad. Algunas de estas bandas fueron 091, KGB, T.N.T., Magic o La Guardia del Cardenal Richelieu y entre sus maestros se encontraban figuras como Johnny Rotten o Joe Strummer, quien llegó, de hecho, a convertirse posteriormente en asiduo visitante de la ciudad. Entre los músicos que formaban las filas de las bandas mencionadas se encontraban unos jóvenes Antonio Arias (bajista de 091) y Eric Jiménez (batería de KGB), quienes decidieron unirse para comenzar un nuevo proyecto en el que desarrollar todo lo aprendido en sus respectivas bandas, Lagartija Nick, nombre que toman prestado de la canción de mismo título de Bauhaus. En 1991, completando la formación con Juan Codorniú y Miguel Ángel Rodríguez Pareja a las guitarras, graban “Hipnosis”, un álbum en el que es más que palpable el sello que en ellos dejan bandas como Love & Rockets (formada por exmiembros de Bauhaus), Sonic Youth o The Stooges. Este álbum sienta las bases de un estilo rocanrolero, espídico, punk, callejero, industrial y psicodélico que será el punto de partida para una banda que nunca dejará de explorar las distintas vías que en algún momento se mostrarán ante ella.
Tras el éxito de su álbum debut, en 1992, publican “Inercia”. Con una producción y mezcla mucho más refinada, obra de Owen Davies, los granadinos depuran sus métodos compositivos y crean una serie de canciones que, a pesar de que mantienen la dureza sónica y el carácter ruidista de su primer disco, se anclan a la perfección en las estructuras y elementos armónicos y melódicos propios del pop, lo que consigue establecer su estatus como una de las propuestas de rock más interesantes tanto para la crítica como para el público de la época. Además, a través de sus elaborados textos críticos, provocativos y distópicos y sus referencias a la generación beat, Antonia Arias se posiciona como uno de los compositores y autores más respetados de su generación. “Su” es el álbum que cierra la trilogía inicial de la banda que, si bien está unida por una coherencia estilística y sonora, lo que nos permite considerarla trilogía es más bien su abismal diferencia con el álbum posterior, “Omega”. Este álbum es resultado de una conjunción extrema de elementos, un hijo (en su día considerado bastardo) a medio camino entre el post-rock, el metal alternativo y el flamenco y en el que Lagartija Nick se alían con Enrique Morente para interpretar composiciones y textos de Leonard Cohen y Federico García Lorca. Estos elementos bien podrían haber dado lugar a una macedonia cuestionable, sin embargo, lo que ha llegado a nuestros días es una obra experimental y adelantada a su tiempo que ha impregnado por completo toda la música granadina desde entonces hasta ahora.
En “Omega”, Lagartija Nick habían ya coqueteado con el metal alternativo, lo que les lleva en su siguiente etapa a explorar los límites que unen el rock industrial y sus texturas electrónicas propias de artistas como Esplendor Geométrico o Nine Inch Nails con el metal alternativo cercano al thrash de bandas como Slayer o Testament. “Val del Omar”, “Lagartija Nick” y “Ulterior” son los tres álbumes a los que podríamos incluir en una especie de segunda trilogía de la banda, debido a sus referencias comunes. Los siguientes álbumes de la banda dejan atrás las investigaciones sobre el metal y minimizan su densidad de cara a explorar elementos del pop y el rock más clásicos con la intención de reinterpretarlos en clave contemporánea y sin dejar de lado sus textos poéticos y la oscuridad de sus composiciones desde el punto de vista armónico y melódico. A esta etapa pertenecen “Lo imprevisto”, “El shock de Leia”, “Larga duración” y “Zona de conflicto”.
La muerte de Jesús Arias, hermano de Antonio, provoca un nuevo camino para la banda, que se rearma de elementos sombríos y de una energía eminentemente punk para lanzar su trabajo más marcadamente político hasta la fecha, “Crimen, sabotaje y creación”, publicado en 2017 y cargado de reivindicaciones directas sobre el estatus de la sociedad a través de los ojos de un compositor siempre consciente de su contexto y nunca contento con él como es Antonio Arias. Podríamos decir que este trabajo es una especie de prólogo, a pesar de sus claras diferencias, sobre todo estilísitcas, del siguiente proyecto de la banda, que aparece en 2019, “Los ciejos cabizbajos”, y al que consideran en el momento su más complejo reto desde “Val del Omar”. Este álbum es la interpretación de Lagartija Nick de una idea original de Jesús Arias, un “poema sinfónico” (en palabras de sus autores), que versa sobre la guerra y sus devastadoras consecuencias. Tras este, “El Perro Andaluz” lleva de nuevo a una banda siempre inquieta a los terrenos del pop y la psicodelia para homenajear a otro más de sus grandes maestros, Luis Buñuel. Este álbum, lanzado en 2022, es el último que Lagartija Nick ha publicado hasta la fecha, sin embargo, dada la condición de incontinencia artística de sus miembros, es más que seguro que no será el último de su carrera.
Recomendaciones:
Los B.E.S.O.S. [autoetnográfico]
La socarronería musical del "pop chicle" de los B.E.S.O.S.
Escrito por:
Irene Tejero Fernández
Música en los B.E.S.O.S.
Graduada en Comunicación Audiovisual en la UGR. Predoctoranda en Comunicación en la Universidad de Granada. Artista musical y visual (medios fotográfico y videográfico).
Esta banda granadina formada por los personajes ficticios de Baco Sparkles (Pablo García Carrión), Nica Palace (Irene Tejero Fernández), Plumberto (Alberto Vega Lozano) y Robosebas (Sebastián Reyes-Turner) nació en 2020 como un grupo de amigos que se conocieron en la carrera de Comunicación Audiovisual en la UGR y que se reunían para tocar en el sótano de uno de ellos.
En su música se puede adivinar una fusión de la influencia de bandas que contribuyeron al resurgimiento del tontipop a finales de la década de 2010 como Cariño o los autóctonos Colectivo Da Silva y Las Dianas, y también de otros artistas más progresivos internacionales o locales como Mac DeMarco, Conan Mockasin, Mild High Club y Papaya Club. Asimismo, esta banda no teme a apostar por influencias más variadas como el funk (Vulfpeck) o el punk (The Runaways, FIDLAR) u otras muchas más.
Desde las primeras canciones compuestas y publicadas por los B.E.S.O.S. en su single “LSA” y su EP “En el cuello” se escucha un sonido fresco y animado, resultante de la mezcla de todas sus influencias y pasiones musicales, usando como vehículo un concepto de género que ellos mismos definen como "pop chicle": se trata de una música que parte de los fundamentos del pop, pero que es capaz de estirarse infinitamente para modelarse a y nutrirse de otros muchos recursos rítmicos, líricos o melódicos propios de géneros más allá del pop como los mencionados anteriormente.
Influidos por su carrera Comunicación Audiovisual, utilizaron como excusa un trabajo de clase para dotar al proyecto musical de una narrativa transmedia elaborada que justificara su identidad como grupo. Así nació la idea de definirse como una “empresa” de “Servicios y Mantenimientos Sentimentales” cuyo trabajo es ayudar a la gente a canalizar sus sentimientos a través de sus canciones. La expresión estética de esa narrativa se caracterizó por un estilo naïf con influencias del pop y el estilo flower power pictórico y audiovisual, y fue culminada por la elección de su vestimenta: unos monos de trabajo azules personalizados en función de la personalidad que cada miembro del grupo aporta a las canciones que componen.
Baco Sparkles es la “chispa”, el toque de frescura funk que recubre el corazón de los temas, como “LSA”, por ello, dentro de la “empresa” de “Servicios y Mantenimientos Sentimentales” es, metafóricamente, un electricista guasón. Nica Palace es más bruta, aporta los tintes más agresivos de punk que se encuentran en algunas de sus canciones como “Hornimans”, y por ello simboliza el trabajo de una albañil dura como una piedra. Plumberto es un sensiblero y un incomprendido, y se encuentra entre la melancolía y el llanto descontrolado en sus canciones, como “La hora del adiós”, como si de una tubería suelta se tratara, así que cumple el oficio de un fontanero introvertido. Por su parte, Robosebas es el alma rítmica de la banda: preciso y perfeccionista con sus arreglos, aporta un groove multigénero al repertorio de la banda, componiendo el mecanismo percusivo de su música. El conjunto de los 4 resulta en una suerte de “bebida energética musical” que hace al público saltar de éxtasis en sus directos.
Ahora mismo se encuentran en una situación compleja, estando la mitad de ellos trabajando en Madrid. Ello ha provocado que en ocasiones el grupo haya colaborado con otros músicos para participar como bajistas en distintos conciertos, rodeándose de profesionales como las bautizadas Flamelita (Candela García, de Izeta y Blanca Adelfa), Ruidita (Sara Armada, de Ruidosa Granada y Blanca Adelfa) y Arregli (Javier Arregui, de Radio Palmer).
Su proyecto de futuro inmediato es grabar un LP que sintetice de forma más patente aún esa presencia de su “pop chicle” y del frescor que tanto les caracteriza.
Recomendaciones:
Plasaporros
Experimentación, colaboración y cultura de internet en la escena electrónica granadina
Escrito por:
Ana Martín - Gaitero Serna
Musicóloga y titulada en Patrimonio Musical por la Universidad de Granada.
Equipo artístico en festivales y otros proyectos culturales.
En el año 2019 emerge con fuerza en la escena musical granadina el colectivo Plasaporros, integrado por los artistas y productores musicales VAN17INO6, Robzzz, Killmiya, Cristina Aspirina y Crash Bandiculo. Si bien Plasaporros ha tenido una trayectoria breve, de no más de cuatro años, encontrándose en la actualidad inactivo, debemos considerar la fuerza y relevancia que ha tenido el proyecto en la escena local en estos años, extendiéndose su influencia y presencia hasta la actualidad a través del trabajo tanto individual como colectivo que los integrantes del grupo han continuado llevando a cabo desde su oficial disolución.
Aunque la gran etiqueta que puede usarse para definir en conjunto la música de Plasaporros es la de música electrónica, debemos señalar que son muy diversos los géneros y subgéneros musicales que encontramos al escuchar y analizar de manera individualizada cada una de las canciones que aparecen publicadas bajo la autoría de Plasaporros. Destacan subgéneros de la música electrónica como son el breakbeat, el drum and bass, o el trance, pero también aparecen otros géneros como el reggaetón. El pop o el eurodance se manifiestan también cuando Plasaporros se acerca a la música europea y española de los años 2000, de la que bebe y coge prestado todo el material necesario para producir los remixes y versiones que han tenido más presencia en las salas en estos años, como es el caso de Traigo amor.
Dónde está er camino, remix de la canción Porqué de Radio Macandé, o Se Ke TenDrasS Ke LloRar, remix de la canción Volar de Los Rebujitos, sirven además para ejemplificar cómo Plasaporros mira, además de a la década de los 2000, a los géneros urbanos de fusión que en Andalucía se estaban desarrollando en aquel momento. La cultura de internet también se hace patente en Plasaporros a través de gran diversidad de referencias, tanto sonoras como visuales, que evocan un imaginario común propio de la generación a la que sus integrantes pertenecen.
La música que Plasaporros lleva publicando desde mediados de 2019 a través de plataformas digitales como YouTube y Spotify, fruto del trabajo realizado en el estudio por los cinco integrantes de manera orgánica, fluida y no excesivamente metódica, según han explicado en diversas entrevistas, llega a las salas a finales de 2021. Es entre 2021 y 2022 cuando pudimos disfrutar de Plasaporros en las salas de Barcelona, Zaragoza, Madrid, Donosti, Bilbao, Sevilla y por supuesto, Granada. En esta ciudad, Plasaporros liga su actividad a las salas Industrial Copera, donde se presenta en octubre de 2021 el álbum de VAN17INO6 Er patio de los neones, y la sala Plantabaja, donde actúan en enero de 2022 en el evento Amenasa en la plasa y finalmente en diciembre de ese mismo año en un show anunciado como “último concierto (de manera indefinida)”.
Tras este último concierto, los distintos integrantes de Plasaporros han continuado publicando sus propios proyectos y colaborando entre sí en numerosas ocasiones. De igual manera, la actividad de estos artistas ha continuado ligada a las salas, especialmente en la ciudad de Granada, participando de manera habitual en eventos y fiestas como Playdoo, promovida por Robzzz junto a Rata de Internet, o Caballito Club de Baile, de Bigote Sucio, donde hemos tenido oportunidad de escuchar a Kilmiya.
De esta manera, Plasaporros y los artistas que conforman dicho colectivo, a través de su trabajo, enriquecen, salvaguardan y fomentan una cultura de club ligada a la música electrónica que se manifiesta en Andalucía desde la década de 1990, también en Granada, ciudad a la que en no tantas ocasiones se ha mirado y valorado en retrospectiva. De igual manera, forman parte de una generación de artistas que está tomando el relevo para renovar, construir u ocupar una escena musical que quiere caracterizarse por su esencia colaborativa, inclusiva y diversa.
Recomendaciones:
VAN17INO6
De internet a las salas. Investigación, creación y experimentación en torno a la música electrónica.
Escrito por:
Ana Martín - Gaitero Serna
Musicóloga y titulada en Patrimonio Musical por la Universidad de Granada.
Equipo artístico en festivales y otros proyectos culturales.
A inicios de la década de 2010, hace su incursión en el mundo de la música electrónica el artista VAN17INO6 (Vanilino Seis), tras varios años formándose en el ámbito del beatmaking y el sampleo.
Si hay un lugar en el podemos ubicar la actividad de VAN17INO6 es internet, y más concretamente, la plataforma digital y red social SoundCloud. A mediados de la década de 2010, esta plataforma, heredera del espíritu de MySpace, vive un momento de gran efervescencia, en el que numerosos artistas a nivel mundial comienzan a hacer uso de la misma para descubrir nueva música, experimentar, compartir los resultados con otros artistas, e interactuar entre sí, llegando a generarse distintas comunidades digitales que con el tiempo darían pie a la interacción y colaboración musical también en otros espacios.
Esta etapa se vive también en el contexto español, dentro del cuál podemos destacar diversos artistas y productores musicales como son Kefta Boys, Absolvte terror, Space Surimi o Bsn Posse entre otros, que han esbozado las bases de fenómenos como el trap, los soundcloud rappers, o en general la música urbana, y el devenir de estos en el contexto musical español durante los años posteriores.
Aunque podamos englobar la producción musical de VAN17INO6 bajo el gran paraguas de música electrónica, debemos destacar, sin duda, el carácter heterogéneo de la misma. Teniendo en cuenta las etiquetas escogidas por el propio VAN17INO6 al publicar sus canciones, podemos señalar la aparición de subgéneros como garage, el techno o el glitch, aunque si alguno sobresale por estar especialmente presente en sus primeras producciones es el chiptune, un género musica basado en la interpretación musical con secuenciadores vintage que adquirió gran popularidad al ser utilizado en las primeras generaciones de videojuegos.
Este carácter diverso y la versatilidad del artista la observamos también en sus proyectos discográficos. En 2015, participa en un volumen conjunto titulado Silla de Mimbre, donde podemos apreciar brevemente su faceta vocal. El EP S4nt4 4ureli4, ve la luz en el año 2016, siendo un proyecto que genera una atmósfera más ambiental. En tónica con este interés por el chiptune y esta mirada nostálgica hacia las sonoridades propias de los videojuegos, cabe destacar su incursión en esta industria a través de la composición de la banda sonora del videojuego Shadow of the Mask, lanzado en 2017.
En 2019, forma parte del EP Gotham de BSN Posse, un proyecto clave en la escena footwork y bass, desde cuya publicación podemos rastrear la relación existente entre VAN17INO6 y Breaking Bass Records, sello bajo el cual vería la luz Er Patio de los Neones, proyecto que representa una culminación de años de experimentación y búsqueda artística, y un punto de inflexión en la trayectoria musical de VAN17INO6. Colaboran en este proyecto doce artistas, andaluces en su mayoría, conocidos en la escena musical electrónica granadina como son Suai Suave, Bárbara, 8kitoo o Chico Blanco, y destaca especialmente la participación de los integrantes de Plasaporros, grupo conformado por Robzzz, Crash Bandiculo, Cristina Aspirina, Killmiya y el propio VAN17INO6, que en este momento vivía su momento de auge. Cada uno de estos artistas, a través de la interpretación vocal, adhieren al proyecto su propia esencia musical, que en conjunción con el carácter ecléctico que define la producción musical de VAN17INO6, convierten este trabajo en un crisol de sonoridades, en el que la cultura musical andaluza actual, y más concretamente granadina, se hace protagonista.
Actualmente, VAN17INO6 sigue en activo, publicando nuevos trabajos en los que colabora con artistas como la ya mencionada Suai Suave y otros grupos emergentes de la escena local como Radio Palmer. También aborda la música electrónica desde nuevas disciplinas, como es el caso de la docencia: en el estudio de grabación y producción musical granadino La Puerta, ha llevado a cabo talleres con los que logra acercar el mundo de la síntesis modular, una de las primeras formas de exploración musical con instrumentos electrónicos, a los participantes del mismo.
Recomendaciones:
Palmar de Troya [autoetnográfico]
Granada DC Noise Punk
Escrito por:
Antonio Pérez Bohórquez
Guitarrista de Palmar de Troya
Maestro de música / Socio de Loop Bar Records / Guitarrista
Palmar de Troya se funda en Granada en 2019 con miembros de otras bandas andaluzas como los extintos Maine, Gentemayor, Apartamentos Acapulco o Alondra Galopa.
La banda practica un post hardcore / noise rock cercano al de finales de los 90 o principios del 2000 con influencias de grupos como Fugazi, Sonic Youth, Hot Snakes, Girls against Boys... en 2020 sacan su primer ep de la mano de Linier Discos pero la pandemia frustra tanto la edición física como su presentación en conciertos.
Aun así, este trabajo obtiene muy buenas críticas y difusión en medios nacionales e internacionales.
En 2024, la banda publica su segundo ep "II" de la mano del mítico sello estadounidense con base en Austin, Reptilian Records, responsable desde los 80 de ediciones de disco de Unsane, Mastodon, God Bullies, Cows o Chat Pile por citar solo algunos.
Recomendaciones:
Boiler Room Granada
Evento culmen de la escena electrónica granadina
Escrito por:
Arturo González García
Graduado en Musicología en la Universidad de Granada. Productor musical (laespadayelclavel). Promotor/sello (El Alminar).
Arturo González García es un Musicológo graduado por la Universidad de Granada y artista multidisciplinar. Tanto a través de su trabajo como productor en el proyecto "laespadayelclavel", entre otros, así como su trabajo dentro del sello “El Alminar”, muestra su interés, participación y actividad dentro de la escena musical granadina.
Boiler Room es una plataforma globalmente reconocida por organizar, grabar y transmitir eventos en vivo, que generalmente destacan por el uso de espacios íntimos, donde el público rodea al artista, permitiendo una interacción cercana y auténtica, rompiendo las barreras convencionales entre el artista y su audiencia. Ha desempeñado un papel crucial en la difusión de la música electrónica contemporánea. Entre el 18 y el 23 de octubre de 2022, Boiler Room organizó una serie de eventos en Industrial Copera, una sala clave en la vida nocturna de Granada, consolidando a esta ciudad como un nuevo epicentro de la música urbana y electrónica en España. Este espacio, con una larga trayectoria como referente en la escena electrónica andaluza, se convirtió en el punto de encuentro de artistas, promotores y seguidores de la música más vanguardista. Las actividades se desarrollaron en distintos formatos, desde charlas y clases de baile hasta conciertos y fiestas, capturando la diversidad y evolución del panorama artístico actual. El 18 de octubre comenzó con una conversación con La Zowi, una de las artistas pioneras del trap en España. Este género, que surgió en los Estados Unidos a principios de los 2000 y se caracteriza por sus ritmos lentos, líricas crudas y una fuerte influencia del hip-hop, ha encontrado en La Zowi una de sus mayores exponentes en el contexto hispano. La conversación fue moderada por El Bloque, un colectivo cultural que ha sido fundamental en la visibilización de las culturas urbanas y juveniles en España, contribuyendo a la expansión de géneros como el trap, reggaetón y otros estilos emergentes. El mismo día, se celebró la tertulia "Flamenco Futurista: The Evolution of Spanish Folkloric Sounds", donde artistas como Haze, conocido por su fusión de rap y flamenco, y Lucía Fernanda, heredera de una tradición flamenca que se entrelaza con sonidos contemporáneos, discutieron la transformación de los sonidos folclóricos españoles en el contexto actual. Esta tertulia reflejó el creciente interés por fusionar tradiciones musicales ancestrales con las tendencias más vanguardistas, posicionando al flamenco como una forma artística en constante evolución.
El 19 de octubre, se impartió una masterclass de baile, dirigida por Panda Waack, una bailarina que ha encontrado un nexo entre el waacking, un estilo de baile nacido en la escena disco de los años 70 en Los Ángeles, y el flamenco. La clase subrayó la importancia de la danza como un medio para conectar culturas y épocas diversas, mostrando cómo el cuerpo puede ser un canal para expresar identidades híbridas. El 20 de octubre tuvieron lugar actuaciones de artistas emergentes como Taichu, una de las figuras ascendentes de la escena trap argentina, y Bea Pelea, representante del reggaetón y la música urbana en España. Junto a El Mini y Mark Luva, estos artistas contribuyeron a reafirmar el papel de Granada en la consolidación de la escena musical urbana. En colaboración con La Zowi, este evento destacó la influencia mutua entre América Latina y España en la creación de una identidad sonora que trasciende fronteras, cimentando la relevancia de Granada como un espacio de intercambio cultural y musical. El clímax del evento llegó el sábado 22 de octubre, con una fiesta que reunió a algunos de los nombres más destacados de la música electrónica andaluza, junto con artistas internacionales. La presencia de DJ Godfather, un pionero del ghettotech de Detroit, aportó una dimensión global al evento, mientras que artistas locales como 8kitoo y Chico Blanco, fundadores del colectivo MAREO, reafirmaron la vibrante escena local. MAREO se ha convertido en un pilar de la vida nocturna granadina, promoviendo eventos que fusionan la tradición andaluza con la cultura rave. En esta línea, la participación de talentos emergentes como Natural Language y Dalila destacó la capacidad de Granada para nutrir a la próxima generación de artistas electrónicos. En resumen, Boiler Room Granada destacó el papel de la ciudad en la música urbana y electrónica, mostrando su capacidad para fusionar tradiciones locales, como el flamenco, con influencias globales. Granada emerge así como un centro clave para la innovación musical en España, donde se entrelazan modernidad y tradición, consolidando su relevancia en el panorama cultural contemporáneo.
Recomendaciones:
Glorieta Arabial: batallas de freestyle
Tribuna de rimas improvisadas y realidades urbanas
Escrito por:
Lidia Calvo Martínez
Graduada en Historia y Ciencias de la Música por la Universidad de Granada.
Musicóloga alicantina residente en Granada, actualmente compagina estudios en el Máster en Educación Secundaria (UGR) con el Proyecto Tándem “Descripción y difusión del fondo epistolar del Archivo Manuel de Falla”.
“Altavoces inalámbricos con bases sacadas de Youtube, gestos amplios y agresivos, la mediación de un host local, el humo del tabaco y vitoreos reaccionando a los punchlines”.
La plaza conocida como Glorieta Arabial, también llamado Parque de Tablas es el espacio destinado a las batallas de freestyle rap en Granada. Este espacio ha ganado notoriedad en los últimos años, donde freestylers locales como Hunter 3XK, Pablo Kinder, Eskape, Seiya, Kruhl y Tader se reúnen para batallas organizadas o cyphers espontáneas. A pesar de que no alcanza la fama de lugares emblemáticos como el MACBA de Barcelona, el Parque Enrique Tierno Galván de Madrid o el Skate Park de Alicante, la Glorieta Arabial es clave en la escena hip hop granadina, donde los jóvenes encuentran una vía de expresión artística para canalizar sus realidades.
Aunque Mnak, un freestyler que vivió varios años en la ciudad, es el único “granadino” que ha llegado a las competiciones mainstream, la escena local sigue fuerte con eventos como Royal Rap Granada. Este tipo de competiciones underground reúnen asistentes (principalmente hombres) de entre 15 y 30 años que comparten muletillas, vestimenta y expresiones comunes, tienen el mismo acento, y suelen hacer rimas sobre sus barrios de procedencia.
En el ámbito nacional del freestyle, hay una división clara entre el underground y el mainstream. Las batallas underground se desarrollan en parques y plazas, con un ambiente más espontáneo y relajado. En cambio, las competiciones mainstream como la famosa Red Bull Batalla de los Gallos, cuentan con micrófonos, publicidad, patrocinios, DJs en vivo y retransmisiones en directo. El mejor ejemplo de esto es la liga Freestyle Master Series (FMS) creada en 2017, que ha sido objeto de críticas al establecer un formato de puntuación que “deportivizó” el freestyle, alejándolo de su esencia más artística. El formato de la temporada 2025 pretende retomar los códigos clásicos y “acercar la liga a un formato más underground y menos deportivo”.
Sin embargo, en lugares como la Glorieta Arabial todavía se preservan los códigos tradicionales del freestyle: gestos y movimientos al rapear, el lenguaje compartido, y la identificación con una tribu urbana que refuerza un sentido de pertenencia. Estos jóvenes no solo están improvisando rimas, sino que están construyendo una identidad común, marcada por símbolos culturales que los unen. El espacio físico también juega un papel crucial en la creación de esa identidad, proporcionando un lugar donde forman parte de una comunidad con la que comparten vínculos emocionales.
Un aspecto importante que se ha destacado recientemente es cómo las batallas de freestyle pueden servir como una forma de canalizar la violencia de manera verbal, evitando confrontaciones físicas. Las batallas ofrecen a los jóvenes una vía para liberar tensiones, y expresar frustraciones, vivencias y la propia identidad. Así, el freestyle se convierte de forma simultánea en una herramienta y en un espacio de crítica social. A pesar de los prejuicios que rodean a estas batallas por su agresividad o lenguaje explícito, estos eventos fomentan el desarrollo artístico, la imaginación y las habilidades verbales de sus participantes.
Competiciones como Royal Rap Granada, Gold Battle o Streetdogs Battle, no solo visibilizan el talento emergente, sino que consolidan la escena local del freestyle y prometen alimentar una escena vibrante y en constante crecimiento. Con Granada en plena expansión dentro del panorama nacional del freestyle, la ciudad sigue demostrando que tiene un semillero de talento capaz de impactar en todo el país.
Recomendaciones:
Tuttipari
Electrónica y performatividad queer
Escrito por:
Miguel Ángel Bonilla Rodilla
Doctorando FPU (2022) en el departamento de Musicología de la Universidad de Granada
Miguel Ángel es doctorando en el departamento de Musicología de la Universidad de Granada con una tesis etnográfica sobre música electrónica de club en Andalucía. Se formó en guitarra de jazz con Kiko Aguado y actualmente es guitarrista y productor de Sosoritnem.
La Tuttipari es la fiesta queer por excelencia en Granada. Con 8 ediciones desde 2021 se erige como un evento multicanal y multisimbólico. En otras palabras, las actrices y actores del evento encuentran multitud de vías altamente significadas mediante las que las identidades LGTBIQ+ y BIPOC —siglas de «black, indigenous and people of colour»— no solo se reafirman, sino que se construyen. Esto ocurre mediante un ritual enormemente creativo, es decir, la fiesta en la conocida discoteca Industrial Copera, además de lo que ocurre antes y después, sobre todo a través de su perfil de Instagram @tuttispace. Esto es especialmente apreciable desde la comprensión de la música como cultura, la cual enfatiza su componente social agente, o lo que es lo mismo, que condiciona su propio contexto además de ser consecuencia de este mismo. Ese mismo prisma teórico invita a comprender este evento de forma holística —del griego, holos ‘todo’—, con el que se trata de entender un evento sociocultural atendiendo al mayor número posible de características que lo componen, algo que en la Tuttipari se aplica bien desde la llamada «performatividad» —el «¿qué ocurre?», «¿quién participa?», «¿por qué?» y «¿con qué fin?», expuestos por Dyana Taylor, entre otras (Taylor, 2018)—. Ejemplos de esto son la música pinchada, el perfil social de las participantes, la indumentaria, el baile, los posts a través de redes sociales, las conversaciones de las participantes, la forma de interaccionar, etc. Durante las próximas líneas desarrollaremos brevemente esos aspectos.
El repertorio que pinchan las DJs contribuye significativamente a aunar las identidades queer, algo muy visible por alta participación del público durante el evento —cantando colectivamente las letras y bailando las canciones—, que demuestra que constituye uno de los principales reclamos por los que los participantes asisten a la fiesta. Además, ese momento ritual también constituye un momento de construcción colectiva de la identidad, pues los participantes afirman «performar» identidades que fuera de ese espacio sería más peligroso mostrar dadas las represiones hegemónicas de sexualidad e identidad de género. Esto va indudablemente unido al baile y la indumentaria, con los que también se realiza un acto de desinhibición y creatividad, los cuales están altamente valorados junto con una performatividad muy «femenina». Esto no solo abre un espacio de socialización muy abierto para cualquier tipo de identidad, sino que reafirma modelos de ser mediante el respeto, presente de forma generalizada en la forma de interaccionar de la gente durante todo el proceso.
La actividad en Instagram es muy significativa para dicho usos y funciones (Merriam, 1964) identitarias, pues se explicitan códigos de conducta para proteger a los participantes del acoso homófobo, tránsfobo, machista, etc.; se habilitan los baños de la sala para que la gente pueda cambiarse allí y así, poder evitar sufrir agresiones de odio fuera del espacio; se anuncia implícitamente, mediante los reels y stories que anuncian las fechas y DJs del evento, cómo es la de estética del evento, donde lo queer es lo definitorio, aunque se anuncia como un espacio libre y abierto a todas las identidades; se pregunta a posteriori qué cosas podrían mejorar de la fiesta, y las respuestas son publicadas y muy agradecidas por las organizadoras; el lenguaje usado durante todo el proceso es transinclusivo —usando el pronombre «le»—, con lo que se posicionan continuamente como feministas transincluyentes, aunque insisten en que la fiesta.
En definitiva, la Tuttipari, constituye un evento de alto interés y relevancia social (Martí, 2000), dada su eficacia y potencial cualitativo y cuantitativo, para la escena queer granadina, las fiestas de música electrónica con perfiles identitarios concretos y, sin duda, para la escena de las músicas populares en la ciudad. La existencia de fiestas LGTBIQ+ y BIPOC con alta popularidad y difusión en redes son un medio de visibilización y de lucha por espacios seguros de creación de hegemonías identitarias.
Recomendaciones:
Certamen freestyle “Granada con Arte”
Una plataforma para canalizar la creatividad e impulsar la cultura urbana
Escrito por:
Lidia Calvo Martínez
Graduada en Historia y Ciencias de la Música por la Universidad de Granada.
Musicóloga alicantina residente en Granada, actualmente compagina estudios en el Máster en Educación Secundaria (UGR) con el Proyecto Tándem “Descripción y difusión del fondo epistolar del Archivo Manuel de Falla”.
El certamen “Granada con Arte” ha ganado relevancia en la escena local del freestyle, contribuyendo al crecimiento de la cultura urbana en la ciudad. Celebrado anualmente en el marco de la Feria del Libro de Granada, este evento promueve la improvisación rap, brindando un espacio inclusivo para que jóvenes talentos compartan su pasión por el freestyle, lo que enriquece la escena cultural granadina.
En su tercera edición, realizada el 30 de abril de 2023, el certamen volvió a destacar por su enfoque en la fusión del freestyle con temas culturales. Durante las clasificatorias, se alentó a los participantes a hacer referencia a elementos del patrimonio y la historia literaria de Granada, agregando una dimensión educativa al evento y celebrando la identidad local.
La jornada clasificatoria se desarrolló en el Patio del Ayuntamiento, y los ocho finalistas compitieron en el Pabellón de las Granadas. Allí, cada freestyler eligió a su contrincante para batallas “1 vs. 1”, donde el host les proporcionaba estímulos como palabras, conceptos y objetos sobre los que debían improvisar. Estas batallas, más allá de ser una simple competición, se convirtieron en un despliegue de ingenio y talento verbal.
Las referencias culturales fueron muy variadas, desde el manga hasta el graffiti y los bestsellers. Por ejemplo, frente a la temática "bestsellers", el freestyler Nacho improvisó: “Si te vendo mis finales sin principios tendrás que tener intrínseco que has estado conmigo”, a lo que Yisus replicó: “Soy como un epílogo porque el mensaje de mi rap siempre está al final”. Estos juegos de palabras no solo muestran la creatividad de los participantes, sino también cómo se pueden abordar temas profundos y culturales desde el freestyle.
Un aspecto interesante del certamen fue la (casi) ausencia de insultos o lenguaje ofensivo, algo común en muchas batallas de freestyle. A menudo, este tipo de manifestaciones es visto con prejuicio desde un punto de vida clasista y elitista necesario de erradicar. A pesar de que este tipo de agresividad suele generar críticas, los participantes de “Granada con Arte” demostraron que es posible mantener la esencia competitiva y creativa del freestyle sin recurrir a las descalificaciones. La improvisación se centró en el ingenio, el contenido cultural y la habilidad para generar rimas impactantes sin caer en confrontaciones verbales innecesarias. Además, estas batallas de freestyle ofrecen a los jóvenes un espacio donde canalizar sus tensiones y frustraciones de manera creativa, convirtiéndose en un medio de crítica social y expresión personal. En este sentido, eventos como “Granada con Arte” no solo promueven el desarrollo artístico, sino que también ayudan a cambiar la percepción que algunos tienen sobre la cultura urbana.
El certamen no solo destaca el talento de los freestylers, sino que también rinde homenaje a la rica herencia cultural de Granada. Por ejemplo, uno de los raperos improvisaba: “Están pidiendo sangre, pero ¿Sabes qué te digo? La sangre se la dejo a Lorca y sus bodas”, además de otras referencias a escritores y escritoras reconocidas e improvisando rimas animando a los jóvenes a leer. Cada edición impulsa una escena local vibrante que sigue evolucionando, posicionando a Granada como un punto de referencia en la cultura del rap y la improvisación en España.
Finalmente, es crucial que instituciones como el ayuntamiento y la concejalía de juventud apoyen eventos de freestyle rap, ya que ofrecen un espacio seguro y accesible para que los jóvenes expresen sus ideas, emociones y experiencias. El freestyle, como parte de la subcultura del hip hop, permite a los jóvenes construir una identidad colectiva y abordar problemas sociales desde su propia perspectiva. Organizar estos eventos no solo legitima el arte urbano, sino que también fomenta habilidades como la creatividad, el pensamiento crítico y la cohesión social, contribuyendo de manera positiva a la participación cultural de la juventud.
Recomendaciones:
Concurso Emergentes Granajoven
Descubriendo nuevas voces: el papel de Emergentes Granajoven en la escena granadina
Escrito por:
Sara Armada Díaz
Gestora cultural en Fundación Miguel Ríos y doctoranda en Historia y Ciencias de la Música en la Universidad de Granada
Musicóloga, DJ y gestora cultural. Sara Armada Díaz es graduada en Historia y Ciencias de la Música por la Universidad de Granada, institución en la que también estudió el Master de Patrimonio Musical y en la que se encuentra realizando sus estudios de doctorado en torno al indie femenino español. Actualmente compagina su carrera como investigadora con su labor como gestora y programadora cultural en la Fundación Miguel Ríos, su trabajo como comunicadora y locutora en el medio Ruidosa Granada.
El Concurso Emergentes Granajoven es un certamen anual que busca descubrir y promocionar el talento joven de la música en Granada. Organizado por la sala Planta Baja en colaboración con la Concejalía de Juventud del Ayuntamiento de Granada, el concurso está dirigido a bandas y solistas que aún no han alcanzado la consolidación en el panorama musical, brindándoles la oportunidad de actuar en la sala Planta Baja, uno de los espacios más emblemáticos de la ciudad en cuanto a música en directo se refiere.
Los participantes, que deben tener entre 16 y 35 años, compiten en varias fases a lo largo de los meses de abril y mayo. Estas fases incluyen conciertos en directo que permiten a los artistas mostrar su talento ante el público granadino, así como ante un jurado formado por profesionales del sector musical de la ciudad. La finalización del concurso trae consigo importantes recompensas para los ganadores, como la posibilidad de grabar un álbum producido por Carlos Díaz, uno de los productores más influyentes de la escena independiente nacional. Además, el ganador tiene la oportunidad de actuar en eventos tan destacados como la Feria Internacional de Turismo (Fitur) o, más recientemente, el Festival “Ola Granada” que se celebra en la ciudad antes de la llegada del verano.
Muchos grupos icónicos dentro de la escena granadina han sido participantes en el concurso: Harakiri Beach, Perro Mojado, Red Passenger, Sky Bacon, Papaya Club, Lemon Parade, Amigas!, Radio Palmer, Ofiuca Nunca, y muchos más. Incluso, a lo largo de sus ediciones, el concurso ha servido como punto de partida para muchas bandas que han logrado reconocimiento más allá de las fronteras locales, como Colectivo Da Silva o Apartamentos Acapulco, entre otros.
Más allá de un concurso, Emergentes Granajoven es un evento clave en la promoción de bandas y solistas emergentes de la provincia. No solo sirve para impulsar a los nuevos talentos, sino que también fortalece la escena musical local, actuando como un escaparate para descubrir nuevas propuestas que enriquecen el panorama artístico granadino. Con una historia de once ediciones, el Concurso Emergentes sigue siendo un pilar esencial para la música en vivo y la creatividad local.
Recomendaciones:
Serpiente Negra [autoetnográfico]
Serpiente Negra, ciclo internacional de conciertos en Planta Baja
Escrito por:
Toni Anguiano
Programador del ciclo Serpiente Negra
Manager de Guadalupe Plata desde 2009 (ahora también de Cantes Malditos y Pelomono) y promotor del ciclo Serpiente Negra en Planta Baja desde 2013.
El ciclo de conciertos Serpiente Negra, fundado en 2013 por Toni Anguiano en la sala Planta Baja de Granada, ha crecido significativamente desde su origen. Aunque inicialmente estaba centrado en géneros como el rock and roll, el garage y el soul, a lo largo de los años se ha expandido para incluir una mayor diversidad de estilos, como la psicodelia, el noise y el punk. Este ciclo ha sido clave para posicionar a Granada en el circuito de giras internacionales de bandas underground, y ha ofrecido a los amantes de la música la oportunidad de presenciar conciertos únicos que, en muchas ocasiones, no se podrían ver en otros lugares de la ciudad.
Desde sus comienzos, Serpiente Negra ha traído a la ciudad a bandas de culto como Guadalupe Plata, quienes han sido una de las presencias más recurrentes en el ciclo, con su característico sonido que mezcla blues del Mississippi con elementos oscuros y surrealistas. Bandas internacionales como The Legendary Tigerman y Los Peyotes también han dejado su huella en la sala Planta Baja, mostrando cómo este ciclo de conciertos ha ido consolidándose como un espacio clave para el rock alternativo en España.
Más allá de su impacto en el panorama musical local y nacional, Serpiente Negra está actualmente reflexionando sobre cómo seguir apoyando el tejido local de bandas emergentes. Esta nueva fase podría incluir una mayor colaboración con artistas locales y una apuesta por la promoción de talentos emergentes en la escena granadina, manteniendo viva la esencia del ciclo como un espacio alternativo y de vanguardia.
Recomendaciones:
Viernes eléctricos [autoetnográfico]
Emancipación tecnológica desde la experimentación sonora
Escrito por:
Marina Hervás Muñoz
Profesora en la Universidad de Granada
Licenciada en Historia y Ciencias de la música por la Universidad de La Rioja, en Filosofía por la Universidad de La Laguna, Máster en Teoría del Arte y gestión cultural por la misma universidad, y doctora en Filosofía por la Universidad Autónoma de Barcelona gracias a una beca FPU. Ha realizado estancias de investigación pre- y posdoctoral en la Paul Sacher Stiftung, en el Instituto de Investigación Social de Fráncfort, en la Academia de las Artes de Berlín y en el Internationales Musikinstitut Darmstadt. Ha participado en festivales como NAK, Ensems, Memmix, FASE, La Escucha Errante o VANG, entre otros, y ha colaborado con ensembles como OCAZ Enigma, Sigma, Quantum, Laboratorio KLEM, Ciklus, Sonido Extremo o Sinoidal y con instituciones como la ESMUC, el MNCARS, la ORCAM, la OCNE, la OST, la OSCyL, la OBC.
Los Viernes Eléctricos es una iniciativa que surge como parte del programa público del proyecto de investigación "Abgrund-Lab: Emancipación tecnológica y experimentación a través del sonido" del plan propio de la Universidad de Granada y que ha sido acogido en el Área de Música del Centro de Cultura Contemporánea "La Madraza" de la Universidad de Granada. Su propuesta principal es la organización de una serie de talleres enfocados en la creación y escucha de música electrónica experimental, tanto digital como analógica. Estos talleres también incluyen el análisis y la escritura de este tipo de música, buscando siempre integrar a los participantes en procesos de aprendizaje críticos y creativos sobre la tecnología y sus usos.
Uno de los principales objetivos de los Viernes Eléctricos es fomentar el acceso a recursos tecnológicos gratuitos y accesibles, así como impartir conocimientos básicos sobre la electrónica. Esto es parte de un enfoque más amplio que busca promover la emancipación tecnológica, dado que, con frecuencia, el uso de la tecnología está limitado por las grandes corporaciones a funciones de consumo o producción predefinidas. Es decir, las herramientas tecnológicas tienden a estar más orientadas hacia la reproducción de contenidos que hacia la creación. Frente a esto, los Viernes Eléctricos proponen una aproximación alternativa en la que se exploran las posibilidades creativas de la tecnología.
Un ejemplo claro de esta filosofía es el *live coding*, una de las actividades centrales de los Viernes Eléctricos. El live coding es una técnica que consiste en escribir código en tiempo real para generar música o visuales. En este contexto, las personas participantes aprenden no solo a escribir código a partir de lo que se comparte por parte del live coder. Esto fomenta un aprendizaje colaborativo en el que los errores y los logros son igualmente importantes. Esta actividad refleja el objetivo de los talleres de desjerarquizar los espacios y procesos de aprendizaje, eliminando las estructuras tradicionales de autoridad y promoviendo una interacción más horizontal entre las personas participantes. Así, se busca empoderar a la ciudadanía con herramientas que le permitan desarrollar una relación crítica y creativa con la tecnología, superando la percepción de esta como algo inaccesible u opaco.
La tecnología está representada históricamente por hombres, en su mayoría blancos cisheterosexuales. Por el contrario, los Viernes Eléctricos buscan visibilizar a mujeres y otros colectivos infrarrepresentados, promoviendo referentes no canónicos. Esta iniciativa es crucial para generar espacios más diversos y entender la tecnología desde realidades y posturas disidentes.
Hasta la fecha, se han celebrado dos ediciones de los Viernes Eléctricos, y ambas han incluido un concierto que ha servido como ejemplo práctico de los conocimientos y habilidades trabajados en los talleres. En la primera edición, Lina Bautista, reconocida live coder, fue la encargada de inaugurar el ciclo, mientras que en la segunda edición participaron Hara Alonso y Alba G. Corral. Bautista y Alonso también fueron talleristas.
Los Viernes Eléctricos, entonces, se presentan como un marco para reconfigurar críticamente la relación de las personas con la tecnología, desafiar las formas tradicionales de consumo tecnológico y alcanzar una mayor democratización del conocimiento técnico.
Recomendaciones:
Festival Granada 100% Mujer [autoetnográfico]
Una propuesta técnica y artística 100% femenina.
Escrito por:
Amparo Mercedes Sánchez Pérez
Gestora cultural, productora y artista
Amparo Sánchez Gestora Cultural | Productora | Artista Coordina el festival “Granada 100% Mujer” en colaboración con la plataforma “Revivir la Azucarera”. Este festival tiene como objetivo dar visibilidad y celebrar el trabajo de las mujeres en la música, fomentando la igualdad y la diversidad en el ámbito artístico.
La Plataforma Revivir la Azucarera, bajo la coordinación y voz de la reconocida cantante y compositora Amparo Sánchez, organiza el festival “GRANADA 100% MUJER”. Este evento representa una propuesta artística y técnica completamente femenina, que busca dar visibilidad al invaluable trabajo de las mujeres en el ámbito musical.
Nos embarcamos en una apasionante misión: crear un día dedicado a resaltar y celebrar la contribución de las mujeres en la música, tanto en el escenario como detrás de él. En este festival, contamos con la participación de técnicas, cantantes, instrumentistas, compositoras, grafitteras, pintoras y poetas, todas unidas por la esperanza de construir un mundo en el que la igualdad sea una realidad. Nuestro objetivo es alzar la voz, mostrar nuestro arte y reivindicar la profesionalidad de todas estas mujeres talentosas.
Revivir la Azucarera, es una plataforma que integra a la sociedad civil y a grupos independientes de Granada, con el fin de llevar a cabo un proyecto ambicioso: la recuperación y gestión sociocultural de la “Azucarera de San Isidro”, un Patrimonio Histórico y Bien de Interés Cultural. Este emblemático espacio, que alguna vez fue un centro de producción de azúcar de remolacha, se transformará en un lugar donde se generará y cosechará arte e investigación.
Nuestro compromiso es trabajar de la mano con la comunidad. La plataforma tiene como prioridad informar a la ciudadanía, recoger sus demandas y fomentar su participación mediante la recolección de firmas y colaboraciones. Además, realizaremos reuniones con todas las fuerzas políticas y sociales, con el objetivo de alcanzar un consenso que permita llevar a cabo esta importante transformación.
Lo que antes era un lugar de trabajo para miles de obreros, ahora se convertirá en un espacio multidisciplinario donde los ciudadanos podrán soñar y celebrar el espíritu artístico con orgullo. La rehabilitación de la “Azucarera” se propone no sólo como un centro cultural, sino también como un lugar educativo, histórico, industrial y agroecológico. Aspiramos a que este espacio se erija como un centro de innovación en economía verde, biodiversidad y sostenibilidad, contribuyendo así al desarrollo de nuestra ciudad.
En resumen, “ FESTIVAL GRANADA 100% MUJER ” es más que un festival; es una declaración de intenciones, una llamada a la acción y una oportunidad para reconocer y valorar el papel crucial de las mujeres en la música y en la sociedad.
Recomendaciones:
Festival Internacional de Tango de Granada (36 ediciones) [autoetnográfico]
El tango como cultura urbana y contemporánea
Escrito por:
Horacio Rébora Morra
Director del Festival Internacional de Tango de Granada
Creador de la Tertulia, director del Festival de Tango de Granada y de las Cumbres Mundiales de Tango, premiado por el Ayuntamiento, la Diputación, la Junta de Andalucía y la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires por su actividad cultural.
“Ninguna cultura podrá sobrevivir si bebe solo de su propia sustancia” (Gunter Grass)
El el tango es un género musical, una expresión literaria, una danza y una influencia cultural que expresó y expresa la realidad urbana de la Ciudad de Buenos Aires en particular y de las ciudades de nuestra época en general. El tango es también cultura popular y arte.
El tango nace durante las últimas décadas del siglo XIX en las ciudades del Río de la Plata, siendo un producto de la inmigración y con ello de la mezcla culturas nativas y europeas, quienes fueron capaces de generar un nuevo producto cultural distinto a la suma de las partes y especialmente sensible a la existencia urbana. El tango es junto Jazz y el flamenco que transitaron todo el siglo XX en constante evolución siendo hoy tres grandes género de culto con profundo origen popular.
Sería posible establecer una relación entre la evolución del tango en cada una de las fases de su evolución y las alteraciones que se fueron operando a través de todo el siglo XX en la antropología urbana. Dos ejemplos ilustran la anterior afirmación: 1º. La generalización del transporte colectivo de pasajeros fue incidiendo en la pérdida de la doble cultura arrabal-centro propiciando la época de oro del tango como producto de una cultura urbana. 2º. Con el desplazamiento del peatón por el automóvil el tango pierde su compás marcado y es desplazado por la genial creación Astor Piazzolla.
Sería posible imaginar el país del tango como un archipiélago de ciudades de todo el mundo con Buenos Aires como su capital. Es por ello que se puede admitir que urbes lejanas de las ciudades que lo vieron nacer puedan también considerar el tango como parte de su propia cultura. En este sentido, es legítimo divulgar el tango en el mundo, no como la fascinación de una cultura extraña sino como el disfrute de una cultura propia, en tanto que cultura urbana. Las Cumbres Mundiales de Tango tienen como fundamento las anteriores afirmaciones. El Jazz y el rock han transitado experiencias similares.
Es posible que el nuevo fortalecimiento que el tango ha tenido a nivel mundial, en las últimas dos décadas, tenga que ver con la búsqueda de una identidad legítima y fecunda que trascienda a las naciones, se podría afirmar que: el tango no es universal por estar en todo el mundo sino que esta todo el mundo por ser universal.
El Festival de Tango de Granada después de 36 ediciones con más de mil quinientos artistas contratados es considerado por su antigüedad, continuidad, calidad de su programación, aceptación del público local e internacional como uno de los de mayor jerarquía y prestigio a nivel mundial.
El Festival, desde sus inicios, fue concebido como una actividad cultural, por ello es que no se limitó a mostrar un conjunto de espectáculos sucesivos sino que también siempre se organizaron cursos, conferencias, exposiciones, fiestas y animación urbana etc.
El Festival de Granada se distinguió por mostrar el tango en todas sus manifestaciones: Tango instrumental, tango canción y tango danza, incluso, siempre se consideró los límites del Tango deliberadamente difusos a fin de contribuir a que entregue y reciba influencias colaborando, de este modo, a su renovación. Es por ello que se invitó a participar ya en el primer Festival al genial cantaor granadino Enrique Morente con el lema "Bienvenida del Flamenco al Tango", a Imperio Argentina, a Teté Montoliu, a la Orquesta Ciudad de Granada, a Miguel Ríos, a Nati Mistral, a Lágrima Ríos, a Martirio, a Julio Bocca y a Maximiliano Guerra, a César Isella, Estrella Morente, Argentina de Huelva, etc.
Los antecedentes del Festival se remontan a 1981 cuando se edita el Libro Granada-Tango que reconoció en los poemas de los jóvenes poetas granadinos de entonces, una impronta existencial y urbana que recordaba a las grandes letras del acervo tanguero. Participaron entonces Javier Egea, Luis García Montero, Juan de Loxa, Álvaro Salvador, M. Maresca, J.C. Rodríguez, Mario Benedetti, Julio Cortázar y Daniel Moyano.
En definitiva, si el porvenir del tango es solidario con el destino de la urbe moderna, que nadie dude en hacer de él su propia pasión.
Recomendaciones:
Infierno Fest
El infierno no es tan malo
Escrito por:
Eva Pozo Herrera
Musicóloga y divulgadora
Graduada en Historia y Ciencias de la Música y con un máster en Patrimonio Musical, ambos por la UGR, completa su formación como violonchelista en el Conservatorio Superior de Música de Jaén.
El Infierno Festival, también conocido como Infierno Fest, es un festival organizado por el sello discográfico La Vendición Records, cuya propuesta musical se mueve entre la música urbana popular más experimental e independiente (con algunos artistas más mainstream), con géneros y estilos del trap, rap, reggaetón y flamenco, entre otros. El evento reúne artistas tanto emergentes como consolidados a nivel nacional e internacional. Desde su primera edición en 2022, el festival se celebra en la provincia de Granada: los dos primero años en la localidad de Las Gabias y el tercero en la localidad costera de Salobreña.
La riqueza del festival reside, entre otras cosas, en la variedad de artistas y estilos musicales que ofrece en sus escenarios. Entre ellos, se encuentran artistas ya consolidados y sonados en el trap nacional (como La Zowi, Soto Asa, Yung Beef o Albany) y que hacen match con la oferta más reggaetonera del underground (como La Mafia del Amor). Asimismo, otros/as artistas con mayor alcance y cuyo estilo se mueve entre otros géneros urbanos como el R&B (por ejemplo, Cruz Cafuné), se han ido sumando al cartel.
Desde su primera edición, el festival ha traspasado fronteras y no se ha limitado al contexto nacional. Entre artistas chilenos del underground como Pablo Chill·e y los ya consolidados como el reggaetonero Ñengo Flow, también hay espacio para los que se encuentran en ese punto intermedio como el puertorriqueño Yovngchimi.
El festival no dudó en incorporar uno de los géneros más representativos de los barrios españoles, el flamenco: con artistas como el Canelita, Los Yakis o, desde el flamenco más puro, con Israel Fernández en su tercera edición.
Además, en sus escenarios también hay espacio para los/as artistas emergentes, con propuestas que se mueven entre lo flamenco y lo urbano como El Bobo de las 3000, otros como Bendriss que se mueve entre el raï, o como L0rna entre el rap y el trap. Así como artistas que, aun siendo emergentes, cuentan con una base de fans consolidada como por ejemplo Métrika.
El festival es organizado por el sello independiente enfocado en la música urbana La Vendición Records, fundado en 2015 por el artista granadino Yung Beef y que ha sido pionero en apostar por música underground, experimental y alterativa en España y Latinoamérica. El sello acogió a nombres sonados del trap español como PXXR GVNG, La Zowi, Soto Asa, entre otros muchos.
Recomendaciones:
Cátedra Manuel de Falla
Cátedra Manuel de Falla de la Universidad de Granada
Escrito por:
Joaquín López González
Profesor Titular de la Universidad de Granada
Doctor en Historia y Ciencias de la Música y Licenciado en Historia y Ciencias de la Música y en Historia del Arte por la Universidad de Granada. Miembro del grupo de investigación Patrimonio Musical de Andalucía. Fue director de la Cátedra Manuel de Falla entre los años 2008 y 2014.
La Cátedra Manuel de Falla de la Universidad de Granada constituye una de las iniciativas más tempranas en la difusión musical de la universidad española moderna. Fue creada en 1955 por el rector Luis Sánchez Agesta, siguiendo el ejemplo de otras cátedras honoríficas fundadas en universidades como la Complutense de Madrid (1952), la de Santiago de Compostela (1954) o la de Barcelona (1954), con el objetivo de divulgar la cultura y la ciencia fuera de las actividades habituales de la investigación y la docencia reglada, en la línea del naciente concepto de “extensión universitaria”. Su primer director fue Antonio Gallego Morell (entre 1955-1961), al que sucedieron Luis Seco de Lucena y Paredes (entre 1961-1971), Juan Alfonso García (entre 1972-1979), Ricardo Rodríguez Palacios (entre 1979-1983), Antonio Martín Moreno (entre 1983-1996), Francisco Javier Lara Lara (entre 1996-2008), Joaquín López González (entre 2008-2014), Fernando Barrera Ramírez (entre 2014-2017), Pedro Ordóñez Eslava (entre 2017-2023) y Marina Hervás Muñoz (desde 2023 a la actualidad). Desde su creación, la Cátedra Manuel de Falla ha sido una de las instituciones más destacadas en la vida musical granadina. Ha programado innumerables conciertos, conferencias y actividades formativas, en su mayor parte de carácter gratuito y abierto a todo el público de la ciudad. Su sede habitual es la Sala Máxima del Espacio V Centenario (lo que fue el Aula Magna de la antigua Facultad de Medicina), espacio emblemático por el que han pasado grandes artistas de la talla del guitarrista Narciso Yepes, la pianista Alicia de Larrocha e infinidad de cantantes, grupos de cámara y orquestas españolas e internacionales. Desde 2015 la Cátedra está integrada dentro de La Madraza. Centro de Cultura Contemporánea, entidad creada durante el mandato de la rectora Pilar Aranda con objeto de unificar todas las actividades de Extensión Universitaria en un único centro. Si bien durante sus primeras décadas de existencia predominaron en su programación conciertos de música clásica y coral, con la llegada del siglo XXI la Cátedra Manuel de Falla ha potenciado su vinculación con las manifestaciones musicales más actuales como la música y la danza contemporáneas, las músicas del mundo, las músicas populares urbanas, el jazz y el flamenco, entre otras, diversificando igualmente el formato de sus actividades (conciertos, conferencias, encuentros, mesas redondas, residencias artísticas) y los espacios escénicos para su realización. Algunos de sus hitos más destacados de los últimos años, en relación con las música populares urbanas, han sido el estreno de la cantata Mater Lux (2015) y el poema sinfónico Los cielos cabizbajos (2018), compuestas por el músico y periodista Jesús Arias; el ciclo Flamenco y documental (2016), en colaboración con la Diputación de Granada; el estreno de la ópera-rock Réquiem (2017), del compositor David Montañés Pérez, para banda de rock, coro, trompetas del apocalipsis y danza; y encuentros y/o recitales con destacados artistas como Javier Krahe, Vicente Feliú, Mercedes Ferrer, José Ignacio Lapido, Raúl Alcover, Rubem Dantas, José Antonio García, Javier Ojeda, Soleá Morente, Antonio Martínez Ares, Dorantes, Alba Molina, Jorge Pardo, Amancio Prada, Rocío Márquez, Pony Bravo, “Jota” de Planetas, Chano Domíngez, Cubop, Fernando Beiztegui, Rodrigo Cuevas y Ernesto Aurignac, entre otros.
Recomendaciones:
Discos Marcapasos
Discos Marcapasos: un paraíso para los melómanos
Escrito por:
Jesús Martínez Sevilla
Crítico musical en El Independiente de Granada
Jesús Martínez Sevilla es Doctor en Estudios de Género por la Universidad de Granada. Es crítico musical en El Independiente de Granada desde 2020 y ha publicado crónicas de conciertos y entrevistas con artistas musicales en revistas como Lumbre o Mondosonoro
“Unidad Musical de Cuidados Intensivos”. Así se autodenomina Discos Marcapasos, la veterana tienda de discos de Granada. Fundada en 1995, este establecimiento lleva surtiendo de potentes fármacos sonoros a los melómanos granadinos de forma ininterrumpida desde hace casi tres décadas. Ubicada en pleno centro, en calle Duquesa, desde su puesta en marcha ha sido una referencia esencial de la escena y una parada obligada para músicos y aficionados que visitan la ciudad. Buena parte de la culpa la tienen sus dueños, Pepe Mármol y Lola Rosales, cuyo exquisito gusto en lo musical y gran calidez en lo personal convierten su tienda en un lugar al que siempre se quiere volver. Más aún desde que en 2015 se mudaron a su actual local, tan elegante y cómodo, en Duquesa 6, justo al lado del que ocuparon durante sus primeros veinte años de andadura.
Ir a Marcapasos suele ser garantía de que volverás a casa con una nueva adquisición para tu colección musical, incluso cuando tu bolsillo te agradecería que optaras por ahorrar. Cómo resistirse: la oferta de discos que tienen es espléndida. Se pueden encontrar los mejores álbumes de rock, pop, hip hop, soul, funk, reggae, electrónica, flamenco e incluso de música brasileña, en formato LP o CD. Siempre hay ofertas interesantes, que puedes investigar mientras escuchas las excelentes selecciones de Pepe y Lola en el estupendo equipo de sonido de la tienda. Y si no encuentras lo que estás buscando, lo puedes encargar. Pero no solo hay discos: también tienen una fantástica selección de libros sobre música, tanto de autores nacionales como internacionales, ya sean sobre artistas concretos, sobre géneros o escenas musicales de diversas épocas, sobre el proceso creativo o la experiencia de la escucha… y por supuesto, tienen los últimos ejemplares de las revistas especializadas más importantes. Asimismo, se pueden comprar entradas para conciertos, y tienen camisetas y otro merch de grupos variados, además de tocadiscos y materiales para su mantenimiento. En fin, todo lo que puede necesitar un melómano en un mismo lugar. E incluso si no compras nada, te llevarás siempre una buena recomendación o dos.
Pero la clave del éxito de Discos Marcapasos es que entienden que una tienda de discos es más que un punto de venta: es un punto de encuentro. Por eso, tienen una apretada agenda de actividades, que van de conciertos acústicos a listening parties, pasando por presentaciones de libros, por no hablar de la ya clásica fiesta del Record Store Day. Estos eventos congregan periódicamente a quienes disfrutamos la música en esta ciudad y sirven para dinamizar su vida cultural. Y es que Granada no sería la misma sin Discos Marcapasos, que es, por fortuna, un punto neurálgico de su vibrante escena musical en el presente y, esperamos, lo seguirá siendo en el futuro.
Recomendaciones:
El Centro Lucini de la Canción de Autor [autoetnográfico]
La Canción de Autor: desarrollo y puesta en valor
Escrito por:
Juan Trova
Cantautor; dr. por la Universidad de Granada (Historia del Arte)
Cantautor con 6 discos publicados, es Dr. por la Universidad de Granada en el ámbito de la Historia del Arte, centrando su investigación en la Canción de Autor, más concretamente en la interacción de esta con otras disciplinas artísticas. Presidente del Centro Lucini de la Canción de Autor desde su fundación en 2019 y director del Festival Internacional de Cantautores y Cantautoras Abril para Vivir desde su primera edición en 2001.
Desde que en 1956 Paco Ibáñez pusiera música al poema de Góngora La más bella niña —hecho que pudiera ser considerado como el punto de inicio de la Canción de Autor española—, el devenir de este género hasta el momento actual ha generado un ingente Patrimonio Histórico-Cultural. Conciertos y ediciones discográficas y, en muchas ocasiones, su destacado carácter social, han sido el germen para que otras disciplinas hayan ido creando, de forma transversal y cada una en su ámbito, obras relacionadas con este género poético-musical: diseño gráfico, fotografía, pintura, dibujo, etc., son algunas de las manifestaciones que se han aliado con la Canción de Autor para provocar la existencia de un importante material artístico en torno a ella.
Fernando González Lucini ha sido la persona que de forma sistemática ha ido recopilando durante cincuenta años todo este legado, dando lugar a una colección sobresaliente, cuya salvaguarda se ha ido haciendo cada vez más necesaria. De esta forma surge la idea de crear un espacio donde, tanto la Canción de Autor como género creativo, como las obras generadas por ella misma y sus interacciones con otras formas de expresión artística, sean puestas en valor.
Se crea así en Granada el Centro Lucini de la Canción de Autor, cuya inauguración tuvo lugar el 13 de diciembre de 2019. No es casualidad que Granada sea la sede de este espacio dedicado a la Canción de Autor al ser una de las ciudades españolas con más tradición en este campo. Esto queda evidenciado por diferentes circunstancias: el importante acervo de cantautores y cantautoras que nuestra ciudad ha dado, el interés secular mostrado por aquellos/as que no siendo granadino/as han elegido y eligen Granada para dar a conocer su trabajo, la cantidad de actividades que se desarrollan en la ciudad en torno a la Canción de Autor, destacando el Festival Internacional de Cantautores y Cantautoras “Abril para Vivir”, que se viene celebrando con carácter anual desde el año 2021. A todo ello se le suma el surgimiento en Granada de importantes colectivos de cantautores y cantautoras que han desarrollado su actividad en nuestra ciudad a lo largo de décadas: Manifiesto Canción del Sur, Núcleo de Nuevos Autores, Puerta Verde, Te doy una canción o Músicos de Guardia.
De esta forma es fácil entender que nuestra ciudad acoja el Centro Lucini de la Canción de Autor, espacio cuyos objetivos abarcan diferentes ámbitos:
• Por una parte, como ya se ha apuntado, es un lugar destinado a la salvaguarda del patrimonio cultural generado por la Canción de Autor: discos, cartelería histórica, obra pictórica, revistas, libros, documentos, etc.
• Espacio de investigación. Todos estos fondos documentales se ponen a disposición de la comunidad investigadora para su consulta. Son muchas, cada vez más, las personas que investigan y escriben sobre Canción de Autor. Tesis, trabajos fin de Máster o Grado, artículos, etc., están cada vez más presentes en las publicaciones de investigadores e investigadoras, que encuentran en el Centro Lucini un punto, cada vez más indispensable, de información.
• Como centro cultural, ocupa un lugar destacado la programación de actividades tales como conciertos, conferencias, recitales poéticos, exposiciones, seminarios, coloquios, etc., con la finalidad de ser un espacio abierto para que artistas, tanto de la ciudad como de otros lugares, puedan dar a conocer sus creaciones.
• Establecer nexos con otros espacios de similares características que pudiera haber tanto en territorio nacional como internacional, creando sinergias que favorezcan la comunicación, personal e institucional, con el fin de promover trabajos conjuntos que favorezcan la investigación, el desarrollo y la difusión de la Canción de Autor.
Es importante saber que el Centro Lucini de la Canción de Autor no es solo un espacio para cantautores y cantautoras, sino un punto de encuentro de todas aquellas personas amantes de este género que quieran apoyar el trabajo que se realiza con el objetivo común de poner en valor este estilo poético-musical que tan importante ha sido en la Historia reciente española. Desde que los cantores y cantoras comenzaron a alzar la voz en la década de los 60 del pasado siglo XX, se les ha considerado, sobre todo desde el tardofranquismo hasta la transición democrática, como la voz del pueblo. Ahora toca, por una parte, dar a conocer a las nuevas generaciones todo lo que supuso este movimiento artístico y sociopolítico que tuvo un papel muy destacado en la consecución de las libertades sociales por las que clamaba la mayor parte de la población española y, por otra, analizar su evolución a los largo de estos años para conocer si estamos ante una nueva forma de hacer Canción de Autor. Ahora el canto no es tan político como en aquellos años, es una canción que tiende más hacia el ámbito de la poesía amorosa, pero sin perder, en muchos casos, el contenido social llevado al terreno de asuntos tales como la sostenibilidad, la igualdad, los derechos humanos o la integración, entre otras muchas cuestiones.
A todo ello está atento el Centro Lucini de la Canción de autor, que es una entidad dispuesta a velar por el patrimonio histórico-cultural, a la vez que difusora de esta corriente artística que sigue muy viva y presente en nuestra sociedad. Las jóvenes generaciones de cantautores y cantautoras actuales son la promesa de que la poesía musicada, que es de lo que al fin y al cabo tratamos, sigue tan vigente como en aquellos primeros años.
Recomendaciones:
Gabba Hey Escuela de Música [autoetnográfico]
La cantera del rock granadino
Escrito por:
Raúl Bernal Penalva
Director de Gabba Hey Escuela de Música
Músico, productor y compositor. Ha tocado con Loquillo, Niños Mutantes, 091, Sr. Chinarro, Fino Oyonarte. Actualmente es músico de la banda de Quique González y José Ignacio Lapido.
Gabba Hey comienza su andadura en el año 2014. Nace por la necesidad de darle al rock la importancia académica que tiene y así darle un valor institucional y académico necesario para poder equipararlo en este aspecto a la música clásica. El rock ha cambiado la forma de pensar, vestir y actuar social y políticamente de muchas generaciones desde su nacimiento, la música ha sufrido cambios integrales dado por grandes compositores y compositoras de rock y pop. Desde Miles Davis a Dylan, desde The Beatles a Bon Iver.
Desde su creación, por Gabba Hey han pasado cerca de 4000 alumnos y alumnas, siendo muchos/as de ellos/as menores de edad que hoy en día forman parte de engranaje musical de la ciudad y el país. Muchos/as de ellos/as tienen ahora su propia banda, se suben a los escenarios, producen sus discos y saben comportarse como músicos cultos/as ante las situaciones que el mercado laboral les impone.
Los/as profesores/as de Gabba Hey son músicos en activo, que compaginan su labor como músicos con la docencia, por lo tanto siempre hay un plus de experiencia inmediata que enriquece a nuestros/as alumnos/as.
Nuestra profesión como músicos es importante y debe ser tratada con respeto y educación para que no caiga en el olvido y nos siga dando grandes momentos artísticos.
Recomendaciones:
Grupo de Estudios Flamencos - Cátedra de Flamenco (UGR)
El pulmón flamenco de la Universidad
Escrito por:
Pedro Ordóñez Eslava
Profesor Titular de la Universidad de Granada
Profesor Titular en el Departamento de Historia y Ciencias de la Música de la Universidad de Granada, Director de la Cátedra de Flamenco de La Madraza. Centro de Cultura Contemporánea de la Universidad de Granada, guitarrista flamenco y director de la Colección Música en la Editorial Comares.
Como podéis imaginar, teniendo en cuenta la significación histórica de una vida musical tan intensa y rica como la de nuestra ciudad, la Universidad de Granada lidera, encarna y materializa un vivo y a veces frenético calendario de actividades musicales entre septiembre y julio que incluye no sólo la celebración de conciertos y sesiones de diversa tipología sino también la producción de estrenos absolutos y de producción propia, la colaboración con otras áreas de la propia Universidad y con iniciativas de investigación artística y académica, la cooperación con otros Festivales e instituciones públicas de la ciudad, la publicación de monografías y la formación del alumnado de Grado y Máster de la Universidad.
Uno de los órganos flamencos de nuestra Universidad es la Cátedra de Flamenco, que continúa con la labor desplegada por el Grupo de Estudios Flamencos (GEF), fundado el 11 de septiembre de 2009, vinculado inicialmente al Centro de Cultura Contemporánea de la UGR -y ya desde 2015 a La Madraza. Centro de Cultura Contemporánea-. En un acto entrañable y repleto de ilusión por recuperar el impulso de la investigación, el análisis y la enseñanza de lo flamenco, el GEF recogió la iniciativa que ya emprendieron en 1975 el Catedrático de literatura española José Heredia Maya con el Seminario de Estudios Flamencos y la bailaora María Guardia Gómez «Mariquilla» con la polémica Cátedra de Flamencología, fundada en 1987. Como decíamos, desde su creación en 2009 -en cuyo acto constitutivo, celebrado en la residencia universitaria Corrala de Santiago, participaron Cristina Agudo Sánchez, Miguel Ángel Berlanga Fernández, Apolonio Carabaño Jiménez, Rafael Delgado Calvo-Flores, José Antonio Esquivel Guerrero, Florentino García Santos, Miguel Gómez Oliver, Francisco González Lodeiro, Alicia González Sánchez, Francisco Higueras Castro, Francisco Linares Alés, Antonio Martín Moreno, Lucas Montes Muñoz y Juan Carlos Orte Martínez- el Grupo de Estudios Flamencos ha sostenido un esfuerzo considerable por consolidar la alta divulgación de lo flamenco así como por acercarlo a cualquier persona interesada en conocer de manera crítica y precisa esta práctica artística y musical tan distintiva.
Desde su fundación en 2009, el Grupo de Estudios Flamencos ha protagonizado una labor decisiva para incorporar el estudio y análisis de esta práctica multidisciplinar en la extensión universitaria, a través tanto de conciertos como de conferencias y mesas redondas. En el último lustro, el GEF -coordinado por el profesor Miguel Ángel Berlanga y más recientemente por Pedro Ordóñez Eslava- ha andado el camino hacia la conmemoración del Centenario del Concurso de Cante Jondo que se celebró en 2022, ha colaborado en la celebración de Congresos Internacionales como el dedicado a Enrique Morente en 2020 y ha invitado a artistas que también trascienden el canon desde la heterodoxia y la experimentación como Raúl Cantizano, Niño de Elche, Carmela Muñoz, Derek van den Bulcke, Tino van der Sman, entre otros.
Recomendaciones:
Fundación Miguel Ríos
Fundación Miguel Ríos: la unión entre el rock y la solidaridad
Escrito por:
Sara Armada Díaz
Gestora cultural en Fundación Miguel Ríos y doctoranda en Historia y Ciencias de la Música en la Universidad de Granada
Musicóloga, DJ y gestora cultural. Sara Armada Díaz es graduada en Historia y Ciencias de la Música por la Universidad de Granada, institución en la que también estudió el Master de Patrimonio Musical y en la que se encuentra realizando sus estudios de doctorado en torno al indie femenino español. Actualmente compagina su carrera como investigadora con su labor como gestora y programadora cultural en la Fundación Miguel Ríos, su trabajo como comunicadora y locutora en el medio Ruidosa Granada, así como con sus proyectos artísticos, Ruidosa y Rey Amarillo, donde ejerce de compositora e intérprete.
La Fundación Miguel Ríos, creada por el icónico músico granadino, tiene como objetivo promover la música urbana y el rock en un contexto cultural y social. Más allá de ser un simple homenaje a su trayectoria, la FMR se enfoca en la realización de actividades que contribuyan tanto al enriquecimiento cultural como a la solidaridad.
Los objetivos de la Fundación Miguel Ríos son amplios y ambiciosos, y se centran en dos pilares fundamentales: la música y la solidaridad. Por un lado, la Fundación promueve el conocimiento, estudio e investigación de las músicas populares urbanas y, en concreto, de la cultura del rock. Así, busca ofrecer un espacio para la creación y difusión de estas expresiones artísticas, aplicando enfoques contemporáneos y aprovechando las nuevas tecnologías para conectar con el público, especialmente con los jóvenes. A través de actividades culturales, la fundación quiere consolidar el rock y las músicas urbanas como formas de ocio creativo y de calidad.
Además de todas estas iniciativas, uno de los elementos más importantes que aporta la Fundación Miguel Ríos es la creación del Archivo Miguel Ríos, un proyecto destinado a preservar la memoria cultural del artista. Este archivo no solo recopila los objetos personales y recuerdos de la carrera de Miguel Ríos, sino que también funciona como un recurso valioso para la investigación musical y académica. Entre los fondos del Archivo se encuentran una amplia gama de materiales: desde grabaciones inéditas y fotografías, hasta carteles de sus conciertos más icónicos y premios obtenidos a lo largo de su carrera.
Así, el Archivo Miguel Ríos se erige como un referente histórico que permite a las futuras generaciones conocer y estudiar la evolución de la música popular en España a través del prisma de uno de sus exponentes más influyentes. Este espacio no sólo documenta el pasado de Miguel Ríos, sino que también refleja el impacto social y cultural que ha tenido su música en varias generaciones, proporcionando un recurso inigualable para investigadores, músicos y aficionados al rock. En esta línea, desde su constitución, la Fundación Miguel Ríos ha lanzado varios proyectos que reflejan sus objetivos. Uno de los más destacados es la colaboración con la Universidad de Granada para profundizar en el estudio y la investigación del rock, lo que permite extender el impacto de este género musical a nuevas generaciones y fomentar su presencia en la academia. Este convenio tiene como fin crear un espacio de reflexión y estudio sobre el rock y sus diferentes expresiones, consolidando a Granada como un punto de referencia para la música popular.
Por otro lado, la FMR tiene un fuerte componente solidario: trabaja en colaboración con la ONCE y otras organizaciones del tercer sector y, al mismo tiempo, organiza eventos benéficos y conciertos solidarios con el fin de recaudar fondos para estas causas.
En el plano cultural, la FMR también ha impulsado la creación del Espacio Caja Sonora, un centro cultural permanente en Granada que alberga exposiciones, conferencias y actividades formativas relacionadas con la música. Este espacio se ha convertido en un lugar de referencia para la música popular, y su primera exposición, Las edades de Miguel, fue un homenaje a la carrera de Miguel Ríos. A través de una serie de objetos personales, grabaciones, fotografías y contenido audiovisual, la muestra permitió al público recorrer más de cinco décadas de historia musical.
Dentro de la joven trayectoria de la FMR destaca su labor organizando el Festival Granada All Stars, un evento que reunió a grandes figuras del rock y de la música popular española para celebrar el 80 aniversario de Miguel Ríos. Este evento no solo fue un homenaje a la trayectoria de Ríos, sino que también sirvió para recaudar fondos destinados a los proyectos solidarios de la fundación.
En definitiva, la Fundación Miguel Ríos no solo preserva y difunde el legado del legendario músico granadino, sino que también actúa como un motor de cambio social a través de la música y la cultura. Sus proyectos, que combinan la promoción del arte con la defensa de los derechos humanos, son un reflejo del compromiso de Miguel Ríos con la justicia social y la solidaridad, convirtiendo esta fundación en un modelo a seguir dentro del ámbito cultural y filantrópico.
Recomendaciones:
Los Tientos
Un tiempo para crear a través de lo flamenco
Escrito por:
Pedro Ordóñez Eslava
Profesor Titular de la Universidad de Granada
Profesor Titular en el Departamento de Historia y Ciencias de la Música de la Universidad de Granada, Director de la Cátedra de Flamenco de La Madraza. Centro de Cultura Contemporánea de la Universidad de Granada, guitarrista flamenco y director de la Colección Música en la Editorial Comares.
Los Tientos es una oportunidad, un tiempo para el senti-pensar y una vivencia, un programa cultural y pedagógico que adopta la forma de residencia de creación en la que personas con espíritu abierto, voluntad colaborativa y ambición creativa comparten cada inicio de otoño un espacio de reflexión y experimentación a través del que provocar cruces dialógicos entre lenguajes, poéticas, disciplinas y maneras de hacer diversas.
Los Tientos como tentativa, como espacio para la experimentación, para el riesgo incluso. Los Tientos como condición necesaria para la creación. Los Tientos como ritmo de tempo lento, amable, respetuoso con los procesos de aprendizaje. Los Tientos como “energía táctil”, empática, exploradora.
Con el flamenco como territorio fértil y lenguaje vehicular y transversal, y con voluntad de confluencia entre todas las artes y lenguajes de la creación, Los Tientos se constituye en un lugar en el que personas con identidades e intereses diversos participan de una experiencia formativa y productiva significativa vital y profesionalmente.
Los Tientos se organiza como una convocatoria en la que una serie de creadores de distintas disciplinas, edades y procedencia, disfrutan de un programa de formación y una residencia de creación entre septiembre y octubre de cada año. Profesionales de prestigio participan como docentes impartiendo conferencias, talleres y asesorías personalizadas y grupales. Las residencias se organizan ofreciendo a los seleccionados espacios y recursos para poder desarrollar un proyecto de creación colectiva y coparticipativa durante el tiempo de duración del programa. Antes de finalizar la residencia, se celebran unas jornadas de puertas abiertas donde los residentes presentan públicamente los resultados –parciales– de su estancia en Granada.
Los Tientos, como iniciativa surgida desde una institución universitaria –con apoyo de otras entidades culturales– tiene como objetivos fundacionales la formación e investigación desde los distintos territorios que pueden transitar los lenguajes de la creación contemporánea. Tiene voluntad de extensión y proyección social, por lo que se articula como una plataforma con la que conectar el ámbito académico con el contexto social y cultural.
El programa Los Tientos ha sido ideado por la Universidad de Granada, a través de La Madraza. Centro de Cultura Contemporánea del Vicerrectorado de Extensión Universitaria y Patrimonio, con la colaboración de la Residencia Universitaria Corrala de Santiago, el Instituto Cervantes, la Fundación Federico García Lorca y el Consorcio Centro Federico García Lorca, la Diputación de Granada, la Escuela de Arte José Val del Omar de Granada-Fundación Robles Pozo y la Residencia Universitaria Carmen de la Victoria.
Un programa ideado y dirigido por: Antonio Collados Alcaide (Director de Promoción Cultural y Artes Visuales) y Pedro Ordóñez Eslava (Director del Área de Música y del Grupo de Estudios Flamencos)
Recomendaciones:
Espacio Caja Sonora
El espacio de la música en Granada
Escrito por:
Sara Armada Díaz
Gestora cultural en Fundación Miguel Ríos y doctoranda en Historia y Ciencias de la Música en la Universidad de Granada
Musicóloga, DJ y gestora cultural. Sara Armada Díaz compagina su carrera como investigadora predoctoral en la Universidad de Granada con su labor como gestora y programadora cultural en la Fundación Miguel Ríos, su trabajo como comunicadora y locutora en el medio Ruidosa Granada, así como con sus proyectos artísticos, Ruidosa y Rey Amarillo, donde ejerce de compositora e intérprete.
Espacio Caja Sonora es un centro cultural en Granada dedicado a la música impulsado por la Fundación Miguel Ríos, en colaboración con la CajaGranada Fundación y el Ayuntamiento de Granada. Inaugurado recientemente, este espacio tiene como objetivo ser un punto de encuentro donde las músicas populares urbanas se vinculan con otras disciplinas artísticas y sociales. Con sede en el Centro Cultural CajaGranada, Espacio Caja Sonora ofrece un entorno único para explorar la música en todas sus formas, desde conferencias hasta conciertos y exposiciones, pasando por concursos y laboratorios ciudadanos.
Espacio Caja Sonora tiene varios objetivos estratégicos. En primer lugar, busca promover y difundir las músicas populares urbanas, como el rock, el pop, el rap o la electrónica, entre otros géneros. Esto se realiza no solo mediante actuaciones musicales, sino también a través de conferencias y debates que profundizan en los aspectos culturales y sociales de la música. Un segundo objetivo clave es integrar la música en el sistema educativo, mediante la formación de docentes, el desarrollo de proyectos con conservatorios y colaboraciones con instituciones educativas como el CEP de Granada y varios IES andaluces. De esta forma, se fomenta que la música forme parte integral de la educación de las futuras generaciones.
Además, el espacio promueve una perspectiva interdisciplinaria, creando puentes entre la música y otras artes. Esto se traduce en exposiciones y eventos en los que la música dialoga con disciplinas como el cine, la literatura o la tecnología, dando lugar a un enfoque innovador que refuerza el impacto de la música en la sociedad contemporánea.
Otro de los objetivos fundamentales de ECS es apoyar a las comunidades vulnerables. Este compromiso con la solidaridad y la justicia social es un legado directo de la Fundación Miguel Ríos, una de las instituciones promotoras del espacio, que ha integrado la responsabilidad social en sus actividades desde su creación en 2022.
Espacio Caja Sonora lleva a cabo una amplia gama de proyectos que reflejan su compromiso con la música y la transformación social. Uno de sus principales programas es el ciclo de conferencias (R)Evoluciones, que explora la relación entre la música y temas sociales y tecnológicos. Estas conferencias, abiertas al público general, buscan generar debate y reflexión sobre el futuro de la música y su impacto social.
Otro proyecto destacado es el ciclo de conciertos Encuentros Soundbox, que ofrece una plataforma para que artistas emergentes de toda España presenten su música en el Teatro CajaGranada. Esta iniciativa ha demostrado ser un impulso clave para la escena musical local y nacional, permitiendo a los jóvenes talentos acceder a un escenario profesional y conectarse con otros músicos y profesionales de la industria.
El espacio también acoge laboratorios ciudadanos en colaboración con Medialab UGR, donde músicos, artistas y ciudadanos pueden trabajar conjuntamente para desarrollar proyectos creativos y sociales, utilizando la música como una herramienta de cambio y participación comunitaria.
Finalmente, las exposiciones también tienen un lugar importante en la programación del Espacio Caja Sonora. La muestra inaugural, Las edades de Miguel, rindió homenaje al legado de Miguel Ríos, presentando una cronología de su carrera a través de grabaciones, fotos y otros elementos históricos. Este tipo de exposiciones permiten conectar la historia de la música con las nuevas generaciones, ofreciendo un espacio para el aprendizaje y la inspiración.
En resumen, el Espacio Caja Sonora es mucho más que un centro cultural; es un laboratorio de ideas y un espacio de encuentro donde la música se convierte en una herramienta para el cambio social, el aprendizaje y la innovación artística. Con su enfoque en la música urbana y popular, el espacio está llamado a ser una referencia cultural tanto a nivel local como nacional.
Recomendaciones:
Rue Talent [autoetnográfico]
Rue Talent, el escaparate de la música urbana granadina
Escrito por:
Daniel Peña
Presentador de Rue Talent
Daniel Peña es presentador, ayudante de producción y director de casting en Rue Talent.
Rue Talent comenzó como un programa con música en vivo que intercalaba con entrevistas en Sala BoogaClub. La idea era dar visibilidad a artistas emergentes de la escena urbana en Granada. Siempre me ha gustado la música y descubrir nuevos artistas y cuando me animé a realizar el proyecto conté con un equipo de gente que tiene mis mismas ganas de apoyar la escena emergente. Este proyecto no podría existir sin Legro Maim (Ex-componente de LaTocha Bahnhof, Filmmaker en Boabdeal Films y organizador de otros eventos para artistas en Granada como fueron Boabdeal Party o Garden Club). Un artista muy relevante a nivel musical en el mundo musical Granadino. Poco después pasamos a realizar Rue Talent el programa donde entrevistamos a artistas emergentes desde el humor y con la idea de que contarán su verdad sobre la industria musical. El proyecto va a cumplir su tercer año y en breve comenzaremos con una nueva temporada de eventos y programas donde seguiremos trabajando en visibilizar los talentos emergentes de la música actual.
Recomendaciones:
Ruidosa Granada [autoetnográfico]
El podcast que narra el sonido, el silencio y el ruido de la escena
Escrito por:
Sara Armada Díaz
Gestora cultural en Fundación Miguel Ríos y doctoranda en Historia y Ciencias de la Música en la Universidad de Granada
Musicóloga, DJ y gestora cultural. Sara Armada Díaz compagina su carrera como investigadora predoctoral en la Universidad de Granada con su labor como gestora y programadora cultural en la Fundación Miguel Ríos, su trabajo como comunicadora y locutora en el medio Ruidosa Granada, así como con sus proyectos artísticos, Ruidosa y Rey Amarillo, donde ejerce de compositora e intérprete.
En 2022 me encontraba haciendo prácticas extracurriculares en Medialab UGR - Laboratorio de Innovación Social de la Universidad de Granada, a la vez que estudiaba el Máster Universitario en Patrimonio Musical. Me encontraba en un momento en el que, si bien ya había tenido varias “incursiones” en la escena de Granada, tan sólo conocía la superficie, y tenía muchas ganas de conocer más.
Motivada por el deseo de conocer la escena desde dentro, así como de crear un archivo sonoro que me sirviese tanto a mi como a otros aficionados de “lo emergente” a conocer mejor la situación de la música granadina, me animé a empezar Ruidosa Granada, el podcast que narra el sonido, el silencio y el ruido de la escena granadina. En un principio, Ruidosa Granada no tenía ninguna ambición más allá de desarrollar mi faceta como locutora amateur en la radio universitaria y, al mismo tiempo, servir como espacio de diálogo en el que charlar con diferentes artistas acerca de su proceso creativo o sus expectativas artísticas.
A los pocos meses de empezar, eran numerosos los grupos (emergentes y no tan emergentes) que me escribían con la esperanza de acercarse al “plató” para hablar en el podcast de su más reciente lanzamiento, de un concierto que estaba a la vuelta de la esquina o, en general, de su proyecto. Así, me di cuenta de que, sin haberlo planeado así, había creado un medio de comunicación para las bandas a menudo excluidas de los medios de comunicación. Ruidosa Granada fue creciendo así para convertirse en una vía de difusión principal para las bandas pequeñas de la ciudad.
Con más de 40 programas a las espaldas, actualmente Ruidosa Granada no es sólo un podcast, sino una plataforma de dinamización de la música local en la que los artistas van a hablar de sus discos, a reflexionar sobre la propia escena o a contar su proceso creativo.
Recomendaciones:
MAREO
Electrónica patchwork en Granada
Escrito por:
Arturo González García
Graduado en Musicología en la Universidad de Granada. Productor musical (laespadayelclavel). Promotor/sello (El Alminar).
Arturo González García es un Musicológo graduado por la Universidad de Granada y artista multidisciplinar. Tanto a través de su trabajo como productor en el proyecto "laespadayelclavel", entre otros, así como su trabajo dentro del sello “El Alminar”, muestra su interés, participación y actividad dentro de la escena musical granadina.
MAREO es un colectivo de electrónica de baile, que es conocido por su sonido y actitud House, pero que no rehuye de experimentar y trabajar con todo tipo de paletas sonoras (Progressive Techno, Electro Funk, Jersey, Miami Bass, Funk Carioca, UK Rave, 2 Step, Footwork, y un largo etcétera). Nace en Granada como resultado de la confluencia de personas con diversas influencias musicales e inquietudes intelectuales, culturales y artísticas. Desde sus inicios buscaban conformar espacios abiertos a todo tipo de público, que permitieran la hibridación y difusión de nueva música. Además, estaban influenciados por los ideales del situacionismo y el posmodernismo, entre otras corrientes de pensamiento. En un primer lugar el colectivo tendría un carácter naive y privado ya que las fiestas se realizaban en sus casas, entre amigos. Pero finalmente termina por consolidarse al pasar al club, concretamente en la sala Planta Baja alrededor del año 2019. Paralelamente uno de los fundadores, Chico Blanco, empezará a lograr notoriedad en la escena nacional, llevando por bandera esta mezcolanza de estilos que en su caso iban desde el Rap/Trap hasta el House. Con la llegada del COVID-19 y la pandemia, el colectivo tuvo que cesar su actividad como promotora/productora de eventos presenciales. Pero esto suscitó la ampliación de horizontes, dando comienzo así a su actividad como netlabel y sello. Empezaron así a grabar DJ-sets, distribuir música de artistas locales/nacionales, crear recopilatorios (tanto de artistas locales que valoraban, como en el caso de los volúmenes de MAREO; así como de edits piratas, como en “Bootylegz”), entre otras propuestas.
Como resultado, de forma paulatina el colectivo se establecerá como un engranaje musical fundamental en la escena electrónica de Granada, especialmente entre los años 2020 y 2023. Durante esta etapa se llevaron numerosas fiestas con todo tipo de invitados, teniendo como culmen la Boiler Room en Industrial Copera. Este evento supuso una materialización de la idiosincrasia que este colectivo venía mostrando a nivel nacional e internacional. Por otro lado, sirvió para poner a algunos artistas provenientes de Andalucía y de Granada en el punto de mira, como fue en el caso de Natural Language y La Plazuela. Posteriormente, los integrantes principales (8kitoo, Chico Blanco, Acidheaven, Nikki Lauda, Gazzi, ElenaBuganvilia, entre otros), abandonaron la ciudad con la intención de expandir y desarrollar sus proyectos personales. Como resultado MAREO quedaría en un segundo plano, ya que aunque se seguirían haciendo eventos en Granada y en otras ciudades, la frecuencia sería menor. En cualquier caso, el legado de este colectivo en la ciudad es inmensurable, no solo por hacer que salas como Planta Baja empezasen a acoger otras formas de fiesta, sino porque también lograron traer un soplo de aire fresco a la escena club granadina, la cual llevaba 20 años dividida entre los seguidores del Techno al estilo industrial y berlinés, y los raveros seguidores del Drum n’ Bass (y otros Breaks).
Recomendaciones:
Escena Punk en Granada
DIY
Escrito por:
ANTONIO MONSALVE GÓMEZ
Músico en Angustias
Guitarrista y voz en varios proyectos musicales desarrollados en la ciudad en los últimos 15 años; técnico de grabación acreditado por la escuela Curva Polar.
El punk, como género musical y como sacudida sociocultural, apareció en Granada de manera bastante simultánea a las grandes ciudades como Madrid o Barcelona. En Granada, destino histórico de jóvenes universitarios procedentes de todos los rincones, calaron rápidamente las tendencias renovadoras y alternativas que el mundo anglosajón (principalmente) exportaba al resto del planeta.
Así, muy a comienzos de los 80, bandas como TNT o KGB comenzaban a ser populares en la ciudad y en el resto del país, a sonar en Radio 3, y a codearse con amistades, fans y artistas en garitos como el Silbar -donde el punk ya estaba asentado- después de haber aprovechado la tarde ensayando en las míticas cuevas…
Este contexto de punk y nueva ola es la génesis de la llamada Movida granadina.
Con el transcurso de los años aparecieron más bandas relevantes, nuevos garitos, nuevos locales de ensayo… Pero sobre todo comenzó a calar el concepto de la autogestión y el DIY como único modo compatible con la libertad de acción y de expresión total.
Gran cantidad de bandas de todos los rincones del mundo, además de los grupos locales afines a este espíritu, comenzaron a pulular por el desaparecido CSO de los 15 Gatos, además de hacerlo por un circuito de salas que iba consolidándose en la ciudad (gracias a la valentía de algunos promotores).
Sirva todo lo anterior para poner en contexto y en valor lo que está ocurriendo en la actualidad en la ciudad de Granada.
En Granada, ahora, existe una escena punk vibrante gracias al espíritu heredado y a su transporte al siglo XXI. Se observa una sintonía total -incluso colaboración- entre los atardeceres dominicales del ciclo Serpiente Negra, y los conciertos organizados por colectivos como Poder Adolescente o Los Almendros.
Eventos musicales, los promovidos por estos colectivos, que apuestan con decisión por bandas 100% underground y 100% involucradas en una nueva corriente punk estatal que airea -y de qué manera- el tufillo hipermasculinizado que siempre tuvo la escena rock en general, recordándonos que el punk siempre fue – al menos por definición- inclusivo y abierto a propuestas artísticas subterráneas, radicales y diversas.
Sería un imperdonable atrevimiento nombrar bandas que actualmente mantienen viva la esencia punk pues se corre el riesgo de omitir algunas de ellas, simplemente apostillar que los subgéneros clásicos (hardcore punk, post punk…) siguen tan presentes en la ciudad como otros de floración más reciente (egg punk, electro punk…), así como la hibridación entre éstos que hacen que la escena siempre se encuentre en su mejor momento gracias a esta gran diversidad.
Recomendaciones:
La Otra Sentimentalidad
La música y el movimiento literario de La Otra Sentimentalidad
Escrito por:
Alberto Hurtado Giménez
Estudiante del doctorado en Historia y Estudios Regionales de la Universidad Veracruzana, México.
Graduado en Historia y ciencias de la música por la Universidad de Granada. Máster en Estudios Latinoamericanos por la misma universidad y Maestría en Gestión Cultural por la Universidad del Rosario, Bogotá. He realizado distintas estancias en México, en Guanajuato y Xalapa, en esta última radico actualmente, en donde comenzaré mi tesis doctoral en 2025 sobre la música en diversos archivos catedralicios y parroquiales del estado de Veracruz.
En los años 80, en Granada, surge un movimiento literario conocido como La Otra Sentimentalidad. El concepto fue utilizado como título del pequeño libro, publicado en Granada en 1983, que recoge poemas de Luis García Montero, Álvaro Salvador y Javier Egea, consideradas las tres figuras más representativas de la propuesta.
Estos poetas estaban ligados a la Universidad de Granada. Luis García Montero y Álvaro Salvador realizarían sus estudios en dicha institución, convirtiéndose en catedráticos de Literatura Española y Literatura Hispanoamericana y Española, respectivamente; por su parte, Javier Egea, si bien no concluyó sus estudios, conservó su relación con algunos estudiantes y profesores. La poesía de La Otra Sentimentalidad se fundamenta teóricamente gracias a la obra de uno de sus docentes, el profesor Juan Carlos Rodríguez, especialmente en su obra Teoría e Historia de la producción ideológica, publicada en 1974. Como escribiera Machado en su Diálogo entre Juan de Mairena y Jorge Meneses, «una nueva poesía supone una nueva sentimentalidad, y esta, a su vez, nuevos valores»; esta idea la toma Juan Carlos Rodríguez para afirmar que, partiendo de que la poesía es un «artificio» —una producción histórica—, podemos construir una nueva poesía y «romper la identificación con la sensibilidad que hemos heredado» para intentar «construir una sentimentalidad distinta, libre de prejuicios, exterior a la disciplina burguesa de la vida». Serán los poetas y las poetisas de la Otra Sentimentalidad quienes lleven estas ideas a la práctica.
Este movimiento literario tuvo un fuerte impacto nacional, convirtiéndose la ciudad de Granada en la principal escena poética del país. No sólo eran años de bonanza para la poesía, pues en esos años hubo un gran esplendor cultural en la ciudad nazarí. En una entrevista que realicé a Álvaro Salvador en 2023, el poeta afirmaba:
«En esos años se produjo la explosión […] De pronto los ayuntamientos, las diputaciones, se lanzan a apoyar la cultura. Granada es una ciudad que siempre ha tenido una vida cultural muy grande por la universidad […] Y, entonces, pues estalla. Pero no solo literariamente […] Había un grupo de pintores fantástico que trabajaban muchísimo, galerías de pintura, había músicos: el Manifiesto Canción del Sur que se había puesto en marcha en los setenta, estaba Carlos Cano ya triunfando, Joaquín [Sabina] que vuelve de Inglaterra y empieza a hacer sus discos […] Viene gente de la emigración argentina y Tato funda La Tertulia, que se convierte en un centro cultural tremendo además de bar; la universidad de Granada ha impulsado un gabinete de teatro […] que empieza a organizar una programación de teatro fantástica […] En fin, es una explosión cultural tremenda, y en medio de esa explosión estamos nosotros»
La música fue clave dentro de este movimiento. Como afirma Marcela Romano en su libro Revoluciones diminutas […], entre 1968 y 1970, Álvaro Salvador dirige la revista Tragaluz y Juan de Loxa Poesía 70, en donde participan Carlos Cano, Luis Eduardo Aute y Joaquín Sabina. Por otro lado, el bar de La Tertulia fue el principal centro de reunión, en donde convergían los poetas granadinos mencionados, un Rafael Alberti recién llegado del exilio y músicos como Sabina o Enrique Morente. También el propio Álvaro Salvador fue músico en la escena más underground de la ciudad y regaló a Juan Manuel Serrat un ejemplar de su primer libro… aunque todo esto forma parte ya de la anécdota.
Fernando González Lucini considera que, a partir de la Transición, la canción de autor española vira hacia la interioridad. No cabe duda que la poesía de la Otra Sentimentalidad influyó a músicos como Sabina que acompañaron al movimiento y dieron lugar a canciones que, desde la intimidad, lograron alcanzar proyección social.
Recomendaciones:
Colectivo Los Almendros [autoetnográfico]
Los Almendros: construyendo cultura underground desde el DIY
Escrito por:
Jesús Martínez Sevilla
Crítico musical en El Independiente de Granada
Jesús Martínez Sevilla es Doctor en Estudios de Género por la Universidad de Granada. Es crítico musical en El Independiente de Granada desde 2020 y ha publicado crónicas de conciertos y entrevistas con artistas musicales en revistas como Lumbre o Mondosonoro
En los años posteriores a la pandemia del Covid-19, la lenta y progresiva vuelta de los conciertos permitió que los aficionados a la música nos reencontráramos en persona. Pero en Granada algunos y algunas, especialmente entre las más jóvenes, echaban en falta algo más que la música en directo. Faltaban espacios donde poder tocar, faltaba variedad en los sonidos y estilos, faltaba una actitud más claramente política tanto en los músicos como en el público; y sobre todo, en suma, faltaba una infraestructura propia con la que poder impulsar eventos diferentes en lo musical y en la filosofía. Para paliar estas carencias, estas chavalas y chavales se pusieron manos a la obra y, en abril de 2023, presentaron el colectivo musical DIY Los Almendros. Este peculiar nombre viene del evento que fue el germen del colectivo: un pequeño festival casero organizado en el cortijo de dos de los integrantes, donde los grupos tocaban literalmente a la sombra de unos almendros en flor.
Desde entonces, Los Almendros vienen organizando conciertos en los que siempre abundan el punk y el hardcore en todas sus facetas, pero donde también se pueden escuchar metal, noise, rock alternativo, indie y hasta electrónica industrial. No obstante, la música es solo un aspecto de lo que hacen: tal como afirmaron en su manifiesto de presentación en sociedad, para Los Almendros no solo es importante hacer conciertos divertidos, sino que tienen la voluntad expresa de crear espacios seguros contra “el sexismo, la lgbtfobia, el fascismo y el racismo”. No es casualidad, pues, que sus eventos siempre tengan un gran ambiente, amable y acogedor, al tiempo que dispuesto al pogo y la ruidera más estruendosa. Se nota que quienes integran Los Almendros son, aparte de un colectivo cultural, un grupo de amigos que han creado el tipo de espacio que echaban en falta: conciertos baratos, donde pudiesen tocar grupos emergentes locales que no tienen acceso a las salas más grandes, así como grupos de fuera de la ciudad pertenecientes a circuitos que no solían llegar aquí, y que siempre se muestran agradecidos y sorprendidos por el buen trato del colectivo y el público. Y no solo conciertos: Los Almendros ha impulsado una representación del musical The Rocky Horror Picture Show, que planean repetir, y están abiertos a hacer talleres, mercadillos de arte o fanzines… ya sea en solitario o en colaboración con otros colectivos que hacen este tipo de actividades en Granada. Porque de lo que se trata es de contribuir a revitalizar la cultura underground local con ese espíritu DIY, colaborativo, inclusivo y políticamente comprometido.
Recomendaciones:
Del Manifiesto Canción del Sur al Núcleo de Nuevos Autores
La Canción de Autor en Granada
Escrito por:
Juan Trova
Cantautor; dr. por la Universidad de Granada (Historia del Arte)
Cantautor con 6 discos publicados, es Dr. por la Universidad de Granada en el ámbito de la Historia del Arte, centrando su investigación en la Canción de Autor, más concretamente en la interacción de esta con otras disciplinas artísticas. Presidente del Centro Lucini de la Canción de Autor desde su fundación en 2019 y director del Festival Internacional de Cantautores y Cantautoras Abril para Vivir desde su primera edición en 2001.
La Canción de Autor en la España del pasado siglo XX fue una de las manifestaciones culturales con más influencia en el devenir social de la época. Cantautores y cantautoras alzaban su voz, guitarra en mano, en pro de una sociedad más justa y libre, convirtiéndose en la voz de todas aquellas personas que no tenían la oportunidad de alzar la suya propia. Una de las formas más importantes de propagación fue a través de colectivos de lo que se llamó la Nueva Canción. Así surgieron El Setze Jutges en Cataluña (Nova Cançó), Ez dok Amariru en el País Vasco, Voces Ceibes en Galicia, Nueva Canción Castellana y Canción del Pueblo en Madrid, la Nueva Canción Aragonesa o la Nueva Canción Canaria.
Andalucía, con su epicentro en Granada, no fue ajena a esta circunstancia. De la mano de Juan de Loxa, poeta creador del programa radiofónico Poesía 70 —que llegaría a convertirse también en revista impresa—, un grupo de jóvenes creadores que buscaban afanosamente sus raíces populares andaluzas, dieron cuerpo a lo que se conoció como Manifiesto Canción del Sur. El primer recital como tal, en el que intervinieron Carlos Cano, Antonio Mata y Nande Ferrer (Antonio Fernández Ferrer), se realizó en el Aula Magna de la Facultad de Medicina de Granada el 14 de febrero de 1969. Tras este concierto el grupo fue abriéndose a otras participaciones como las de Enrique Moratalla, Esteban Valdivieso, Miguel Ángel González, Ángel Luis Luque y un largo etcétera de nombres que querían hacer del “jondismo popular” un camino de investigación por el que la nueva canción adquiriera en Andalucía un sello propio, singular.
El espíritu que movía a los/las integrantes de Manifiesto Canción del Sur era el de tomar conciencia de su propia identidad, lo cual pasaba por la búsqueda de una nueva forma de hacer canción acorde a la época, desligándose de las corrientes que entendían la llamada “copla española” ―apoyada desde todos los estamentos oficiales― como el paradigma de manifestación de la cultura andaluza, que para ellos suponía algo mucho más profundo y enraizado en un folklore que consideraban más rico. Como rezaba en su propio manifiesto:
“Hay Manifiesto Canción del Sur cuando en la manifestación músico-poética se respira el intento de acercar nuestro espíritu al resto del mundo con la intención de enriquecerlo y, en consecuencia, universalizarlo. O bien, aproximando cualquier raíz ajena hasta el Sur pasándola por el tamiz de nuestros sentimientos”.
Además de los ya mencionados fueron muchas las personas que participaron en Manifiesto Canción del Sur, como, por ejemplo, Justo Navarro, José Mª Agüi, el grupo Principio y fin, Pascual Pérez, Juan Titos, Carlos Rosales, Aurora Moreno, Ignacio Tinaud, o el por entonces joven cantautor Raúl Alcover, última incorporación a Manifiesto.
Fueron muy diferentes sus caminos tras la disolución del colectivo en 1976. De todos es sabida la trayectoria de Carlos Cano, pero no solo él se dedicó profesionalmente a la canción, ya que otros como Enrique Moratalla o Raúl Alcover también lo hicieron. Nande Ferrer y Esteban Valdivieso crearon el grupo Old Friend, o el caso de Miguel Ángel González que se dedicó a la investigación y crítica en el ámbito del flamenco, sirvan como ejemplos.
El trabajo de los componentes de este colectivo, que desde Granada se expandió al resto de España, no fue puntual ni se quedó enmarcado tan solo en una época. Su influencia llegó a mantenerse a lo largo del tiempo como lo demostró el acto realizado treinta años después de su fundación, cuando el 28 de febrero de 1999, en el Teatro Isabel la Católica de Granada se organizó un recital en el que los miembros de Manifiesto Canción del Sur cedían el testigo de lo que iniciaron en 1969 a las nuevas generaciones del momento, representadas en un nuevo colectivo surgido en 1997, el Núcleo de Nuevos Autores. En este colectivo multidisciplinar se dieron cita diferente número de artistas que a lo largo de su existencia fueron transitando por su seno. El concierto germen tuvo lugar el 7 de junio de 1997 en la Casa de Porras, emblemático espacio cultural universitario en el granadino barrio del Albaicín, ocasión en la que actuaron José Luis Pareja, Juan Trova y Adrián Barber. Además de ellos conformaron el grupo Miguel Fuster, Julen Gossíp, Elena Bugedo, Paco Damas, Diego Catena y Luis Miján, en cuanto a Canción de Autor, y en el área plástica Elizaberta López (co-fundadora junto a José Luis Pareja y Juan Trova), Raquel G. Rojas, Sandra Pinola, Joaquín Roldan y Susy Berciano.
El NNA era un colectivo que siendo conscientes, por una parte, de la diferencia existente entre el momento social que les tocaba vivir y el que habían vivido sus antecesores, y, por otra, de la propia diferenciación interna en cuanto a ideologías y pensamientos, fue capaz de aunar esfuerzos en torno a unos objetivos concretos que, partiendo del compromiso social, pasaban por el reconocimiento y la aceptación de la pluralidad y la existencia de una otredad siempre respetable, así como el afán por tener la creación artística como herramienta de cohesión, tanto individual como colectiva.
Muy probablemente el NNA vino a revitalizar la canción de autor en Andalucía en un momento en el que esta no gozaba de demasiada buena salud. Si bien había algunos nombres que a nivel nacional comenzaban a destacar como eran Ismael Serrano, Pedro Guerra o Carlos Chaouen o en Andalucía Alfonso del Valle o mi propio caso que, a la fecha de creación del colectivo, ya llevaba casi dos años dando conciertos de forma ininterrumpida, la canción de autor vivía un momento de reencuentro consigo misma y con su público, en el que el Núcleo de Nuevos Autores jugó un papel verdaderamente destacado.
Recomendaciones:
La escena de trap de El Albayzín
Prehistoria del urbano patrio
Escrito por:
Ugo Fellone
Musicólogo
Ugo Fellone investiga sobre géneros musicales y hace música más bien raruna. Esto le ha llevado a ser coordinador del Grado en Musicología de la Universidad Internacional de Valencia, presidir la Sociedad de Etnomusicología (SIbE) y fundar el sello 12 min albums.
Alrededor del paso a la segunda década del siglo XXI surgieron en distintas partes del país una serie de crews que rompieron con la hegemonía que gozaba el boom bap con letras hardcore en España. Entre ellas, en el granaíno barrio de El Albayzín, un puñado de jóvenes sin otra cosa mejor que hacer (salvo, quizás, drogarse) pusieron su mirada a lo que en ese momento se estaba cociendo en la ciudad de Atlanta, dando nacimiento al trap cantado en castellano.
Aunque se haya abusado de la etiqueta, el trap es un género fácilmente reconocible, guiado por varios elementos:
—Sus tempos relajados, con bases dominadas por el sonido de la caja de ritmos Roland TR-808 y, en especial, sus hi-hats (platillos) con figuraciones atresilladas.
—Su impronta electrónica, con subgraves penetrantes, atmósferas saturadas y arpegios de sintetizadores.
—Su especial forma de rapear, con un flow, en muchos casos a tresillos, con voces procesadas con AutoTune, en el que importa más la repetición insistente de ideas que el virtuosismo técnico.
—Sus temáticas, entroncadas en la tradición gangsta, con constantes alusiones al narcotráfico.
Esta fusión imperfecta de elementos cristalizó en El Albayzín alrededor de una crew llamada Kefta Boys (estilizado KEFTWVXYZ). Como la referencia gastronómica de su nombre sugiere, en este colectivo se puso a dialogar la realidad racialmente mixta del barrio, golpeada por la crisis de 2008, con una mirada amplia a innumerables referentes culturales, desde los más frikis a los más quinquis.
Todo comienza de la manera más humilde en las calles y casas del barrio, cantando por encima de bases preexistentes y grabando freestyles de manera precaria. Poco a poco Kefta Boys va tomando forma alrededor de DJs como Eseig Saint Laurent y un amplio plantel de raperos (El Mini, Hakim, Khaled, Estukero, Mon8Bit…). No obstante, el gran dinamizador de la crew sería El Seco. Este lleva la voz cantante en mucha de la música que saca el colectivo desde 2012, incluyendo las mixtapes POSGRVDESBOYS (con El Mini) y R.I.P. Secx 199X-1999.
En 2013, con el rebranding de Seco por Yung Beef, los Kefta Boys van ganando cada vez más notoriedad y se acepta que existe una escena musical underground bullendo en El Albayzín. El mejor ejemplo es el vídeo que suben a YouTube con el título “KEFTA VXYZ FLUSH GANG - DONT PANIK WHIT KHALED X R TYPE X CARTIER”, en el que se mezclan sendos temas de Khaled, Mon8Bit y Yung Beef. Lo novedoso de la música, con bases que van desde el rap árabe al trap experimental; el constante uso del inglés y el árabe; la alusión más explícita a la delincuencia, el lujo y la sexualidad; la estética deliberadamente cutre, en la que la chulería y el swag se dan la mano con el meme y la estética de internet… Todo estaba ahí, a la espera de ser descubierto por una generación cansada de un rap anquilosado en el pasado.
Igual que la escena de trap de El Albayzín no solo hacía trap y le daba a otras formas modernas de rap y reggaetón, poco a poco empezaron a tenderse nuevas alianzas que irían desdibujando los límites originales de la escena. Así, la irrupción de ratchets del entorno de la crew como La Zowi, los contactos con colectivos afines, como los madrileños Corredores del Bloque, o las colaboraciones, vía internet, con productores como Steve Lean, van sentando las bases a lo que ocurre una vez Khaled y Yung Beef se van a Barcelona y participan en la fundación de Pxxr Gvng. Es entonces cuando el trap rompe a nivel nacional y se sientan las bases para la construcción de una escena española de música urbana, cada vez más deslocalizada y ecléctica.
No obstante, los reales, los que ya los seguían cuando estaban en Granada, aún dicen: “yo ya estaba ahí cuando los Kefta Boys, yo ya estaba ahí cuando el trap tomaba forma en el país de la mano de un puñado de colgaos de El Albayzín”. Todo lo que vino después en la escena urbana local (Dellafuente, Maka, Saiko…) sería impensable sin estos pobres a los que ya va siendo hora de ponerles un monumento en algún mirador.
Recomendaciones:
Discos Bora-Bora [autoetnográfico]
Un sitio de encuentro de apasionados por la música
Escrito por:
Gonzalo Tafalla Martín
Socio Fundador de Discos Bora-Bora
Promotor y coleccionista de discos desde los años 90s.
Gonzalo Tafalla, nacido en Orihuela (Alicante) pero granaíno desde el año 2.000, hizo sus primeros pinitos en esto de la música sobre el año 1998 cuando creó un fanzine indie en su pueblo, ese fanzine (con más de 100 páginas) se extendía a la província de Alicante y Murcia, y por supuesto a pedidos desde todo el territorio ya que había poca información y todos buscábamos ciertos fanzines para leer entrevistas de verdad, sin censuras y sinceros.
Con las fiestas de presentación de esos fanzines empezó a ser promotor, y también Dj, con bandas como La Habitación Roja, Carrots, Manta Ray o El Niño Gusano… hasta estos días que hace una media de 10-12 producciones al año en varias salas de Granada.
Como Dj ha pinchado en innumerables lugares fuera de nuestro país como Irlanda, Inglaterra, Bélgica, Colombia y en festivales tan importantes como Benicassim, Sonorama Ribera (Aranda de Duero), Granada Sound, Canela Party (Málaga), Esmorga Festival (Lugo), Vida Festival (Barcelona), entre otros...
Desde 2012 es parte importante y necesaria en Discos Bora-Bora, tienda que nació con la intención de renovar el concepto de tienda de discos en su significado más puro, creo que fue un cambio generacional necesario en este sector ya que en las tiendas de discos no solía ocurrir nada aparte de vender discos, y otro tipo de "cadenas de tiendas de discos" o habían desaparecido o estaban obsoletas.
Entonces cuando abrió la tienda, el objetivo que tenía era ese mismo, trastocar el concepto anquilosado de la tienda de discos común y convertirlo en "un sitio donde ocurren cosas", presentaciones de libros, showcases y hasta cursos de cómo hacer sushi, han hecho de todo, tanto es así que llevan casi 600 conciertos dentro de la tienda en todos estos años.
En cuanto a los estilos de música que tienen cabida en Bora-Bora comentar que no hay ningún filtro, bueno si, el suyo propio, pero no olvidemos que es una tienda de discos y la música es música, y no tiene edad ni etnia ni el mismo sabor para todos, el público es muy diferente en una tienda de discos, hay gente que busca ediciones originales de Amon Düll o Weezer como novedades de Taylor Swift o The XX, es bonito que el público de una tienda de discos sea variopinto porque siempre se aprende algo en una tienda de discos charlando con los asiduos.
Discos Bora-Bora se podría definir como un espacio en el centro de la ciudad de Granada, donde tanto el apasionado de la música como el músico, pueden disfrutar de un amplio catálogo de vinilo y cd lleno de referencias de muchos estilos, así como comprarse un libro o una camiseta de su grupo favorito, como disfrutar de un concierto o de la presentación de un libro. Esa es la magia yo creo, nunca sabes que te vas a encontrar al entrar en la tienda.
A parte de este tipo de eventos (siempre gratuítos) y de vender discos, Bora-Bora no deja de ser una tienda de discos provinciana y debemos nutrirnos con otros productos ya que no todo el mundo tiene tocadiscos ni busca las novedades en vinilo o cd, si no que también tiene la opción de comprarse una camiseta de Arctic Monkeys, de Radiohead o de los Byrds.
A partir del año 2018 Discos Bora-Bora también funciona como sello discográfico, en estos años ha editado más de 23 referencias en vinilo y flexidisc de estilos muy eclécticos apadrinanado bandas tan diversas como Perro, Cala Vento, Colectivo Da Silva, Las Dianas, Marcelo Criminal, Radio Palmer, Adiós Amores, Morreo, Detergente Líquido, Asunción, Los Mejillones Tigre, Estrella Fugaz, The Gulps, Deshollinador, Caraballo, Doctor Explosión, José Antonio García (091), King Gizzard and the Lizard Wizard, Tic Muay Thai, Valparaíso, Antonio Arias y Fernando Alfaro, Apartamentos Acapulco, Beta Máximo y Ariadna Punsetes. entre otros.
Ha participado en conferencias internacionales como en la Universidad Ean de Bogotá (Colombia) dentro del Festival Bime, en el Big Up (Murcia) o en el programa “Hoy empieza todo” de Rne3, demuestran su trayectoria musical traducida en oratoria infinita de conocimientos y anécdotas dentro de esta industria.
Predecir el futuro nunca resulta bien, pero lo único que sabemos a ciencia cierta es que la música es su pasión.
Recomendaciones:
Escena Jazz de Granada
Jazz en Granada
Escrito por:
Miguel de Gemma
Saxofonista y compositor
Saxofonista y compositor de jazz con dos discos publicados como líder titulados Arcanos y 2. Artista activo en múltiples proyectos
El jazz en la provincia de Granada tiene su representante más longevo en el Festival Internacional de Jazz de Granada que cuenta con 44 ediciones. No obstante, hoy en día es la asociación de jazz de Granada, Ool Ya Koo, la que lleva la voz cantante en cuanto a la programación. Con más de diez años de experiencia, ahora centra su actividad en su local en Almona del Boquerón donde se realizan conciertos y jam sessions de jueves a domingo. Además de la programación regular cuenta con un amplio plan formativo; dos Big Band, la Ool Ya Koo Big Band y La Vin! Band; y otras agrupaciones como La Desorquesta, de estilo free jazz, o el Coro Gospel de OYK. También está en su haber el ciclo de verano Jazz en la Plaza, en colaboración con la Fundación Caja Granada, y las diez ediciones del concurso de arreglos para Big Band que realiza junto con la SGAE. La ciudad de Granada ha acogido a grandes músicos que han mantenido siempre una escena activa del jazz, no sin altibajos condicionados por la inestabilidad de locales privados que abren y cierran y los cambios de la normativa municipal respecto a la música en directo. En estas circunstancias Granada ha sido siempre un lugar de creación por donde han pasado grandes músicos que han dejado su huella en el público y en la formación de nuevas generaciones. Personalidades como Paul Stocker, Eneko Alberti, Dan Ben Lior, J.M Petaca han sido fuertemente influidos en su propio desarrollo artístico por sus etapas granadinas al mismo tiempo que han dejado su impronta en la ciudad. En la actualidad este escenario de confluencias jazzísticas se materializa en la actividad de diversos músicos, tales como Dani Cano, Miguel de Gemma, Alejandro Tamayo, Carlos Ligero, Alberto Martín, Beatriz Vela, Elena Berrocal, David Defries, Cote Calmet, Kiko Aguado, Jaume Miquel, Zeque Olmo, Carmen Alcolea, Arturo Cid, Eric Kopetz, entre otros.
Cabe destacar al laureado trompetista Julián Sánchez que si bien no reside en Granada es originario de tierras nazaríes y a menudo participa en la actividad musical de la ciudad. También es digno de mención la incorporación de mujeres que poco a poco se va produciendo y que encuentran modelos granadinos en la tristemente fallecida Celia Mur o en la consagrada Teresa Luján. Como resultado de las búsquedas de estos y otros artistas han surgido diferentes tipos de proyectos, algunos de larga trayectoria y otros de reciente aparición, entre los que destacan Veiculo Longo, Miguel de Gemma Quintet, Daniel Cano Trio, Potato Jazz Band, Jose Luis Lopretti Trio, David Defries and the New Gutbucket Academy, Senses of Values, Le Gatto Swing, Las 3 Pesetas, Valentín Bruno Band, Triana Jazz. Junto con la actividad de músicos residentes, la capital granadina siempre ha sido un referente en las giras y actuaciones de artistas del panorama jazzístico nacional (Enrique Oliver, Ramón Cardo, Jorge Pardo, Rita Pagés, Irene Reig, Marco Mezquida, Chano Domínguez, Michael Olivera, etc.). La presencia de los grandes referentes internacionales ha venido de la mano generalmente del Festival Internacional de Música de Granada, pero ahora con la asociación Ool Ya Koo como núcleo de acción cultural la ciudad es un lugar elegido por estos músicos de manera regular. Gracias a ambas iniciativas hemos podido escuchar a Kenny Garret, Melisa Aldana, Chucho Valdés, Christian Scott, Alfredo Rodríguez, Henrique Albino, Baptiste Herbin, Joel Frahm, etc. No obstante, esta actividad no se reduce al núcleo capitalino sino que expande su órbita a la provincia con otros festivales como el Festival de Jazz de Almuñecar, Jazz en el Desierto en Galera, Jazz en el Lago en Atarfe, Jazz Te Digo en Baza o Iznajazz en Iznajar. La vida cotidiana del jazz en Granada discurre históricamente en locales privados, como el ya cerrado pub Pícaro o el Eshavira Club u otras salas de conciertos como el Booga, la Taberna JJ o la Planta Baja. Nuevamente las asociaciones de jazz suponen un nuevo impulso a este género ya que dotan a la ciudad de una programación que estos espacios privados no pueden asumir. En efecto, el movimiento asociativo es fundamental en el desarrollo actual del jazz granadino. Una situación que no es exclusiva de esta ciudad sino que se enmarca en una red de asociaciones presentes en toda Andalucía agrupadas en la federación Andajazz.
Recomendaciones:
José Luis Lozano
Un referente del videoclip en España
Escrito por:
Eduardo Viñuela Suárez
Profesor de Musicología en la Universidad de Oviedo
Eduardo Viñuela es profesor titular en el Dpto. de Hª del Arte y Musicología de la Universidad de Oviedo. Es miembro del grupo de investigación GIMCEL, donde investiga sobre músicas populares urbanas y medios audiovisuales.
La figura de José Luis Lozano (Granada, 1960 – Melilla, 2015) encarna el carácter polifacético de los realizadores audiovisuales en nuestro país; una profesión en la que la especialización resulta difícil y en la que la creatividad debe adaptarse a diferentes lenguajes y formatos. Así, el cine, la publicidad y el videoclip (también el teatro) son terrenos en los que Lozano ha dejado su sello desde principios de los años ochenta como director, guionista o productor. Una carrera heterogénea de más de treinta años en la que se puede apreciar la evolución de este autor desde los cortometrajes y videoclips marcadamente postmodernos y ligados al Madrid de la Movida (“Embrujada” [1983], “Lobo hombre en París” [1984]) a la prolija realización de spots durante los años ochenta y noventa para distintas agencias, pasando por la dirección de películas de culto, como En penumbra (1985). Su trayectoria ha estado marcada por el uso de colores saturados, el empleo dinámico de la cámara y una narrativa cargada de simbología que entronca con el surrealismo y que es capaz de dar un carácter onírico incluso a las situaciones más cotidianas. Su trabajo ha sido reconocido con varios galardones nacionales e internacionales y se ha desarrollado desde sus propias productoras: Corazón Films, Isis Films y La III República Producciones Cinematográficas, con las que ha diseñado proyectos en España, Portugal, Marruecos o Túnez.
A continuación, abordamos su producción atendiendo a los diferentes géneros audiovisuales que componen la obra de este autor:
1. Videoclips: Ha dirigido cerca de 30 videoclips entre 1983 y 2003, siendo uno de los creadores pioneros en la profesionalización de este género audiovisual en España, así como uno de los directores con mayor trayectoria en la dirección de vídeos musicales. Este trabajo permite observar la evolución del videoclip en España a través de diferentes géneros musicales (pop, rock, glam, balada, rumba o techno) y figuras reconocidas en el panorama nacional como Tino Casal, Alejandro Sanz, Lolita, Antonio Vega, Manolo Tena, Isabel Pantoja o Locomía.
2. Publicidad: Desde el año 1985 la realización de spots ha sido una de las principales actividades de Lozano. En su catálogo encontramos más de un centenar de anuncios que ha dirigido para agencias como Danis Benton and Bowles, HCM, Lintas, Saatchi&Saatchi, Delvico Bates, Tándem DDB, Pietro Bassat, realizando spots para todo tipo de productos y marcas, como Cola-Cao, Tefal, Cherry Coke, Fanta, Ray-Ban, Ford, Ono, El Pozo, etc. Una trayectoria que cuenta con proyectos reconocidos con premios internacionales, como el León de Plata en el Festival de Cannes (1997) o el premio del Festival de Publicidad de Túnez (2001).
3. Obra cinematográfica: Su película más reconocida es En penumbra (1985), seleccionada para la sección oficial del Festival de cine de Berlín; más tarde rodaría En la mano de King Kong (2011), un film conducido por las palabras de Amelia Valcárcel. Además, ha dirigido varios cortometrajes, entre los que destaca Embrujada (1983), cuyo metraje sirvió para producir el videoclip homónimo de Tino Casal.
El carácter heterogéneo de la obra de José Luis Lozano responde a una trayectoria marcada por los lugares que ha habitado. En su Granada natal recibió la formación musical, se inició en el terreno de la creación y dirigió el Cine Club Universitario programando ciclos muy rompedores para la época, tanto en estética como en temáticas. El Madrid de la Movida marcó los inicios de su carrera y una época en la que Lozano experimentaba con el lenguaje audiovisual para buscar nuevas formas de expresión personal. Una beca Fulbright le llevó a formar parte del Independent Film Project en Nueva York a finales de esta década, y su etapa en Túnez y Marruecos, donde fijón su residencia en los 2000 amplió la paleta de colores en sus producciones. La trayectoria de Lozano fue una constante búsqueda, una apuesta por la creatividad experimentando con los géneros audiovisuales y con la música como pilar de gran parte de sus creaciones.
Recomendaciones:
Operación Triunfo
De programa de televisión a fenómeno musical y sociocultural
Escrito por:
Fernando Martínez Martínez, Francisco Javier Duque Matoso
Asesor comercial en LogigRail (Fernando Martínez); Archivista (Francisco Javier Duque)
Fernando Martínez Martínez: Musicólogo. Francisco Javier Duque Matoso: Grado en Historia y Ciencias de la Música. Máster en Patrimonio Musical. Podcaster. Sonido. Radio. Gestión cultural. Archivo Manuel de Falla. Telepizza. Lefties (Adecco).
Operación Triunfo (“OT”) es un concurso musical producido por Gestmusic, emitido en sus inicios por Televisión Española y cuyos objetivos fueron tres: el formato lanzamiento de tres carreras discográficas, un disco y una campaña de publicidad y representar al país en el Festival de la Canción de Eurovisión. Este formato ha ido desligándose de algunos de estos, como por ejemplo, ser una preselección eurovisiva. A lo largo de sus ediciones, ha transformado la industria musical española, proporcionando una plataforma para descubrir y formar nuevos artistas. Este éxito, se debe en parte a su dimensión de reality show, a través del seguimiento continuo de la formación vocal, escénica y musical de los concursantes en la Academia, a nivel de otros certámenes como Gran Hermano. Operación Triunfo ha tenido un gran impacto en la sociedad de masas española, y ha ampliado la forma en que los artistas pueden acceder al mercado, al mismo tiempo que refleja las tendencias sociales y musicales contemporáneas.
Este programa posibilitó la democratización de acceso a la industria musical, permitiendo que sus concursantes pudieran acceder a un contrato discográfico. Esto ha propiciado que un gran número de ellos continúen con sus carreras musicales hoy día. Operación Triunfo ha mostrado una diversidad de géneros musicales, como pop, rock, copla, flamenco, trap y reggaetón, entre otros. Esta mezcla de estilos refleja y amplifica las corrientes musicales actuales, ha ayudado a ampliar los gustos musicales del público y a revisitar obras de décadas anteriores.
Sumado al impacto en términos musicales, la Academia y el formato de galas ha generado un espacio donde se han discutido temas sociales de actual calado, como la diversidad racial, la inclusión de la comunidad LGTBIQ+ y la igualdad de género. Los concursantes, a través de sus experiencias personales, han representado a diferentes sectores de la sociedad, lo que ha generado un fuerte vínculo emocional con la audiencia.
En sus doce ediciones, han participado seis concursantes provenientes de la provincia de Granada: Rosa López en 2001, Fran Dieli en 2005, Miriam Doblas (Lola Índigo) en 2017 y Pablo (Paul Thin) Suárez, Violeta Hódar y Almudena (Denna) Ruiz en 2023. Sobre esta primera, ganadora de la primera edición en 2001, es una de las figuras más queridas y recordadas del concurso. Representó a España en Eurovisión 2002, logrando una gran acogida con Europe’s Living a Celebration. Conocida como "Rosa de España", su talento y humildad conquistaron al público, poniendo a Granada en el mapa musical popular nacional e internacional. Rosa, señalada a menudo por su físico, sigue siendo una referencia en el ámbito de OT y ha tenido una carrera mediática tras su paso por el programa.
Miriam Doblas (Lola Índigo), nacida en Huétor Tájar y primera eliminada en la edición de 2017, se ha consolidado como una de las artistas más escuchadas del pop actual español. Su estilo combina el baile urbano con el pop, el reggaetón, el trap y los toques flamencos, lo que le ha permitido conectar con una nueva generación de oyentes, en parte apoyado por las colaboraciones con otros artistas del panorama mainstream. Tras su paso por OT, ha tenido un gran éxito comercial, y su influencia ha ayudado a dar visibilidad a Granada como una ciudad creativa y musicalmente vibrante en el panorama actual. Prueba de ello reside en su EP llamado GRX, en el que colabora con artistas granadinos como La Zowi, La Plazuela o Saiko.
En la actualidad, la última edición de Operación Triunfo (2023) ha contado con otros tres artistas granadinos. Hoy en día, los contratos discográficos de ellos con Universal Music siguen vigentes, así como el de Lola Índigo. De hecho, Denna, Paul Thin y Violeta se encuentran en la búsqueda de sus propios estilos y proyectos musicales, destacando el subcampeón Paul Thin con sus singles Dónde y Alondra, publicados este año.
Desde una perspectiva musicológica, Operación Triunfo se podría entender como un fenómeno sociocultural, único y de masas, que puede abrir líneas de investigación propias como su enfoque pedagógico de la música, la importancia de la interpretación en los concursos televisados y la hibridación y/o expansión de diferentes géneros musicales, especialmente en el ámbito de las músicas populares urbanas.
Recomendaciones:
Carlos Díaz
Grabando, el sonido de la Vega
Escrito por:
Ricardo de la Paz Ruiz Morón
Doctorando en Musicología en Universidad de Granada
Ricardo de la Paz es músico, musicólogo y productor. Trabaja como docente de Música y realiza un doctorado en la UGR. Sus líneas de investigación se centran en el estudio del flamenco de los siglos XX y XXI, las músicas populares urbanas y las nuevas tecnologías.
Carlos Díaz es un músico, productor e ingeniero de sonido con una sólida carrera. Nacido en Madrid en 1979, Díaz se formó en la Escuela Internacional de Audio (SAE) y, desde 2003, se convirtió en una pieza clave de la escena musical granadina, grabando a numerosos artistas locales como Niños Mutantes, Los Planetas y Lori Meyers. Comenzó trabajando de manera independiente y posteriormente integrado en reconocidos estudios de grabación como Producciones Peligrosas y Gismo7.
En 2018 inauguró su propio estudio en la Vega de Granada, concretamente en un cortijo andaluz llamado Santa María de la Vega, que data del año 1780. Un espacio versátil, cómodo y bien equipado situado en un entorno privilegiado. El mismo contaba con una sala principal -que sería el salón de la casa- de 70 metros cuadrados, techos de cuatro metros de altura y unas increíbles vistas de Granada y Sierra Nevada, que contribuían a crear una atmósfera especial para los artistas.
En agosto de 2024, Díaz trasladó su estudio a una nueva ubicación, también en un edificio histórico de la Vega de Granada y conocido como El Cobertizo. Esta vez, el estudio ha sido diseñado y construido con la ayuda del renombrado ingeniero acústico Philip Newell. Al igual que en Santa María de la Vega, el nuevo estudio no solo cuenta con espacios para la grabación, sino que también ofrece alojamiento para los artistas, con el objetivo de crear un ambiente único y propicio para la creación.
La sala de control del estudio de Carlos Díaz está presidida por una consola API 1608 cargada con 12 eq 550a, lo que proporciona una calidad de sonido excepcional y una gran versatilidad en la producción. El estudio cuenta con numerosos preamplificadores externos clase A, como Neve, Bae y Raindirk, dos grabadores de cinta Studer y sistema Pro Tools. Además, dispone de un outboard de las principales marcas profesionales de audio, incluyendo Tube-Tech, Summit audio y API, entre otras. Microfonía de alta gama como Neumann, Telefunken y Coles, y una gran cantidad procesadores de efectos analógico. En cuanto al backline, el estudio ofrece una colección de instrumentos que permite a los artistas experimentar con diferentes sonidos y texturas, entre los que destaca una batería Ludwig Blue Oyster Pearl, un piano de cola pequeño August Förster de 1859 restaurado y un amplificador Marshall Super Lead del 68, entre otros.
A lo largo de su carrera, Carlos Díaz ha participado en numerosos y destacados proyectos como el disco de los Planetas Zona temporalmente autónoma (El Ejército Rojo & El Volcán Música, 2017). También ha trabajado con bandas como Melange y Mohama Zas y, en el ámbito internacional, colaboró en el proyecto de Amparo Sánchez Tucson-Habana ([PIAS] Recordings, 2010), donde trabajó junto a la banda estadounidense Calexico. En este proyecto, se encargó de la grabación en Tucson, mientras Keke Alcaraz hizo lo propio en La Habana, en los estudios EGREM, resultando un álbum único. También ha participado en multitud de producciones como el álbum Milagro (Sony Music Entertaiment España, 2021) de Dellafuente, Lo que pide el cuerpo (Casamaracas, 2021) de Las Dianas o Roneo Funck Club (Universal Music Spain, 2023) de La Plazuela.
Además de los artistas ya mencionados, Carlos Díaz ha trabajado con una amplia variedad de músicos y bandas. Entre ellos se encuentran José Ignacio Lapido, Eskorzo, El Puchero del Hortelano, Amparanoia, Al Supersonic & The Teenagers, Lagartija Nick, Roy Ellis & The Teenagers, Fuerza Nueva, Los Pilotos, Napoleón Solo y Zutaten. También con Fangoria, Aurora, Jean Paul, El Hombre Garabato, Pájaro Jack, Arco, Éter, La Cultural Solynieve, 091, Arista Fiera, Apartamentos Acapulco, Juan Gris, Trepàt, Soleá Morente, Lemon Parade y Sr. Chinarro. Entre los más recientes hay artistas y bandas como Los Mejillones Tigre, Radio Palmer, Sara Curruchich, Chico Blanco & Soto Asa, Lorena Álvarez, Carrera, Las Retamas, Derrumbe, ANDO, La Trinidad, Orina, Sra. Robinson, Caraballo, Florent y Yo, JJ Fuentes, ¡Amigas!, Alonso, Niño de Elche, Blam de Lam y Red Soul Community.
Carlos Díaz se ha consolidado como uno de los productores e ingenieros más influyentes, no solo de la ciudad de la Alhambra sino de la escena musical española en general y, aunque su influencia es especialmente notable en el ámbito independiente, su trabajo trasciende géneros y estilos. Su capacidad para adaptarse a las necesidades de cada artista lo han convertido en un referente para aquellos músicos que buscan desarrollar su sonido y su pasión por la producción continúa inspirando a las nuevas generaciones de artistas.
Recomendaciones:
Producciones Peligrosas
Peligros, El Ombligo del Mundo
Escrito por:
Doctorando en Musicología en la Universidad de Granada
Ricardo de la Paz es músico, musicólogo y productor. Trabaja como docente de Música y realiza un doctorado en la UGR. Sus líneas de investigación se centran en el estudio del flamenco de los siglos XX y XXI, las músicas populares urbanas y las nuevas tecnologías.
Ricardo de la Paz es músico, musicólogo y productor. Trabaja como docente de Música y realiza un doctorado en la UGR. Sus líneas de investigación se centran en el estudio del flamenco de los siglos XX y XXI, las músicas populares urbanas y las nuevas tecnologías.
Producciones Peligrosas es un estudio de grabación situado en la localidad de Peligros (Granada), propiedad de los hermanos José A. y Pablo Sánchez. Este estudio se ha convertido en pieza clave del indie, el flamenco, el rock y el pop de la capital granadina, contando con más tres décadas de trayectoria. El estudio se inauguró en 1995 y desde entonces ha mantenido una estrecha y constante relación con la escena musical de la ciudad, consolidándose a nivel nacional.
El estudio fue diseñado y construido por Philip Newell (Blackburn, 1949), un reconocido ingeniero y asesor acústico, exdirector de la división técnica de estudios de grabación de Virgin Records (1973-1982), entre otros. Como es habitual en sus proyectos, Newell se encargó de todo el proceso, desde la insonorización al tratamiento acústico y el montaje técnico, asegurando una experiencia sonora excepcional. El estudio consta de una sala de control non-environmental, diseñada para minimizar las reflexiones sonoras y ofrecer una escucha precisa, una sala de grabación dividida en dos partes con una zona una más viva y otra seca que aportan diferentes sonoridades y un área de descanso. Cuenta con una consola MCI JH400-B de 28 canales del año 1976, además de diferentes preamplificadores externos, microfonía de alta calidad y gran cantidad de outboard y backline vintage, como un Fender Rhodes Seventy Three y un órgano Hammond T222 con Leslie incorporado.
En el estudio destaca el trabajo de los hermanos Sánchez. José A. Sánchez (Granada, 1967) comenzó como técnico de sonido y productor en su propio home studio desde donde comenzó a trabajar con artistas emergentes del momento como Los Planetas o Amparo Sánchez “Amparanoia”. Por su parte, Pablo Sánchez (Granada, 1970) ha desarrollado una carrera a través de diversas áreas y procesos de la industria musical: como asistente del ingeniero o productor, como productor artístico y ejecutivo, como ingeniero de grabación, ingeniero de mezcla y mastering o, incluso, abarcando todas las áreas del proceso de creación musical.
Además, Pablo fue íntimo colaborador y técnico personal del cantaor Enrique Morente durante sus últimos años de actividad musical, favoreciendo los procesos creativos del artista en su propio estudio de grabación casero. La conexión de los hermanos, su pasión por la música y su habilidad técnica han sido fundamentales para el éxito Producciones Peligrosas, labor que compatibilizan con la de técnicos de directo, de FOH y PA para grandes artistas y bandas.
La nómina de artistas que han pasado por Producciones Peligrosas es muy extensa, pero podríamos destacar algunos músicos de la talla de José Ignacio Lapido, Estrella Morente y Michael Nyman, Lagartija Nick, El hombre Garabato, Lori Meyers, Miguel Ríos, Tomatito, Vicente Amigo, Kiko Veneno, Sr. Chinarro, Chano Domínguez, Juan y Pepe Habichuela, Jorge Pardo, Josemi Carmona y Violadores del Verso.
En él se han producido, mezclado o masterizado trabajos discográficos de gran relevancia. Entre ellos, Pablo de Málaga (Discos Probeticos, 2008), uno de los últimos trabajos de Enrique Morente en forma de homenaje a Pablo Picasso. También destaca el retorno discográfico de la banda 091 con La otra vida (Warner Music Spain, 2019), el regreso después de más de veinte años de una de las bandas más emblemáticas del rock granadino. Además, el estudio ha sido escenario de proyecto especiales como el disco homenaje Recordando a Triana (Warner Music Spain, 2014), donde diversos artistas rinden tributo a la mítica banda de rock andaluz y el recopilatorio El ombligo del mundo (Pablo Sánchez, 2022), una oda en forma de crossover protagonizada por los principales artistas granadinos que han pasado por Producciones Peligrosas a lo largo de su historia.
Sus paredes han sido testigo y protagonista de una época clave para las músicas populares y urbanas, especialmente durante los momentos de mayor transformación en la industria musical. A pesar de los desafíos, Producciones Peligrosas ha sabido adaptarse y seguir evolucionado, manteniendo su personalidad sonora y continuando como un referente para músicos y productores. Historia viva de la música ganaína [sic.].
Recomendaciones:
La Casa Estudio
Como en Casa en ningún sitio
Escrito por:
Ricardo de la Paz Ruiz Morón
Doctorando en Musicología en la Universidad de Granada
Ricardo de la Paz es músico, musicólogo y productor. Trabaja como docente de Música y realiza un doctorado en la UGR. Sus líneas de investigación se centran en el estudio del flamenco de los siglos XX y XXI, las músicas populares urbanas y las nuevas tecnologías.
La Casa Estudio es un estudio de grabación, mezcla y mastering propiedad del famoso productor Martin Glover (Johannesburgo, 1960), más conocido como Youth. Durante la producción de uno de los albúmes de Crowded House, Youth quedó impresionado por las virtudes de un estudio ubicado en Nueva Zelanda y decidió replicar la experiencia en Europa. Tras buscar varias ubicaciones encontró una propiedad en ruinas en el Valle de Lecrín, a poca distancia del pueblo de Albuñuelas y a media hora de Granada, donde comenzó la construcción de su propio estudio en 2007. El resultado fue La Casa Estudio, una hermosa villa entre olivares, diseñada en un estilo de inspiración neomudéjar con ocho habitaciones y una casa extra de invitados. Todo ello pensado para el alojamiento de los músicos durante las sesiones de grabación, en un ambiente creativo, único y especial, con unas privilegiadas vistas a Sierra Nevada.
Youth ha colaborado con importantes figuras de la música mundial como Killing Joke, The Fireman, The Orb, The Verve, Paul McCartney y Pink Floyd, entre otros. Por su parte, Iván Moreno (Madrid, 1979) es el ingeniero residente de La Casa Estudio. Con una extensa experiencia en la escena musical granadina, como la familia Morente, Los Planetas o Los Evangelistas, ha trabajado con destacados artistas nacionales e internacionales y es pieza clave en el engranaje del estudio.
El estudio de grabación fue diseñado por Terry Ottley de Olympic Studios (Londres), bajo estrictas especificaciones de alta calidad acústica y con equipos de grabación avanzados. La sala de control cuenta con una TL Audio VTC Valve Console de 32 canales y goza de luz natural. La sala de grabación dispone, además, de cinco cabinas de aislamiento con puertas de vidrio desde techo al suelo. Al mismo tiempo, muchos otros espacios de la propia casa pueden ser utilizados para las grabaciones, invitando a infinitud de posibilidades. El estudio ofrece una amplia gama de outboard y una extensa colección de backline vintage donde destacan, por ejemplo, dos baterías Ludwig de los años setenta, así como guitarras eléctricas y amplificadores de los años sesenta.
A lo largo de las décadas, La Casa Estudio ha acogido sesiones de destacados artistas granadinos, nacionales e internacionales como Niños Mutantes, Toulouse, Soleá Morente, Apartamentos Acapulco, Phisqa, El Amir, Los Planetas, 091, Hora Zulú, Carolina Duranteo, Don Patricio, The Blow Monkeys y Laylow, entre muchos otros muchos. De la extensa lista de producciones, podemos destacar el disco de Los Evangelistas Homenaje a Enrique Morente (Sony Music, 2012), grabado en El Refugio Antiaéreo y mezclado en La Casa Estudio, así como el regreso discográfico de 091, titulado La otra vida (Warner Music Spain, 2019), grabado entre la Casa Estudio y Producciones Peligrosas, y mezclado en Gismo7.
En su etapa más reciente, debido a la capacidad de generar ambientes inspiradores, La Casa ha propiciado la configuración de numerosos hubs creativos. Estos espacios de retiro son especialmente populares en la música urbana, donde artistas y productores se reúnen para componer de manera colaborativa. De estas conexiones han surgido trabajos como GRX (Universal Music Spain, 2024) de Lola Índigo, donde la cantante colabora con los artistas granadinos DELLAFUENTE, Pepe y Vizio, Maka, La Zowi, SAIKO y La Plazuela. Curiosamente, en la imagen del primer sencillo titulado “Mala Suerte” aparece una fotografía de la cantante en La Casa desde su piscina. También destaca la producción del álbum Tori Yama (MAAS,2024) de DELLAFUENTE.
La Casa Estudio se ha consolidado como un espacio único que trasciende las funciones de un estudio de grabación convencional. Al combinar su vocación internacional con un profundo compromiso con la escena musical local han logrado su objetivo: crear un espacio donde la creatividad y la colaboración fluyen de manera excepcional en un entorno natural privilegiado.
Recomendaciones:
FJR Estudios
Más de 40 años al servicio de la música
Escrito por:
Ricardo de la Paz Ruiz Morón
Doctorando en Musicología en la Universidad de Granada
Ricardo de la Paz es músico, musicólogo y productor. Trabaja como docente de Música y realiza un doctorado en la UGR. Sus líneas de investigación se centran en el estudio del flamenco de los siglos XX y XXI, las músicas populares urbanas y las nuevas tecnologías.
FJR Estudios es un espacio de grabación, mezcla y mastering con más de 40 años de historia, ubicado en el Distrito Centro de la ciudad de Granada. A lo largo de las décadas, este ha desempeñado un papel crucial en la escena musical granadina y más allá, contribuyendo al desarrollo de artistas de diversos géneros musicales.
El propietario, fundador y principal productor del estudio es Fernando J. Romero (Granada, 1962). Especializado en jazz, folclore y música académica, inició su carrera en el mundo de la grabación a comienzos de los años 80, utilizando un equipo de ocho pistas en su propia casa. Allí comenzó a experimentar y a colaborar con bandas locales, asentando las bases de su trayectoria profesional.
Después de trabajar en un pequeño local durante los primeros años, en 1984 fundó FJR Estudios en su ubicación actual. Desde entonces, este estudio ha sido sede de innumerables proyectos musicales y ha sido renovado en diversas ocasiones para mantenerse siempre a la vanguardia tecnológica. La última y más significativa reforma ocurrió en 2007, condicionando, a través de los servicios ofertados, el perfil de sus clientes. Así, el estudio pasó de recibir bandas de pop-rock de la escena musical granadina a atraer perfiles más alineados con el jazz y la música académica, tanto a nivel nacional como internacional.
El estudio cuenta con dos salas de grabación totalmente equipadas que permiten el desarrollo de proyectos simultaneo, a través de dos salas de control independientes. La sala de control principal está presidida por una de las pocas Solid State Logic Duality de 48 canales existentes en España y una pareja de monitores Bowers & Wilkins 802 Diamond, utilizados en estudios de renombre como Abbey Road. La segunda sala de control funciona a menudo como hub de producción y está conectada al resto del estudio, facilitando el flujo de trabajo.
FJR Estudios posee un equipamiento de primer nivel. Su outboard y backline de alta gama es un reclamo para clientes potenciales, destacando preamplificadores y procesadores de audio Neve VR, Manley Vari Mu y DBX, así como su gran colección de microfonía entre los que se incluyen tres Neumann u87, cuatro KM 184, un M149 y dos Sony C800G, entre muchos otros. Además, cuenta con una amplia colección de instrumentos de las principales marcas como DW, Santafe, Fender y Gibson, y amplificadores Marshall, Orange y Fender Twin Reverb, destacando un piano de cola Sauter Concert 275.
A lo largo de su historia, FJR Estudios ha estado presente en los inicios de bandas locales como TNT y 091, y en el éxito de la escena indie en los 90, participando en grabaciones de Los Planetas, Lagartija Nick y Surfin' Bichos. Fernando J. Romero realizó la primera grabación de estudio de Los Planetas, el EP titulado Medusa E.P. (Elefant Record, 1993), y el último trabajo discográfico de la cantante de jazz Celia Mur. Durante su extensa carrera, Romero ha colaborado con importantes figuras como Enrique Morente o Joe Strummer, el líder de The Clash, con quien formó una amistad a su paso por Granada que casi los llevó a asociarse en el estudio. Con el tiempo, la lista de artistas ha crecido incluyendo cada vez más músicos internacionales, como Jerry González.
Además de la producción musical, en FJR Estudios también se realizan trabajos para cine, como El corazón del dragón o una colaboración de Antonio Banderas para una película de animación. En la actualidad, el estudio recibe una gran cantidad de proyectos online para mezcla y masterización provenientes de todas partes del mundo. Todo un ejemplo de cómo la pasión por la música y la dedicación profesional, acompañadas de los medios adecuados, pueden transformar un proyecto local en un referente internacional.
Recomendaciones:
Pub Ruido Rosa
Catalizador de iniciativas
Escrito por:
ANTONIO MONSALVE GÓMEZ
Músico en Angustias
Guitarrista y voz en varios proyectos musicales desarrollados en la ciudad en los últimos 15 años; técnico de grabación acreditado por la escuela Curva Polar.
Este pequeño lugar de la calle Sol de la ciudad de Granada ha funcionado desde siempre como punto de encuentro de músicos y artistas durante varias generaciones.
Fundado en 1987 por músicos vinculados a la banda 091, comenzó siendo un auténtico olimpo para los fans de la sicodelia y del garaje rock más militante de las décadas de los 60 y 70 en adelante. Desde el primer día los granadinos más alternativos han bajado por sus icónicas escaleras, así como visitantes ávidos de lisergia y rock and roll, o universitarios curiosos, que no dejaban pasar la oportunidad de acodarse en la barra junto a la fiel clientela que siempre se ha dejado caer por el Ruido.
Durante décadas, Ruido Rosa ha creado escena y ha sido uno de los epicentros de la misma. Muchas de las bandas de la ciudad se han formado entre sus cuatro paredes; y las que no, sí que se han reunido en algún recoveco de la barra durante mil y una noches para tratar u olvidar sus asuntos.
En la actualidad, la gestión del negocio está en manos de Sergio Vela, conocido en la ciudad gracias a su participación en diferentes proyectos musicales y por su emblemática y persistente presencia en la escena.
En muchos sentidos, esta nueva etapa es una clara continuación de la anterior, ya que Ruido Rosa sigue funcionando como piedra angular de la escena granadina, como verdadero catalizador de iniciativas. Allí siguen formándose bandas, allí se contacta con el diseñador de la portada de tu próximo disco o se tratan los detalles de realización o edición de algún proyecto audiovisual en proceso… La escena surge y se consolida cada noche en Ruido Rosa. Y sus habituales son una gran familia.
Si hay algo que llama la atención, para bien, de esta nueva etapa es la apuesta por una versatilidad musical militante que reúne a un público con mentalidad definitivamente abierta al siglo XXI y con capacidad para disfrutar cada noche con lo que se proponga desde una tornamesa siempre bien pilotada por jóvenes pinchadiscos.
Nunca se han descuidado a los Byrds ni a los Beatles, pero ahora conviven con electrónica, indie, funk e incluso con la llamada música urbana…
Gracias al respeto a la diversidad, a la inclusión y a cierta transversalidad generacional, Ruido Rosa actúa como una corriente telúrica propiciatoria de iniciativas artísticas, como ateneo de intercambio de conocimientos y como uno de los lugares más divertidos y seguros de la ciudad.
Recomendaciones:
Rainbow Metal Pub
Templo, museo y bastión del metal
Escrito por:
Alfonso Fernández López
Graduado en Historia y Ciencias de la Música UGR
Graduado en Historia y Ciencias de la Música por la Universidad de Granada (2024); licenciado en Derecho (2005); Empresa propia: asesoría de empresas (2010-2021); Colaborador musical Onda Cero Granada (2024); Encargado de Prensa y Comunicación en Juventudes Musicales Granada (2024); Cantante lírico y rock (1998-actualidad).
Nos situamos ante el número 11 de la Calle Marqués Don Gonzalo. El mural con el logotipo de la calavera alada y dos guitarras cruzadas y la palabra "Rainbow" escrita con la tipografía de la legendaria banda de Ritchie Blackmore nos invitan a abrir las puertas de este santuario del metal, lugar de peregrinaje para decenas de miles de metalheads de todo el mundo.
No en vano, su suelo ha sido pisado por integrantes de bandas internacionales tan míticas como Scorpions, Helloween, Children of Bodom o Vulcano, y prestigiosos grupos nacionales como Angelus Apatrida, Obús, Warcry, Los Suaves, etc., quienes, tras tocar en la ciudad, debían hacer obligatoria visita a este templo del metal. Esta fama internacional es refrendada por el relato que Alfonso de la Osa, gerente del pub, nos cuenta sobre una visita realizada en 2016 por varias personas de Arizona (EE. UU.); un novio y acompañantes, en una despedida de soltero que consistía en viajar a Europa para conocer los lugares metaleros más emblemáticos del viejo continente. La última parada en dicha gira prenupcial fue el Rainbow y el novio confesó que resultó tan satisfactoria que afortunadamente no empezó su camino allí pues de lo contrario no hubiese disfrutado del resto de lugares programados.
Como museo, las personas amantes del metal pueden entretenerse durante horas contemplando las obras de arte y piezas de coleccionista que Alfonso mantiene y cuida con esmero. Se exhiben pinturas murales con momentos cumbre de la historia del género —algunas elaboradas por el propio de la Osa—, decenas de carteles de conciertos significativos, sets list de actuaciones variopintas, posters de personajes encumbrados de la cultura metalera, firmas de leyendas como la de los fallecidos Ronnie James Dio y Lemmy, fotos profesionales de conciertos y fotos amateurs de algunos «parroquianos de toda la vida», guitarras colgadas, cráneos de cabras, dragones… Y la joya de la corona, situada en la cabina del DJ: una colección de más de tres mil grabaciones originales de un sinfín de bandas de metal de todas las épocas, desde la década de los 70, y de sus incontables subgéneros. A este museo hay que añadir la simpática «rainbowneta», vehículo aparcado normalmente en las proximidades del pub y que es famoso ya en numerosos festivales nacionales y europeos.
También se habla del Rainbow como bastión del metal, y es que siempre ha estado y está a la cabeza de la promoción de este género tan amado por sus leales fans, quienes tienen la certeza de que allí conseguirán las entradas para la actuación o festival al que quieren asistir, siendo, además, informados de tales eventos, de lanzamientos discográficos… Además, se organizan viajes para presenciar conciertos y se programan actuaciones tanto en salas y locales externos al pub como dentro del mismo. Entre estos últimos se pueden enumerar los realizados por el guitarrista neoclásico estadounidense Mike Campese, los del belga Peter Ginis, los ofrecidos por miembros de las míticas bandas granadinas Azrael y María del Mal, y un largo etc. En este sentido es loable la promoción que se hace de bandas underground y con poca presencia en medios especializados; siempre hay un hueco para exhibir estos materiales musicales poco conocidos y adquirirlos por el precio que sus artistas creadores han decidido estipular.
Por todo ello, es innegable el papel activo y fundamental que juega el Rainbow Metal Pub para la conservación, promoción y fomento del amor hacia un género musical del que dicen que nunca morirá. Y así lo corrobora Alfonso de la Osa cuando confiesa sus intenciones al asumir la regencia del local. Tras desistir el último encargado de continuar con una actividad ejercida por varias titularidades desde 1996 hasta 2004, el destino del pub sería su conversión en prostíbulo, como estaba de moda en aquella época en esa zona —entre la calle Marqués Don Gonzalo y su perpendicular Azorín había cuatro locales de esa índole de los que, afortunadamente, no queda ninguno—. Alfonso no pudo soportar la idea de que un lugar tan especial para tanta gente tuviera ese esperpéntico final y decidió asumir una dirección que continúa hasta nuestros días. Y que sea por muchos años más.
Recomendaciones:
Industrial Copera
Industrial Copera, templo de la electrónica granadina
Escrito por:
Miguel Ángel Bonilla Rodilla
Doctorando FPU (2022) en el dpto. de Historia y Ciencias de la Música en la Universidad de Granada
Miguel Ángel es doctorando en el departamento de Musicología de la Universidad de Granada con una tesis etnográfica sobre música electrónica de club en Andalucía. Estudió guitarra jazz con Kiko Aguado y actualmente es guitarrista y productor de Sosoritnem.
Industrial Copera es, sin duda, una de las salas de conciertos más destacables e influyentes en la escena de músicas populares urbanas de la ciudad de Granada y a nivel nacional. Con 32 años de historia desde su apertura en 1992, consigue una muy amplia programación anual de conciertos y fiestas con artistas de alto renombre. Por ello, la relevancia sociocultural de la sala está asentada de forma evidente durante varias décadas, generando eventos de gran calidad artístico-musical, así como espacios de socialización underground cuyo público valora significativamente.
En un pequeño reportaje realizado en 2017 por la propia empresa , Rosa González —la dueña original junto con su marido Jesús Carrilla— relata que iniciaron su proyecto en Barcelona creando un bar musical. Sin embargo, puesto que en la ciudad de Granada no había existido antes un espacio de grandes dimensiones para conciertos y fiestas underground (techno y breakbeat, sobre todo), pronto se embarcaron en la fundación de una en la localidad de Armilla. Su emplazamiento en una nave industrial reformada a las afueras de la ciudad no solo aseguró el aislamiento para evitar molestias a los vecinos, sino la creación simbólica de un espacio de excepcionalidad (Martí, 2018) lúdica de tipo underground, algo muy favorecido por los géneros programados como la electrónica, el rock y el flamenco. Como consecuencia de su popularidad, la nueva sala se convirtió en un espacio de vanguardia en la escena nacional de electrónica, rock, flamenco y de vanguardia musical, en general. Ejemplos de ello fueron los conciertos de Maceo Parker, La Fura Dels Baus, Medina Azahara, Los Planetas, etc.
La dinámica de programación de la sala consiste en traer cada mes a artistas de alta calidad y géneros variados, junto con la programación periódica de fiestas de música electrónica de distinto tipo —en el marco temporal entre septiembre y junio, coincidiendo con el curso académico, algo significativo si tenemos en cuenta que gran parte del público de la sala son jóvenes estudiantes—. Entre los artistas de renombre han acogido, por ejemplo, a Rodrigo Cuevas, Love of Lesbian, The Fuzztones, Medina Azahara, The Inmates, Inmaculate Fools, Surfin Bichos, Los Planetas, Extremoduro, Ratanera, Juan Andrés Maya, Barón Rojo y Dorian Gray. Entre las fiestas que se celebran destacan Vortex, de dark/industrial techno; Destroy, de hard techno; Breakbeat fest, de ritmos breakbeat, como su nombre indica; Electronic Playground, electrónica variada; la Tuttipari, de temática inclusiva, pero especialmente LGTBIQ+ y BIPOC y con un repertorio de alta hibridación entre el techno, la música pop del 2000, el R&B, el flamenco-pop y otros géneros; MAREO, de sonoridad house y techno-house, etcétera.
Dado el alto éxito de esta sala de conciertos granadina, también resulta de interés comprender las raíces del porqué. Evidentemente, este espacio constituye una clara forma de socialización underground que va más allá de los aspectos generales que ya hemos mencionado. Nos referimos a entender por qué funciona socialmente. Para ello es valiosa la información que, por ejemplo, se nos ofrece en Fiesta y ciudad: pluriculturalidad e integración (2008) (Josep Martí, ed.) en el que se entiende socioculturalmente la fiesta. Josep Martí, etnomusicólgo y antropólogo afirma lo siguiente, que sin duda podemos aplicar a la ritualidad de Industrial Copera:
De acuerdo, pues, con todas estas reflexiones, podremos entender por fiesta aquel acto colectivo que, caracterizado por las constantes de sociabilidad, participación, ritualidad y la anulación temporal y simbólica del orden, posee rasgos de excepcionalidad, presupone el disfrute y se celebra en honor de alguien, algo o algún acontecimiento concreto (2008: 14).
Sociabilidad, porque la música y el baile colectivo consiguen el efecto de crear sensación de comunidad a quien asiste, aunque la escucha-baile puedan ser individualizados. Participación, pues existen unos sujetos que, activamente, tienen un papel relevante en la creación del evento, y otros que, pasivamente, asisten a la fiesta y dan feedback en redes sociales a priori y a posteriori. Ritualidad, dado que se producen acciones repetidas en un orden concreto con una finalidad comunicativa y de relación interpersonal: la compra de las entradas conjuntamente, la organización para asistir a la sala en un vehículo, la entrada con el registro de seguridad, la marcada separación entre el interior y exterior debido a las luces, decoración, simbología y los altos decibelios de la música, etc. La anulación temporal y simbólica del orden, puesto que, en esas horas y lugar, la lógica de la rutina se sustituye en parte por otras: la de la desinhibición, el trance, la socialización, el sentimiento de inmersión y evasión, así como, por supuesto, el de diversión.
Recomendaciones:
La Tertulia [autoetnográfico]
Poesía, música ecléctica y pensamiento
Escrito por:
Horacio Rébora Morra
Gestor Cultural, creador de La Tertulia
Creador de la Tertulia, director del Festival de Tango de Granada y de las Cumbres Mundiales de Tango, premiado por el Ayuntamiento, la Diputación, la Junta de Andalucía y la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires por su actividad cultural.
“Pienso luego insisto” Mario Benedetti
En el mes de abril de 1980 La Tertulia de Granada abre sus puertas. Es difícil explicar la velocidad con que fueron confluyendo hombres y mujeres de la cultura de todos los ámbitos: poetas, pintores, intelectuales, canteautores, flamencos, músicos de jazz, rockeros, tangueros, periodistas, actores hombres y mujeres decididos a pensar por sí mismos, un lugar como le gustaba definirlo a Juan Carlos Rodríguez “vacío de prejuicios”, es decir, un lugar para quedarse, un lugar de encuentro y de intercambio fecundo, que se transformó en poco tiempo en un centro de creación artística e intelectual que se proyectó mas allá de la ciudad de Granada. En ese espacio, sin duda singular, nació el Festival de Teatro, el Festival de Tango, el Festival de Poesía, la revista Olvidos y corrientes literarias como “la otra sentimentalidad”…..
La Tertulia fue lugar de encuentro cotidiano de personas como Juan Carlos Rodríguez (Profesor), Luis Garcia Montero (Poeta), Javier Egea (Poeta) , Juan de Loxa (Poeta) , José Carlos Morales (Músico), Álvaro Salvador (Poeta) , Enrique Morente (cantaor), Antonio Mata (Canteautor), Juan Vida (Pintor), Mariano Maresca (Profesor), Agustín Ruiz de Almodóvar (Escultor, cerámica), Mariángeles Mora (Poeta) , Teresa Gómez (Poeta) , Fernando Cobos (Actor), Juan Cruz (Profesor), Jorge Fernández (Crítico Flamenco), Esteban Valdivieso (Canteutor), Aurora Moreno (Música), Juan Luis Castellanos (Profesor), Paco Sánchez Montes (Profesor), Arturo Cid (Músico, Jazz), Aurora Moreno (Cantautora), Guillermo Morente (Músico, Jazz), Alberto Alcalá (Cantautor), Patricia Lázaro (cantautora) Carmen Huete (Actriz), Juan Trova (Cantautor) y su núcleo de nuevos autores, Fran Fernández (Cantautor) junto a “Puerta Verde". Esta lista se podría prolongar con muchos nombres más, pero ya es suficiente para dar una idea de la diversidad de personas que confluían de manera mas o menos simultánea y cotidiana y que formaron , sin duda, de un conjunto heterogéneo y valioso que se había constituido, sin pretenderlo, en un centro de influencia artística y cultural para la ciudad de Granada. Fue también un punto de atracción para que vayan apareciendo y dejándonos sus creaciones desde el escenario notables artistas como: Rafael Alberti, Mario Benedetti, Paco Ibáñez, Ángel González, Carmen Linares, Javier Krahe, Joaquín Sabina, León Gieco, Paco Rabal, Antonio Muñoz Molina, Almudena Grandes, Andrés Vázquez de Sola, Los Carabajal, Horacio Ferrer, Tamariz, El Kanka, Ricardo Carpani, etc… en el libro La Tertulia memoria Coral se puede consultar una lista más completa de las personalidades y amigos que pasaron por la Tertulia en estos 45 años.
Todo ello fue producto que los ámbitos de la cultura y el arte se entremezclaron formando una especie de ambiente renacentista que dio una incontable cantidad de frutos que aún hoy se pueden disfrutar. En este sentido La Tertulia desde sus inicios tuvo una actividad cultural y musical decididamente ecléctica.
No obstante, hay que decir también que hoy se vive una época distinta, la cultura, sus artistas y su público se fueron fragmentado en sus respectivas especialidades; eso explica que cada día La Tertulia tenga un público diferente según la programación que los convoque.
Con ello se podría decir que la Tertulia pasó de ser un centro de creación cultural a un espacio de divulgación, con seguridad que no pudo ser de otra manera porque la época es siempre mas dominante que las voluntades individuales.
Recomendaciones:
Pub Entresuelo
Barriles solidarios en Granada: El pub Entresuelo
Escrito por:
Helena Martínez Díaz
Doctoranda FPU Departamento de Historia y Ciencias de la Música de la Universidad de Granada
Doctoranda en cotutela entre la Universidad de Granada y Università Ca' Foscari di Venezia. Realiza una tesis sobre la profesionalización musical de las mujeres a finales del siglo XIX e inicios del XX.
En 1989, abría sus puertas en la calle Azacayas uno de los espacios más activos y con más historia de la noche granaína: el Entresuelo. Ubicado desde 2007 en el número 2 de la Plaza de San Agustín, también conocida como la Plaza de Radio Granada, su interés por ofrecer un lugar alternativo y plural de disfrute y expresión cultural ha sido siempre evidente.
Si nos preguntamos cómo es el Entresuelo, en cuanto a su espacio, podríamos describirlo someramente: está dividido en dos grandes salas. La primera, con un gran ventanal en la entrada y una barra acogedora para consumir, y la segunda, con una pequeña plataforma que hace las veces de escenario, junto a una cabina para DJs.
Pero si miramos más allá del espacio físico, querríamos saber qué música suena, quién lo frecuenta, o qué actividades ofrece. Y para responder a estas cuestiones, primero debemos entenderlo desde una perspectiva ideológica. El pub Entresuelo se alza como uno de los espacios festivo-culturales inclusivos de Granada, apoyando abiertamente las luchas de asociaciones y colectivos sociales, y defendiendo valores transfeministas, antirracistas, ecologistas y antiespecistas, entre otros.
A lo largo de su historia, el Entresuelo ha sido un auténtico centro cultural, organizando una programación diversa que sigue vigente hoy en día. Conciertos, exposiciones, conferencias, clases de baile, jams, teatro, cine e intercambios de idiomas son solo algunas de las actividades que ofrece. Su agenda mensual está guiada por dichos ideales sociales, lo que lo convierte en un referente en la vida cultural y social de Granada.
Desde sus orígenes, el Entresuelo ha promovido la música alternativa granadina, atrayendo a destacadas bandas a su escenario. Con motivo de su veinticinco aniversario, en 2014, celebraron un festival en la Sala El Tren que reflejó la esencia de sus primeras etapas. Entre los grupos que se programaron estaban los granaínos Eskorzo (en su formación Afrobeat Experience) y la pionera en los años 90 Tatamka (banda punk-viento-rock, como llegaron a definirse de Huétor Tajar) junto a Desechos (anteriormente Hechos contra el Decoro). El festival también contó con Djs y agrupaciones que aún representan la esencia de su programación actual, como dj BRuTus (reggae, dub, electro, hip-hop, rap…), pEpEntrE y rebelao (nu-swing, balkan, cumbia, latín…). Además, estuvieron presentes colectivos como Bloco Yemanjá, una banda de mujeres percusionistas enfocada en la música afro-brasileña, y la sound system granadina Nasharï Sound.
La programación del Entresuelo abarca una variedad de géneros, desde punk, rock, funk o jazz hasta afrobeat, dancehall, cumbia, reggae, electrónica, dub o trap. Esta variedad de géneros y estilos que iban desde el punk, rock, funk o jazz, pasando por el afrobeat, dancehall, cumbia o reggae, hasta la electrónica, dub o trap ha estado – y está hoy en día – presente en la programación y sesiones nocturnas que aglutinan una amplia pluralidad de asistentes.
Una de las formulaciones más constatables de su apoyo a diversas luchas se localiza en los llamados Barriles solidarios: eventos en los que un pub/bar colabora cediendo el espacio y parte del coste de la consumición al colectivo o causa social organizadora y que, en el caso de Granada y el Entresuelo, incluye la venta de tapas – veganas y con atención a alergias e intolerancias, por lo general–, rifa o venta de objetos relacionados con la causa.
Los barriles son también frecuentes en otros espacios de Granada, sin embargo, por la asiduidad con la que los principales colectivos sociales se reúnen, así como por el carácter solidario de los mismos, considero el Entresuelo como uno de los espacios más idóneos para situar esta práctica tan representativa en Granada. Así, además del apoyo económico necesario: organización de huelgas y manifestaciones, contribución a crear nuevos entornos sociales, ayuda en pago de multas por reivindicaciones sociales, etc., sin duda ofrece un espacio de sociabilización alternativo, seguro e inclusivo, especialmente para las identidades disidentes.
En la actualidad son comunes los barriles organizados por movimientos ciudadanos, antirepresivos o antirracistas, así como desde colectivos LGTBIAQ+, transfeministas y asociaciones de índole social [Véase la ATFU, El Faro taller, Granada visible, Espacio Bibollero, Asamblea antiespecista o Antirracismo Granada, entre otros] que transforman espacial, musical e, incluso, en tanto a asistentes, al menos durante el tiempo del barril – que suele abarcar entre las 21 y las 00 horas –, el Entresuelo. Más allá de su frecuente programación musical, los barriles transforman la lista de reproducción del pub, permitiendo que cada colectivo organizador reproduzca aquellas músicas que les interpelan y hace sentir en comunidad. A las 00, tras la rifa, el Entresuelo vuelve a su programación regular, ya por 35 años.
Recomendaciones:
Sala Planta Baja
Un templo de la música en Granada
Escrito por:
Jaime Miralles Nevado
Músico en Radio Palmer y Amigas! y productor
Licenciado en Historia y Ciencias de la Música por la Universidad de Granada, miembro de los proyectos Radio Palmer y Amigas! y productor y técnico de sonido de estudio.
Es difícil hablar de la música en Granada en los últimos 35 años sin que aparezca el Planta Baja en la conversación, y eso que suele ocurrir que los lugares a los que se asocian movimientos o escenas musicales acaban pasando de moda junto a ellos. Sin embargo, esta sala de conciertos abierta en primer lugar en 1983 es hoy tan importante para la cultura local como lo era aquel 27 de mayo de 1993 en el que Los Planetas presentaron el ya mítico “Súper 8” sobre su escenario, o aquellos 14 y 15 de septiembre de 2012 en los que sus dueños decidieron dedicar su fiesta (gratuita) de inauguración de la temporada a criticar la subida del IVA cultural invitando a participar a artistas y bandas de la talla de Lori Meyers, Jota, Hora Zulú, Neuman o Pájaro Jack.
Ese estatus de monumento cultural es fruto de un esfuerzo que comienza con sus fundadores: Juan Antonio Peinado, Marino Martín y, el ya fallecido, Miguel Benlloch. Estos tres amigos tomaron la decisión de unirse para montar un bar al que llamarían Planta Baja, cuya primer emplazamiento fue el número 15 de la calle Obispo Hurtado, donde ya se convirtió en un referente de la contracultura local; sin embargo, no fue hasta su mudanza al número 2 de la calle Horno de Abad cuando se convertiría realmente en ese lugar de reunión habitual para artistas que sigue siendo hoy en día. Tras muchos años de actividad, en 2004, sus fundadores originales decidieron traspasar el local a sus actuales dueños, los miembros de Eskorzo, quienes han mantenido vivo el espíritu de vanguardia y juventud que sigue a día de hoy habitando entre sus paredes, sobreponiéndose siempre a una tensión provocada el hecho de ser el hogar de distintas generaciones. No es esta una cuestión baladí, pues parte del encanto que tiene el lugar es esa indiferencia ante aspectos como la edad, la apariencia o el género que puede uno constatar cualquier noche de viernes, en la que podemos encontrar en la sala de arriba a un miembro de una banda local poniendo temas de Sonic Youth o Bauhaus y, en la sala de abajo, a un colectivo sevillano de breakbeat que es capaz de aglutinar a un público cuya edad media no supera los 22 años.
Con el tiempo, el funcionamiento de la programación ha cambiado en muchas ocasiones hasta que, a día de hoy, los gestores del local han dado con una manera de operar que mantiene muy vivo al Planta Baja a lo largo de la semana, con conciertos de jueves a sábado hasta las once y media de la noche, seguidos de sesiones de música electrónica acordes a las tendencias del momento los mismos días a partir de las doce. Los viernes y los sábados se suman en la planta de arriba DJs enfocados al mundo de la música que no encaja en el concepto de la música de club: rock alternativo, soul, post-punk, rock n’roll, etc. Además, hay que mencionar que varios domingos al mes tiene lugar una cita ineludible para un público muy fiel no ya con una banda, sino con todo un ciclo, el conocido como Serpiente Negra que dirige Toni Anguiano, quien organiza conciertos de bandas, casi siempre internacionales, afines a géneros como el garage, el punk, la psicodelia y otros estilos de extrarradio. En general, tanto dentro de Serpiente Negra como de manera paralela, el Planta ha disfrutado de la visita de artistas foráneos tan importantes como Jason Molina y su Magnolia Electric Co., Thurston Moore de Sonic Youth, Les Filles de Illighadad, Acid Mothers Temple, Dead Boys, Os Mutantes o Boogarins. Sin embargo, lo que realmente engrandece al Planta Baja es el hecho de visualizarlo como cita obligatoria en los carteles de algunas de las bandas más importantes del circuito alternativo nacional, pues a pesar de un aforo que no llega a las 300 personas, por ella han pasado en los últimos dos o tres años proyectos tan significativos como Rojuu, Camellos, La Plata, Ralphie Choo, La Paloma, Alcalá Norte, Rusowsky, Triángulo de Amor Bizarro, Carlangas, Belako, Perro… en definitiva, un sinfín de nombres que no pueden más que confirmar la importancia de una sala única en su ciudad.
Por último, cabe mencionar la gran labor de apoyo a la cultura local que se realiza en el Planta Baja y, prueba de ello, es su labor de organización del Concurso de Bandas Emergentes Granajoven, en el que han participado proyectos como Apartamentos Acapulco, Las Dianas, Radio Palmer, Colectivo da Silva o Amigas!. Este es el ejemplo perfecto de que la paradoja más bonita del Planta Baja es que, a pesar de su estatus de mito, es muy fácil encontrar a un artista afincado en Granada que en algún momento de su carrera se haya subido al admirado escenario del local.
Recomendaciones:
Loop Bar & Records
Underground Music Bar & Record Store
Escrito por:
Antonio Pérez Bohórquez
Socio y encargado de Loop Bar Records
Procedente de Cádiz, desde 2019 en Granada, Soy maestro de Música y tras varios años de profesor de Educación Musical Temprana y guitarra electrica en Gabba Hey Escuela de música, soy socio y encargado actualmente de Loop Bar & Records
Desde hace ya 17 años, Loop Bar & Records es uno de los pilares de la escena musical de la ciudad. Con una cuidada selección musical, dentro de un ecleticismo que puede saltar del hardcore al indie, de la música electrónica al flamenco, del rap al punk... en este espacio también encontrarás una representación de bandas andaluzas con una pared dedicada al Andalusian Noise, dónde encontrarás trabajos de diferentes bandas andaluzas de la escena underground.
Sitio de visita obligada de visitantes y turistas amantes de la música independiente, músicos, escritores, personajes de la cultura local, diferentes colectivos... el concepto de bar y tienda de vinilos de Loop Bar & Records que ya es único en la ciudad de por sí, cuenta además con multitud de actividades semanales como pinchadas especializadas, presentaciones de discos y libros, fiestas de colectivos, etc.
Recomendaciones:
No dudes en escribirnos y ponerte en contacto con nosotros, te contestaremos lo antes posible.
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